lunes, 30 de julio de 2018

LOS AMANTES DE PONT-NEUF - LES AMANTS DU PONT-NEUF



EDITORIAL

La muerte de los amantes
La muerte de los artistas
La muerte de los pobres
Las venas adheridas al espanto, al asfalto, 
esa zona de entendimiento cuando se susurran cosas calladas, 
donde dos criaturas están envueltas 
y huelen a agua mojada a roca y casa.
En una nube privada cada amanecer los encuentra 
en una jaula de obediencia en el lomo, en un estado de salvajismo.
Cada cosa está vigilada por un hada pronta a volar.
en una relación indefinible, pero maravillosamente justa.
Carbón sonoro
carbón amo del sueño
frente a frente con el fuego 
que ilumina con exactitud las piedras llevadas por el viento 
y que murmuran calendarios ciegos sobre ese laberinto infernal.


Una de las acciones más directas del lenguaje es preciso encontrarla en el lenguaje imaginativo, entre lo que empuja y lo que aspira. Jacques Ranciere en su libro “Las distancias del cine” dice que un film se opone a las historias como verdad o mentira. Lo visible ya no es la sede de las ilusiones sensibles que la verdad debe disipar. Es el lugar de la manifestación de las energías que constituyen la verdad de un mundo. No existe las apariencias y lo real. Existe la comunicación universal de los movimientos. La lengua de las imágenes es un compromiso entre poéticas divergentes sobre la base de las múltiples maneras que tienen las artes de lo visible de inventar miradas y transformar los espacios que recorren. Siguiendo a la “Teoría Estética” de Paul Valery una obra no es otra cosa que el instrumento de esta multiplicación o regeneración posible donde la Esperanza es verdaderamente el único lenguaje activo y la única ilusión susceptible de ser transformada en buen movimiento.


Siguiendo una luz oscuramente oscura
recuerdo del primer gato que amé
Reinaba sobre el rio Sena aquel silencio tuyo
En un día sin pájaros pero de peces voladores.
Los últimos fulgores del carbón
despiadado carbón.

Marina Rossetto.-

Canción elegida para la editorial


 IMPRESIONES SOBRE LOS AMANTES DEL PONT-NEUF


Encontrarse en el medio de corazones profanos, hundidos en las salvajes tiranías del amor puede considerarse un juego peligroso. Un escenario de dudosa procedencia, donde ciertos cuerpos esperan sanar sus heridas pero fundamentalmente limpiar sus almas. A ese bosque lleno de hojas secas y desperdigadas hemos llegado más de una vez buscando todo tipo de respuestas. Allí derramamos lágrimas por amores perdidos y nos extasiamos ante sonrisa etéreas. Allí sufrimos la melancolía de quedarnos desnudos ante todos, libres de toda ropa por más desvencijada que sea. Mendigos de placer y ciegos de pasión. Como Alex y Michelle, los personajes del film Los amantes del Pont-Neuf de Léos Carax. El director nos trae una hermosa historia romántica pero para nada edulcorada. Un puente unirá los mundos de Alex (Denis Lavant), un mendigo alcohólico y adicto a los sedantes y Michelle (Juliette Binoche), una chica de clase media alta que está perdiendo poco a poco la vista. El escenario será el puente más antiguo de París, llamado contrariamente Puente Nuevo, a orillas del bello Río Sena, mientras es reacondicionado para los festejos del bicentenario de la Revolución Francesa. Seremos testigos de la presentación de los personajes, mientras viajamos en un auto por las calles de la capital francesa. Veremos el sufrimiento de él en primer plano, antes de caer al piso, donde dicho auto pasará por encima de sus pies. 


También conoceremos a ella, casi como una pordiosera y nos enamoraremos inmediatamente. Carax desarrollará la historia de forma lineal. Sabremos que Alex es un “sin techo” que quiere escapar todas las noches de ese albergue con forma de prisión y ella, una pintora que divaga por las calles luego de la pérdida de un amor. No será necesario indagar sobre ese pasado, sino de vivir el presente. El joven director francés hará un poema de cada imagen. Contará con unos excelentes planos generales del puente como si fuéramos los principales testigos de esa relación casi imposible. Utilizará primeros planos de los rostros de los protagonistas y planos detalles, además de ubicar la cámara siempre en el lugar justo, como esas imágenes en ángulo picado recorriendo el puente. La fotografía será exquisita, con colores fríos durante esos primeros minutos, envuelto en colores azules o marrones, mientras que con el correr del metraje se transforman en más cálidos, como nos muestra el verde claro del agua o los vestidos de la protagonista. El director contará con una excelente banda musical, pasando de la música clásica al rock o al pop, que será tan importante como la imagen, como ese fondo con la sonata para violonchelo de Kodály mientras ambos corren por los pasillos del subte en una de las mejores escenas del film. 


