Todos los jueves de 21 a 22 hs.

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martes, 18 de septiembre de 2018

BASTARDOS SIN GLORIA - INGLOURIOUS BASTERDS



PROGRAMA 226 (02-08-2018)

EDITORIAL

Desde este humilde foro siempre decimos que la palabra guerra significa locura, terror y muerte. Que nunca, pero nunca, vamos a sentir que es pasar por eso, porque jamás lo vivimos. Y ni siquiera llegamos a imaginarlo, aunque tengamos miles de imágenes dando vueltas por nuestras mentes. También más de una vez jugamos a ser soldados esperando el tiro del final o intentando la heroica lucha por la victoria. Esta vez no es el caso. ¿Para qué sumergirnos en ese infierno desde la comodidad de un escritorio? ¿Por qué intentar imitar a los millones que lo padecieron de la forma más cruel posible? Cuando el primer ser humano dio sus primeros pasos, empezó a gestarse una batalla. Inicialmente fueron por alimentos, luego por territorios, más adelante empezaron los problemas religiosos y a participar en este juego las distintas etnias hasta terminar peleando por el petróleo o el agua. 


Llegará un momento que todo se trasladará al espacio, y allí ya no habrá vuelta atrás. Porque no sólo terminaremos arruinando nuestro planeta, sino también otros, que hace millares de años ni sabíamos que existían. Hoy, alguien desde su cómodo sillón puede apretar un pequeño botón y mandar todo al diablo. Y así las risas de miles de niños se apagarán para siempre, porque a un sujeto en otro punto del mapa no le gustó la palabra del contendiente de turno. Y llegarán las imágenes y la prensa se cubrirá de morbo para ver quien exprime más la tinta chorreada en sangre. Y alguno más allá, bregará por la paz y será enjuiciado o asesinado cobardemente, depende el guión que le tenga escrito el destino. Y así seguiremos disparando balas sin sentido y bombas sin ideologías, incendiando nuestra propia miseria. Porque en un mundo de héroes quedarán inmortalizados los que lo arruinaron todo y se convirtieron para siempre en los malditos bastardos.

Marcelo De Nicola.-

Canción elegida para la editorial


IMPRESIONES SOBRE BASTARDOS SIN GLORIA


Tal como hemos discutido más de una vez en este mismo foro, volvemos sobre aquella desafiante idea de que la verdad es una construcción que surge de la íntima relación entre el sujeto y el objeto y que el carácter artificial de aquella relación no deriva de una construcción natural que surja de las cosas. La verdad es una mentira exitosa nos reclamaba el propio Nietzsche mintiéndonos tal vez con exquisita habilidad. En el capítulo XI de su Poética, Aristóteles introducirá el concepto de verosimilitud y dirá al respecto que el historiador y el poeta no se diferencian por expresarse en prosa o en verso, sino en decir uno lo que ha sucedido y el otro lo que podría suceder. Lo verosímil entonces tendrá lugar dentro de aquello que los hombres consideren como probable, aun resultando alguna de estas cosas imposibles de ser en el mundo real. En esta misma línea, citará nuestro gran amigo Jean Claude Carriere en su obra The End a Boileau quien digiera que lo real, puede a veces no ser verosímil. De esta manera, se creará aquí cierto conflicto entre la razón y la realidad. El verosímil entonces, al igual que la realidad, no es otra cosa sino una construcción. Una construcción de un universo cuyas leyes operan sobre lo probable favoreciendo de esta manera al sentido de credibilidad. Será uno de los grandes logros del siempre genial director Quentin Tarantino esta delicada creación de verdad narrativa en su obra Bastardos sin Gloria. Mi amigo Santiago Carlos Oves escribió alguna vez que el relato es el problema y la historia es el hallazgo, dividiendo de esta manera ambos conceptos, separando sabiamente el qué del cómo. 


Resulta entonces el film de Tarantino un curioso hallazgo resuelto de la manera que solo el ojo de un gran artista puede resolver. Estamos frente a un guion sólido, complejo y puntillosamente elaborado. Sugerentemente armonioso en su ritmo y delicado en su sonoridad. Será una obra equilibrada por donde se la analice, a tal punto que por mucho que nos esforcemos esta noche, siempre resultaran escasas las sonseras que podamos balbucear frente al micrófono. El trabajo de análisis requerirá la minuciosidad de ir al plano por plano, de analizar la compleja poética de su construcción, no porque lo que se vaya a decir sea encriptado sino por las simples bellezas de las formas. El relato tendrá una fotografía elaborada, construyendo encuadres dignos del arte pictórico, trabajando el balance de la colometría de manera obsesiva. Cada puesta de cámara reflejara un inteligente trabajo en la construcción visual digna de un Von Trier o tal vez de un Bergman. El film se estructurará básicamente sobre una linealidad narrativa que se romperá en escasas ocasiones a causa de algún flashback o pequeños raccontos, y será dividido tal como ya lo hiciera en otros de sus films, en capítulos. 