Carax no se hunde solo en lo musical sino también posee una cantidad de sonidos perfectamente logrados, como el rompimiento de las olas en el mar o los ruidos de esos fuegos que escupe Alex como artista circense, elementos que el director utiliza más de una vez, dándonos a entender que entre el fuego y el agua está la liberación y el verdadero ser de los protagonistas. El guion nos llevará por la curva dramática de forma impecable, con un montaje muy bien logrado a cargo de Nelly Quettier. Seremos parte de ese amor que nace bajo las estrellas. La realidad nos abofeteará la cara más de una vez mostrando la visión más demoledora del mismo, cuando Alex descubre que ella puede tener una cura para su vista, pero eso la aleja justamente de su vida. En su enfoque del mundo, las posibilidades de que ella se vaya deteriorando es la piedra basal para no perderla. Cosa que el director muestra más de una vez enfocando el rostro de ella mientras el horizonte queda fuera de foco con las luces borrosas, como su punto de vista. Llegará la tragedia y la prisión pero también el reencuentro. Veremos a los amantes en un puente totalmente arreglado, tanto como las vidas de ambos. El libre. Ella con la vista perfecta. Será el agua quien los desnude otra vez para unir esos corazones y concretar esos sueños, pese al miedo de ella de dañar otra vez su vista. Será solo un mal recuerdo. Será esa vieja mala pintura olvidada en un rincón la que devuelva esta vez otra imagen. La de dos corazones unidos preguntándose y que más por este amor…

Marcelo De Nicola.-

Canción post impresiones


Uno de los temas del film


Otro tema que suena en la película 


UNIVERSO CARAX


Nacido el 22 de noviembre de 1960 en Suresnes, Francia, es hijo de la periodista norteamericana y crítica de cine Joan Dupont (International Herald Tribune) y del periodista de la ciencia francés Georges Dupont. Su nombre artístico es un anagrama de Alex que es el nombre del personaje principal en la mayoría de sus películas (y el nombre que le dieron sus padres) y de Oscar en referencia a los Premios Óscar: “Nací en 1976 en una cámara oscura y sería muy difícil para mí que me hubieran hecho nacer antes bajo un nombre sacado del papeleo. He hecho cine para ser huérfano. Antes, era como si yo hubiera dormido durante diecisiete años”, declara Carax. A finales de la década de los 70 estudió en el centro Censier de la Universidad Sorbona Nueva - París, donde conoció a Serge Daney y Serge Toubiana que lo presentaron con los Cahiers du Cinéma, donde permanece un corto periodo. Comenzó el rodaje de un filme de bajo presupuesto, en el cual fracasó, llamado La fille rêvée; la empresa terminó cuando un proyector roto encendió las cortinas de un restaurante chino donde se había realizado una de las escenas. Con apenas 24 años, Carax, realiza Boy meets girl (1984), que llama la atención por un estilo visual maduro, el film tiene la influencia de cineastas como Cocteau, Dreyer, Godard o Bresson. 


Le siguió el filme de ciencia ficción Mala sangre en 1986. La película es un claro homenaje a la Nouvelle vague, y en especial a una de sus grandes influencias, Jean-Luc Godard. Continúa con su exploración del amor en los tiempos modernos, que adquiere un tono más oscuro y extremo en esta cinta. Cinco años más tarde filma Los amantes del Pont-Neuf que sufre grandes retrasos debido a la financiación, a pesar de que terminó siendo la más cara del cine francés. En 1999 filma Pola X, una adaptación del cuento de Herman Melville, "Pierre o las ambigüedades", sobre un joven que conoce en el bosque una misteriosa chica que cambiará su vida. A finales de 2007, participa con el segmento titulado "Merde" en el largometraje japonés Tokyo! 


Trece años después de su última película, en 2012, presenta Holy Motors, protagonizada otra vez por Denis Lavant donde muestra un día en la vida de un hombre con múltiples personalidades: asesino, mendigo, ejecutivo, monstruo y padre de familia. El protagonista encarna personajes diversos como si se tratase de una película dentro de una película. Lo último que ha filmado es el cortometraje Gradiva.

FICHA TÉCNICA

Título original: Les amants du Pont-Neuf
Año: 1991
Duración: 125 min.
País: Francia
Dirección: Leos Carax
Guion: Leos Carax
Música: Varios
Fotografía: Jean-Yves Escoffier
Reparto: Juliette Binoche, Denis Lavant, Klaus-Michael Grüber, Daniel Buain, Marion Stalens, Chrichan Larson, Edith Scob.

SINOPSIS

En torno al Pont Neuf, pese a su nombre, el puente más antiguo de París, se desarrolla una fascinante historia de amor entre dos vagabundos: Alex y Michelle. Él es un frustrado artista de circo a causa de su adicción al alcohol, y ella es una pintora que ha sufrido una dolorosa ruptura sentimental y, además, se está quedando ciega. Entre ellos nace un sentimiento cada vez más fuerte de mutua dependencia.

CORRE LOLA CORRE - LOLA RENNT



EDITORIAL

La noche de las horas dialoga con tu imagen, mientras en la extraviada lejanía yo invento tus ojos sobre la mortecina palidez del humo del cigarrillo que se consume copa tras copa. Recordar es el triunfo de una mentira, morir es la pérdida final del presente. La ciudad nos cubre de ausencias y cada sociedad camina perdida sobre el laberinto incierto que construye en el día a día la causa y el efecto. ¿Dónde buscarte? ¿Hacia dónde gritar tu nombre? Si los duendes han olvidado el camino al bosque y los magos ya no encienden sus lámparas para desmentir nuestros sentidos. Estamos aquí encerrados, en este tiempo, en este espacio, donde el único orden es el caos y mientras veo el humo de mi cigarro ensayar sutiles formas en esta habitación vacía y triste, alguien besa por primera vez unos labios que serán eternos, mientras otro se suicida en la oscura soledad que el olvido absoluto engendra y una galaxia estalla a millones de años luz mientras una estrella aquí apaga para siempre su brillo ante la completa indiferencia de aquel hormiguero nefasto llamado humanidad. Todo eso, de alguna manera quizás me acerca aún más a mi muerte. ¿Cómo encontrarte si en la sutileza mínima de un cambio lanzado al tempestuoso devenir del tiempo nace aquella oscura sentencia que nos jura que jamás, pero jamás, seremos los mismos?

Lucas Itze.-

Canción elegida para la editorial



IMPRESIONES SOBRE CORRE LOLA CORRE


Ella corre hacia la parada del colectivo. Hace señas estridentes para que el chofer con cara de pocos amigos aminore su marcha y cumpla con su trabajo. El asfalto mojado por la lluvia que arrecia hace que la carrera sea más peligrosa. Llegando a la esquina siente que está a nada del objetivo. Sin embargo, quien maneja elige mirar casualmente para otro lado y seguir de largo. Habrá insultos y reproches al aire. Piensa que si no se olvidaba de agarrar las llaves de antemano sin dudas no hubiese pasado por este momento. Solo dos minutos tardará en venir el siguiente ómnibus. Por suerte hay asientos libres, al final no fue todo tan mal, se convence a sí misma. Mientras está a punto de quedarse dormida, siente un estruendo. Metros adelante un colectivo es embestido por un tren. Se escuchan gritos, se siembra el terror. Por la ventanilla alcanza a divisar el desastre. Inmediatamente nota que en ese lugar podría haber estado ella. Estalla en llanto. Un minuto, una vida más y una vida menos. Así de simple. ¿Será obra del destino? Empiezan las preguntas. Surge la Teoría del caos, sus distintas variables y sus infinitas proyecciones. El famoso ¿qué hubiese pasado si...? El final como punto de partida, simplificando la frase del poeta Thomas Stearns Elliot con la que comienza el film Corre Lola Corre del alemán Tom Tykwer, título con clara referencia a la frase clásica de Forrest Gump. Ya desde el comienzo estaremos ante un film intrigante. La cámara se situará en el medio de una multitud haciendo foco en diferentes personas que luego veremos a lo largo del metraje, pero lo sabremos después. Mientras suena una música tecno que taladra los oídos, una voz en off va haciendo las clásicas preguntas que nos hemos hecho más de una vez en este sitio. 


¿Quiénes somos? ¿De dónde venimos? ¿A dónde vamos?, entre tantas otras. De repente alguien parece tener la respuesta y nos dice: El balón es redondo. El juego dura 90 minutos. Eso es un hecho. Todo lo demás es pura teoría... mientras bota un balón al aire y con todas las cabezas de esas personas se forma el título de la película. La frase, para sorpresa de muchos, pertenece al legendario entrenador alemán Sepp Harberger quien ya era citado en el comienzo con otra de sus máximas: después del juego es antes del juego... Llegarán los créditos y las sorpresas seguirán, aparecerá la animación por primera vez, con una chica pelirroja corriendo y luego será la presentación de los actores, todos con sus fotos de frente, casi como si fuesen presos. Luego de los títulos, la cámara aparecerá en las alturas de Berlín donde bajará de forma vertiginosa hasta llegar a una habitación donde un teléfono rojo suena, allí aparecerá ella, con el pelo del color del teléfono. Empezará la historia. Sabremos que Lola recibe un llamado de su novio Manni, quien perdió una bolsa de dinero que tiene que devolver en veinte minutos o unos gángsters terminarán con su vida. Como nunca antes, se hace realidad la frase el tiempo es dinero. Será hora de correr. El director utilizará todos sus trucos para contar la historia, que no será para nada convencional. Evitará la linealidad temporal que se romperá más de una vez. La historia empezará y terminará, con esos veinte minutos de tiempo real que parecen eternos, pero luego de un flashback volverá al punto de partida, por lo que dispondremos de tres historias diferentes del mismo tiempo. Ahí jugarán el destino y sus variables. La cámara irá de acá para allá siguiendo el paso frenético de Lola, pero también habrá imágenes ralentizadas, cámara en mano y diversos planos, muchas veces idénticos, para mostrar cómo se desarrolla la acción. 


El montaje por momentos esquizofrénico será sin dudas su principal aliado, trabajado de una manera excepcional. Como dijimos anteriormente, usará la animación y también tendrá escenas en blanco y negro. La fotografía será exquisita, con el rojo como máximo exponente de la paleta de colores, como muestra el pelo de la protagonista y el mencionado teléfono, pero también en esos flashbacks donde ellos aparecen acostados hablando del amor o la muerte. Tykwer no solo será el guionista y director, sino también el encargado de la música, ese estilo tecno noventoso que suena con cada paso de los protagonistas. Los sonidos tendrán también su efecto deseado y se encastrarán perfectamente ante ciertos planos congelados, como los latidos del corazón a punto de infartarse en el guardia de seguridad al que nuestra heroína termina “salvando” en la ambulancia. Por momentos, las imágenes envolverán todo y parece que estamos ante la presencia de un videoclip musical, quizás por eso el director fue mencionado como parte de la Generación MTV, pero en este caso, todo lo que vemos tiene sentido. El silencio tendrá su lugar en los momentos más tensos y en el final del film, donde ya no habrá porque correr. El film entonces hará base en ese microsegundo en el que todo puede cambiar, no solo en la vida de Lola y Manni, sino también en la de esos personajes que aparecen fugazmente y que el director nos va mostrando instantáneas de su futuro, porque como el mismo dice, se puede contar una historia en tres segundos. La respuesta a todo la tendrá el tiempo, con ese reloj que parece señalar la hora de la muerte aunque simplemente nos indique que no importa el camino que tomemos, siempre vamos a llegar al inicio. Porque a veces es necesario dejar pasar un colectivo para disfrutar la vida y que eso nos invite a dejar de correr.

Marcelo De Nicola.-

Canción post impresiones


 Uno de los temas del film


UNIVERSO TYKWER


Nacido en Wuppertal, Alemania, el 23 de mayo de 1965, se interesó en el cine desde chico luego de ver películas como Peter Pan o King Kong, con esta última, a los nueve años descubre que el cine era artificial, o sea, algo hecho por los hombres. Milagro en Milán de Vittorio Da Sica, La Novia de Frankenstein de James Whales y Halloween de John Carpenter son otras de sus principales inspiraciones. A los once años empieza a hacer películas en Súper 8 imitando sus películas favoritas. Luego de visitar Berlín, termina yendo a la ciudad donde empieza como proyeccionista. En 1987 se transforma en el programador del cine Movimiento, además de analizar guiones y entrevistar figuras del cine. En los ´90 conoce al director alemán Rosa von Praunheim, uno de los principales del cine postmoderno del país y reconocido activista gay, quien lo impulsar a filmar sus historias personales. Una de ellas terminó siendo el corto Because, donde mostraba las peleas del director con su novia. El corto fue presentado en un festival y obtuvo aplausos luego de la finalización lo que hizo que Tykwer siguiera por el buen camino. Su segundo corto fue Epílogo en 1992, que lo terminó endeudando pero ganando experiencia. En el festival de 1990 el director conoce a Stefan Arndt, quien lo contacta con la cadena televisiva ZDF y le dan la oportunidad de filmar un largo. El guion era Deadly María y gracias a ellos empieza a tener un éxito no solo en su país sino en países tan disímiles como Brasil, Noruega, España o Suiza. Junto a Stefan Arndt, Wolfgang Becker y Dani Levy, Tykwer fundó la productora X Filme Creative Pool en 1994. Su segundo film llegó en 1996 bajo el nombre de Winter Sleepers. Un film con varias historias entrelazadas filmadas en la nieve de Berchtesgaden que volvió a tener un gran éxito en los festivales. En 1998 llega el gran éxito con Corre Lola Corre que lo termina de hacer famoso en el mundo. Su cabeza igual estaba en su próximo proyecto, La princesa y el guerrero, también con Franka Potenta, su pareja de ese entonces, como protagonista. 


El film obtuvo varios premios nacionales. El nuevo siglo lo encuentra por primera vez trabajando para Estados Unidos, donde la firma Miramax le acerca un guion del reconocido director polaco Krzysztof Kieslowski llamado Heaven (En el cielo), que no había podido filmar debido a su muerte. Con Cate Blanchett como protagonista y el director vio sus temas preferentes como la culpabilidad y el perdón en el guion del polaco, en particular la idea de que dos enamorados sean capaces de salvarse mutuamente y así convertirse en uno. El film fue rodado en Italia. En 2004 filma con poco tiempo el capítulo para el film París, Je T´aime llamado True con Natalie Portman como protagonista, quien hace de novia de un chico no vidente. En 2006 lleva al cine la novela de Patrick Süskind, Perfume, un thriller sobre un particular asesino en serie que llevó a Tykwer otra vez a ser nominado en varios festivales. 


Su próximo proyecto fue un film de episodios donde trece directores alemanes filman historias sobre el estado del país en 2009. Ese año dirige a Clive Owen y Naomi Watts en el film El internacional sobre un agente de la Interpol que investiga el mercado bancario y sus dudosas operaciones financieras. Un año después filma en Kenia junto a Hawa Essuman la película Soul Boy sobre un niño que intenta salvar el alma de su padre en Nairobi. Ese mismo año dirige Tres, un drama romántico donde una pareja se enamora del mismo hombre, que obtuvo flojas críticas. En 2012 se une nada menos que a los hermanos Wachowski para filmar Cloud Atlas, una historia que une pasado, presente y futuro entrelazados por pequeños detalles, con Tom Hanks como protagonista. 


Junto a los mismos hermanos dirige la serie Sense Eight y en 2016 vuelve a dirigir a Tom Hanks en Un holograma para el Rey, donde el protagonista viaja a Arabia para mejorar su economía y poder mantener a su familia. Lo último que ha dirigido ha sido la serie creada por el mismo llamada Babylon Berlin, ambientada en 1929 donde un policía investiga una red de pornografía relacionada con la mafia rusa.

FICHA TÉCNICA

Título original: Lola rennt (Run, Lola, Run)
Año: 1998
Duración: 75 min.
País: Alemania
Dirección: Tom Tykwer
Guion: Tom Tykwer
Música: Tom Tykwer, Johnny Klimek, Reinhold Heil
Fotografía: Frank Griebe
Reparto: Franka Potente, Moritz Bleibtreu, Herbert Knaup, Nina Petri, Joachim Król, Armin Rohde, Heino Ferch, Suzanne von Borsody, Sebastian Schipper, Ludger Pistor, Julia Lindig, Lars Rudolph, Ute Lubosch.

SINOPSIS

Dos amantes disponen tan sólo de unos minutos para cambiar el curso de sus vidas. Lola recibe una llamada desesperada de su novio Manni, que acaba de perder una pequeña fortuna que pertenece a un jefe de la mafia para el que trabaja. Si Lola no consigue el dinero en veinte minutos, Manni sufrirá las consecuencias.

CARRETERA PERDIDA - LOST HIGHWAY



EDITORIAL

La niebla trae un poco de luz entre tanta oscuridad. La ruta parece cada vez más desierta y las estrellas se esconden en el cielo. Los recuerdos se vuelven más difusos. Los contornos se hacen cada vez menos visibles. Allá está ella. Sus labios carmín emanan fugaces palabras furiosas. Aparece y desaparece en los sueños como por arte de magia. Me pregunto cuanto hay de realidad y cuanto de imaginación. Sigo conduciendo hacia un destino incierto. Vienen a la mente las últimas palabras ahogadas en un murmullo de viscosa sangre. Temo cerrar los ojos pero recuerdo que estoy manejando hacia quien sabe donde. De repente el parabrisas se transforma en una pantalla. Aparecen nuevamente esos labios echando una bocanada de humo de un cigarrillo al que le quedan pocos segundos de vida. Detrás de la humareda empieza a aparecer su cuerpo danzando eróticamente. 


Sus uñas pintadas amenazan salir de la pantalla y rasguñar la poca vergüenza que me queda. Se balancea frente a mí susurrándome insultos al oído. Las luces de la autopista amagan formar remolinos de sangre a mí alrededor. Su cara comienza a deformarse hacia mil rostros diferentes. Ella como parte de todas. Las gotas de sudor logran empapar mi cuerpo. Es el último pasaje hacia el infierno. Los tambores suenan con más violencia destrozando por completo mis oídos. La música se eleva infinitamente. Mi cabeza parece girar aunque esté en una posición fija. Mis ojos no pueden hacer foco porque las lágrimas cortan los párpados. Se escucha una última risa diabólica envolviendo todo. Unas luces gigantes aparecen para acabar el cuento. Una bocina interminable sonará como canción de despedida. El estallido romperá huesos y los metales se esparcirán en mil pedazos. Será el fin tratando de escapar de mi propio infierno ansiando encontrarte nuevamente en la carretera perdida.
                                                  
Marcelo De Nicola.-

Canción elegida para la editorial


IMPRESIONES SOBRE CARRETERA PERDIDA


Miguel Hernández concluía uno de sus poemas con una poderosa sentencia descripta en los siguientes versos: Ayer, mañana, hoy / Padeciendo por todo / mi corazón, pecera melancólica, / Penal de ruiseñores moribundos. / Me sobra el corazón. Tal como ya hemos discutido en este foro una innumerable cantidad de veces, hoy volveremos, no sin cierto sabor amargo, a decirles a todos ustedes, queridos amigos, que el arte miente. Las obras teatrales mienten en sus puestas, las canciones mienten inocencias y profundidades en cada melodía, Hernández mismo embellece mentiras en la construcción de versos perfectos, este que les habla, no hace más que balbucear mentiras con tono de sólidas verdades de las que descreerá a la vuelta de la primera esquina. Doblaremos entonces la apuesta diciendo que aquellos que ocupan aquel otro lado del binomio comunicacional planteado por cualquier hecho artístico según términos de Wagensberg no son otra cosa sino cómplices. Será entonces el propósito del propio artista no el de convencernos de la veracidad de su truco sino el de complacernos en nuestro deseo de ser engañados. Amparados en aquella fe poética descripta por Samuel Coleridge en 1817 funcionará finalmente la comunicación entre la obra y su espectador. 


En la misma línea de pensamiento, Pablo Picasso definirá al arte como una mentira que nos acerca a la verdad. ¿Pero cuál será aquella verdad? ¿Habrá algo en aquello que sea lo que encierre aquel término o simplemente será el vacío? Nietzsche decía al respecto,  que la verdad es una mentira exitosa. Podemos entender entonces, que al igual que la mentira, la verdad no es más que una construcción, la cual se hace a través de palabras ineficaces, agotables, inconsistentes, arbitrarias y lábiles. Aristóteles advertía que decir de lo que es lo que es y de lo que no es lo que no es, es verdadero mientras que decir de lo que no es lo que es y de lo que no es lo que es, es falso. Comprobamos aquí también que instala el decir en la construcción tanto del concepto verdad como del de mentira. Podemos entender, entonces  a la verdad como una construcción que se genera en relación entre el sujeto (el yo) con el objeto, y que el carácter artificial de aquella relación no deriva de una construcción natural que surja de las cosas. ¿Cómo entonces proponerse a buscar la verdad en un film Lyncheano? El ejemplo que hoy nos convoca lleva el nombre de Carretera perdida, estructurado en un relato no lineal, denso y oscuro. El film comenzará narrando la historia de Fred donde se remarcaran sutilmente ciertos aspectos de su fría relación con Renee


Aparecerá allí la negación y el tormento, sentirá nuestro protagonista, tal como lo hacía Hernández desde su poema, que le sobra el corazón. A partir de ese primer acto, trascurrirá en un devenir impredecible y sorprendente el desarrollo de la curva dramática. El relato estará estructurado dentro de la estética planteada por la  escuela surrealista y buscará introducirnos en los confines oscuros de una pesadilla. Trabajará con las mismas leyes que plantea el psicoanálisis respecto del inconsciente que no son otras que la condensación y el desplazamiento. Habrá una ruptura trabajada desde la imagen que puede entenderse a través de la significación saussureana que une arbitrariamente el significado al significante, esto es la idea al sonido de una palabra, condensando significados y desplazando el significante que lo nombra por otro. Este será el juego que nos propondrá David Lynch en su film. No jugarlo, no entregarse a ese desafío lúdico implicará un devenir inútil de elaboradas interpretaciones, de nuevas y propias verdades, que no harán más que intentar adaptar aquello que es real a un preconcepto personal. Heidegger habla de la verdad como un des ocultamiento. Las cosas, se nos presentan en apariencia, maquilladas, entonces hablar de la verdad es quitar esa cobertura, es descubrir. En aquel descubrir, para seguir buscando, o tal vez para seguir construyendo, estará la base de toda esta mentira que llamamos vida.

Lucas Itze.-

Canción post impresiones


 Dos músicos aparecen en la película y acá sonaron





UNIVERSO LYNCH


Decir David Lynch es decir surrealismo. Después de un debut en una película animada titulada Seis hombres enfermos en 1966, siguió con un par de cortos, pero no hasta el año 1977 donde se daría a conocer con la rarísima Cabeza borradora, película surrealista y sombría filmada en blanco y negro. Para Stanley Kubrick, una de sus películas favoritas de todos los tiempos.
Gracias a esto, atrajo la atención del productor Mel Brooks, quien lo contrató para dirigir El hombre elefante. La catarata de nominaciones y premios que albergó la película (una de las mejores de los ´80), habla a las claras de que Brooks estaba en lo cierto. 8 nominaciones al Oscar (incluído dirección y guión adaptado) y un Bafta a mejor película.


Cuatro años después llegó Dune, su primer fiasco, una multi producción que no tuvo éxito ni en la taquilla ni en la crítica.
En 1986 dirigió Blue Velvet, lo que terminó de erigir en uno de los grandes directores de la época, otra nominación al Oscar como mejor director, no estuvo nominada a mejor película, a pesar de que Woody Allen, ganador por Hannah y sus hermanas, haya declarado que era la mejor película del año.
Después de una par de películas para la Tv, llegó Corazón salvaje, una cinta con críticas buenas y malas pero que le valió la Palma de Oro en Cannes.
Luego creó una de la series más aplaudidas de los 90, como fue Twin Peaks (con su película incluída, que fue nominada a la Palma de Oro en Cannes).
En 1997 llega con otra obra maestra: Carretera perdida, donde el surrealismo al que nos tiene tan acostumbrado mezclado con el cine negro que pocos como él lo manejan.
En 1999 llega Una historia sencilla, demostrando que Lynch también puede contar historias normales, y hacerlo con gran calidad. Otra nominación en Cannes, un clásico para el a esta altura.
El comienzo del siglo XXI lo encontró con otra obra cumbre: El camino de lossueños (Mulholland Drive). Nueva nominación como mejor director en los Oscar, premio que sí consiguió en Cannes.


En 2006 dirigió INLAND EMPIRE, otra obra surrealista que dejó críticas de las mejores, y también de las peores…
A partir de ahí, sólo se dedicó a filmar cortos, documentales y la una nueva temporada de Twin Peaks 25 años después. Veremos si uno de los reyes del surrealismo aparece de nuevo.

FICHA TÉCNICA

Título original: Lost Highway
Año: 1997
Duración: 134 min.
País: Estados Unidos
Dirección: David Lynch
Guion: David Lynch, Barry Gifford
Música: Angelo Badalamenti
Fotografía: Peter Deming
Reparto: Bill Pullman, Balthazar Getty, Patricia Arquette, Robert Loggia, Robert Blake, Gary Busey, John Roselius, Michael Massee, Richard Pryor, Louis Eppolito, Jack Nance, Lucy Butler, Henry Rollins.

SINOPSIS

Fred Madison (Bill Pullman), un músico de jazz que vive con su esposa Renee (Patricia Arquette), recibe unas misteriosas cintas de vídeo en las que aparece una grabación de él con su mujer dentro de su propia casa. Poco después, durante una fiesta, un misterioso hombre (Robert Blake) le dice que está precisamente en su casa en ese instante. Las sospechas de que algo raro está pasando se tornan terroríficas cuando ve la siguiente cinta de video...

martes, 10 de julio de 2018

CACHÉ



EDITORIAL

La luz se apaga. El rojo sangre deja de titilar. El rostro imperfecto se torna oscuro. Los recuerdos vuelven a desaparecer de la mente. No corras. De nada sirve escapar. Respirá hondo. Vas a necesitar contener la respiración unos minutos.  Están allí. No los ves. Cargarás con tu cruz y ellos serán tus fiscales. Sentirás la presión sobre tu cabeza, como un viejo roble que cae sobre ti. Renacerán escenas perdidas. Pasados tormentosos. Muertes ilegales. Víctimas sin sueños. Todos se unirán para bailar la misma canción. La danza será una coreografía infinita. No temas. El miedo vendrá a su tiempo, con toda la razón a cuestas. No grites, nadie te escuchará. No implores, Dios muere en cada bala escupida. No mires las horas, tu tiempo se está acabando. No te confíes, la vigilia no acabará nunca. Ya lo dije, estarán ahí. Otra vez. Lo repetiré mil veces si es necesario. Y no podrás escapar jamás. Nadie lo hará. 


Todos somos parte del sistema. Todos caeremos ante esos ojos que todo lo ven. Aunque nos creamos solitarios, alguien nos observará. No importa desde donde. Tampoco desde cuándo. Se repetirá la película de forma eterna. La veremos en otros ojos, que a su vez estarán viendo otras mientras se repite un círculo sin fin. No, no mires atrás mientras escuchas estas palabras. No vas a descubrir nada. Solo tus recuerdos lograrán despojarte de toda esta furia. Recuerdos secretos olvidados en un pasillo deshabitado. Ese olvido que siempre es la primera muerte. Esa muerte que a veces llega para liberar conciencias. O para encerrar fotos añejas de gritos atragantados. Solo quedará el silencio, como siempre cuando no queda nada. Hasta el final. Hasta que la cinta deje de grabar y todo se funda a negro. Hasta que los pasos dejen de sonar y quede al descubierto todo lo que hemos escondido.

Marcelo De Nicola.-

Canción elegida para la editorial



IMPRESIONES PARA CACHÉ


Ludwig Van Beethoven nos advirtió alguna vez que jamás rompamos un silencio si no es para mejorarlo. Debussy, por su parte afirmó que la música es aquel silencio que existía entre las notas. En todo caso, podemos percibir aquel peso agobiante que decae sobre la responsabilidad del uso de la expresión sea cual fuere su medio. Ambas sentencias, dejan percibir cierto fracaso en la intención de comunicación, una haciendo referencia a la dudosa capacidad superadora de la idea y la otra a la ineficacia tajante del uso de las formas que vinculan íntimamente al binomio comunicacional. En este sentido, Ortega y Gasset apunta que el lenguaje lo podríamos definir como el medio para manifestar nuestros pensamientos, pero en un movimiento rápido también nos previene sobre el peligroso optimismo de aquella aseveración, ya que esta no nos asegura que el lenguaje sea el medio más adecuado y eficaz para transmitir aquello que pensamos. Finalmente agrega con cierto sabor a derrota que el lenguaje no da para tanto.  Dice poco más o menos una parte de lo que pensamos, y pone una valla infranqueable a la transfusión del resto. Es notoria la incapacidad en el intento de eludir este conflicto del film Caché de nuestro amigo, el director austriaco Michael Haneke


El film será estructurado de manera clásica y responderá obsesivamente a las convenciones de dilación y anticipación de la acción y a la administración del recurso de la sorpresa que estipula el género del suspense. Habrá rupturas en temporalidad lineal narrativa a través del uso de flashbacks y flashes oníricos. La fotografía trabajará una paleta de colores fríos y dispondrá de una puesta de cámara en función del ocultamiento y la sorpresa, narrando a través del uso de planos preferentemente cerrados, alturas normales y el uso de travellings. Se reforzará mediante esta elección estética aquel punto sobre el cual la película hace particular hincapié  que es la visión del otro. Se creará entonces a través de la fotografía un otro que irrumpirá con su punto de vista en la acción y más de una vez será el director mismo quien juegue, no sin generar incomodad, a otorgar al propio espectador aquel punto de vista irruptivo, rompiendo de esta manera aquella convención clásica que sitúa al público en un lugar pasivo y vouyerista. La cinta contará con actuaciones notables y una correcta dosificación de la crisis dramática. Tal como anunciamos al principio de esta charla, será el mensaje propio del film quien cargue con las severas dificultades comunicacionales sin afectar en este caso la atención de quien observa. 


Estarán los que vean cierta pronunciación acerca del racismo, del abuso de poderes, del trato o destrato respecto de la inmigración. Estarán aquellos, que yendo aún más lejos, juren ver cierta perversión del director en el engaño de la trama. No faltarán tampoco los aventureros del pensamiento que asalten aquella idea foucaultiana sobre el accionar retardado de la ley y la necesaria adaptación a las transgresiones de las mismas. La ejecución de la ley no es preventiva sino siempre punitoria. Pero tampoco faltaran aquellos que sensibilizados por la construcción del punto de vista del otro propuesto por el film, crean ver en aquella mirada el insoportable peso de un juicio que no hará más que sacar a la luz a la culpa. Tal vez sea este peso el que movilice el engranaje oscuro y siniestro de este argumento. Tal vez la clave para descifrar el encriptado mensaje no se corra demasiado lejos de aquella vieja charla sobre el juicio entre el bien y el mal, sobre la banalidad del mal y su ejercicio no sobre una intención directa sino desde un lugar aún peor que es la indiferencia, su naturalización. Tal vez, nos quedemos solo con la triste idea de que el bien y el mal no se diferencian, porque como ya todos sabemos, uno necesita del otro para su existencia.

Lucas Itze.-

Canción post impresiones     

      

UNIVERSO HANEKE


Nacido el 23 de marzo de 1942 en Munich (Alemania) creció en Austria, concretamente en la ciudad de Weiner Neustadt. Hijo del director y actor Fritz Haneke y de la actriz Beatrix von Degenschild.
Después de fracasar en su intento de ingresar en la Escuela teatral Max Reinhardt, Haneke cursó estudios de filosofía, psicología e interpretación en la Universidad de Viena antes de trabajar como crítico de cine y director de obras de teatro y películas televisivas durante los años 70 y 80.
Su primer largometraje cinematográfico fue “El Séptimo Continente” (1989), un drama familiar en tonos sombríos y desesperanzados que estaba basado en un hecho real. Este título fue el primer film de una trilogía conocida como la glaciación emocional que fue continuada por “El Vídeo de Benny” (1992), otra historia con familia disfuncional que contaba con el protagonismo de un psicópata adolescente, a quien le regalan una cámara y graba cómo sacrifican a un cerdo con una pistola, el punto de partida para iniciarlo en el salvajismo. El film fue nominado como mejor film europeo. La tercera parte fue “71 Fragmentos De Una Cronología Del Azar” (1994), realización en donde se incidía en comportamientos criminales significando la violencia existente en la sociedad urbana, en este caso, diferentes líneas narrativas e historias no relacionadas que confluyen en una matanza en un banco austriaco. Esta vez, los premios fueron el de mejor película en el Festival de Chicago y película, guion, y premio de la crítica en Sitges, Cataluña. 


En el medio rueda para la TV Die Rebelion, la historia de un soldado que pierde una pierna en la guerra y empieza a perder su patriotismo.
En 1997 adapta para la televisión, El Castillo, de Franz Kafka. Otra vez la alienación, la burocracia, y la frustración forman parte de su filmografía. Ulrich Muhe como K. era el protagonista. Se vuelve a unir con este actor para el film Funny Games, la historia de una familia que se va de vacaciones a su casa de verano. Allí, dos jóvenes vecinos ingresaran para pedirles huevos, pero con un juego bastante particular: a las 9 del día siguiente, los integrantes de la familia tienen que estar muertos. Obtuvo el premio de la crítica en Cannes.
En el 2000 se traslada a Francia donde dirige Código Desconocido, película con la participación de la actriz francesa Juliette Binoche, una historia coral que aborda asuntos de racismo e inmigración. El film fue nominado a la Palma de Oro en Cannes. Un año después llega “La Profesora de Piano” (2001), film protagonizado por Isabelle Huppert, Annie Girardot y Benoit Magimel, en un drama erótico y psicológico basado en una novela de la escritora austriaca Elfriede Jelinek que le valió ganar el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes, además de los premios para los actores principales. Allí, una profesora de piano, para escapar de la influencia maternal, frecuenta cines porno y sex shops hasta que uno de sus alumnos, comienza a seducirla. Además, logró el BAFTA como mejor película extranjera, y varias nominaciones en diferentes festivales, no sólo al film, sino a la actriz protagónica.


En 2003, vuelve a convocar a Huppert para el film El tiempo del lobo, en un tiempo indeterminado, un desastre ha ocurrido, se sabe que el agua sin contaminar es sagrada y el ganado debe ser quemado. Una familia escapa de la ciudad al campo, pero evitar el caos generalizado, será imposible. Mejor guion en Sitges.
Dos años después filma Caché (Escondido), un thriller en el que vuelve a retratar otro descenso a los infiernos de una familia aparentemente normal. Daniel Auteuil encarna al presentador de televisión que recibe videos anónimos de su entorno familiar, filmados sin que nadie lo advierta mientras que la policía se niega a ayudarlo, ya que no constituye ningún delito. Haneke se llevó el premio a mejor Director en Cannes, además de que el film se llevó el premio de la crítica, además de premios en varios festivales y asociaciones de críticos.
Dos años después vuelve a filmar Funny Games pero en Estados Unidos, con Naomi Watts y Tim Roth como protagonistas. Vuelve a Alemania en 2009 para filmar La cinta blanca, ambientada en la época previa a la Primera Guerra Mundial. En un pueblo alemán se suceden una serie de hechos violentos con un grupo de niños como testigos.  La historia reflexiona sobre los orígenes del nazismo mucho tiempo antes de que empiece a dar que hablar. La película más premiada de Haneke, con Globo de Oro a mejor película extranjera (perdió el Oscar ante El secreto de sus ojos). Palma de Oro en Cannes, además del Premio de la Crítica y Mejor película europea, entre otras decenas de premios y nominaciones.


Si con La cinta blanca saltó definitivamente a la fama, con su próxima película, lo confirmó. En 2012 llegó Amor, la historia de una pareja de 80 años, ambos jubilados que viven en París y profesores de música clásica. Un día, ella sufre un infarto que le paraliza un costado, donde luego de una operación, queda hemipléjica. Ella le pide a su marido que nunca más la lleve a un hospital. La unión y el amor se pondrán a prueba. La película, protagonizada por la actriz de 85 años, Emanuelle Riva (Hiroshima Mon Amour) fue un éxito mundial. Ganadora del Oscar, Globo de Oro (ambas como película extranjera) y Festival de Cannes, tres de los premios más importantes del cine, entre muchos otros.
Este año volvió a trabajar con Isabelle Huppert en Final feliz. La película gira en torno a una familia burguesa y el drama de los refugiados. La familia posee una empresa en Calais, al lado de los campamentos donde viven miles de refugiados, pero su vida, no es color de rosa. Por primera vez, el director deja el drama para para irse un poco para el lado de la comedia… Veremos con que sigue el maestro europeo.    

FICHA TÉCNICA

Título original: Caché
Año: 2005
Duración: 117 min.
País: Francia
Dirección: Michael Haneke
Guion: Michael Haneke
Música: Varios
Fotografía: Christian Berger
Reparto: Daniel Auteuil, Juliette Binoche, Maurice Bénichou, Annie Girardot, Lester Makedonsky, Bernard Le Coq, Walid Afkir, Daniel Duval, Aïssa Maiga.

SINOPSIS

Georges es el típico burgués: presenta un programa literario en televisión y lleva una vida acomodada con su mujer y su hijo adolescente. Pero, de repente, empieza a recibir unos paquetes anónimos que contienen cintas de vídeo, grabadas desde la calle, y unos dibujos inquietantes cuyo significado es un misterio. No sabe quién se los envía; pero las secuencias que aparecen en las cintas son cada vez más personales, lo que parece indicar que el remitente lo conoce desde hace tiempo. Georges siente que una amenaza se cierne sobre él y su familia, pero, como no hay evidencias de delito alguno, la policía se niega a ayudarlo.