Esto alimentará la fantasía de que la película fue pensada en secuencias más que en escenas, siendo estas primeras un conjunto de situaciones o de unidades de espacio tiempo vinculadas entre sí por una continuidad temática. Notaremos también un trabajo minucioso en la construcción de diálogos, los cuales serán dinámicos, precisos y sugerentes, manejando siempre un subtexto mucho más sabroso que aquello latente, dándole prioridad siempre a lo aludido. La construcción de los personajes será otro de los grandes logros de esta obra. El director decidirá ir más allá de los personajes prototípicos diseñados por las convenciones propias del género e introducirá a la narración otros cuya tridimensionalidad resultará llamativa e interesante. Trabajará así la perversión de una manera que llegará tal vez hasta el plano de lo infantil. Trabajará la morbosidad de manera descarnada algunas veces y extremadamente sutil en otras. Trabajará la muerte, pero no lo hará desde el punto de vista aberrante propio de la guerra sino desde otro lado, y aquí el hallazgo comentado al principio de todas estas torpezas, lo hará desde la venganza. Sera el propio director y guionista de la obra quien genere un verosímil tan sólido que lograra cambiar los hechos históricos para otorgar la muerta tal vez más sádica al propio Hitler contada jamás. Lo hará probable y le creeremos. Lo hará por venganza, lo hará verdad.

Lucas Itze.-

Canción post impresiones


Uno de los temas nuevos del Indio Solari


UNIVERSO TARANTINO


Si hablamos de Quentin Tarantino, hablamos de un cinéfilo con todas sus letras. Nacido en Knoxville en 1963. Creció en un barrio al sur de Los Angeles, rodeado de blancos y negros, y pasó una infancia viendo películas de Kung Fu.
De adolescente empezó a trabajar en un videoclub llamado Video Archives en Manhattan Beach, junto a varios entusiastas del cine, entre ellos Roger Avary.
Su primer trabajo fue My Best Friend's Birthday, en lo que fue su primer corto mientras trabajaba junto a Craig Hamann en el video club.
Luego, empezó a escribir junto con Avary y otros amigos, pasó varios frustrantes años escribiendo e intentando poner en marcha dos guiones que pretendían ser su debut como director. En parte como consecuencia de lo difícil que resultaba poder hacer una "película de verdad" para un escritor desconocido como director, escribió en 1991 Reservoir Dogs, con la intención de que fuera el proyecto más minimalista que se pueda imaginar: la historia de un atraco a mano armada en la que el robo tiene lugar fuera de la pantalla, páginas y páginas de diálogo que necesitan un sólo plató. Pretendía ser una película de 16mm extremadamente barata con Tarantino y sus amigos de Video Archives interpretando todos los papeles. 


Afortunadamente, el ambicioso productor Lawrence Bender leyó el guion de Reservoir Dogs, le fascinó y pidió a Tarantino que le concediera un mes para intentar convertirlo en esa "película de verdad". Fue Bender quien hizo llegar el guion al actor Harvey Keitel y fue el entusiasmo de éste lo que atrajo a varios buenos actores y, finalmente, un presupuesto decente para la producción.
Su primera película terminó siendo un éxito, dos años después llegaría su punto más alto: Pulp Fiction, con la que ganó su primer Oscar como guionista y le devolvió la fama a John Travolta, además de mostrar las grandes actuaciones de Samuel L. Jackson y Uma Thurman.


En 1995 filmó uno de las cuatro historias de Four Rooms, nuevamente con Tim Roth y Bruce Willis en los papeles protagónicos. Las otras tres historias eran dirigidas por Alexander Rockwell, Allison Anders, y su amigo, Robert Rodriguez.
En 1997 llega Jackie Brown, su película menos conocida, pero no por eso menos importante, donde el bueno de Quentin demuestra que no todo es violencia. Con Pam Grier en el papel principal, y grandes secundarios como Robert Forster, Robert De Niro, Samuel L. Jackson, Bridget Fonda y Michael Keaton.
En 2003 filmó Kill Bill, Volumen 1, un homenaje al cine de artes marciales que mamó desde pequeño. Con una encantadora Uma Thurman en el papel de La NoviaUn año después filmó el Volumen II.


En 2005 participó en una parte de la película Sin City como director invitado. La película basada en cómics fue dirigida por Frank Miller y Robert Rodriguez.
En 2007 llegó el proyecto doble junto a su amigo Rodríguez: Grindhouse dividida en Planet Terror dirigida por Rodriguez y Death Proof dirigida por Tarantino, con Kurt Russell como protagonista.
En 2009 vuelve a dar que hablar con Bastardos sin gloria, su primera película sobre la segunda guerra mundial, con actores de varias partes del mundo como Brad Pitt, Diane Kruger, Christoph Waltz, Daniel Brühl, Melanie Laurent y Michael Fassbender. Fue candidato a mejor guión, mejor director y mejor película.
Luego llegó Django Unchained, un esclavo rescatado por un caza recompensas, con Jamie Foxx, Leonardo DiCaprio, Christoph Waltz y Samuel L. Jackson. Nuevamente ganó el Oscar a mejor guión y fue nominado a mejor película.
En 2015 siguió con la idea western cuando se puso tras las cámaras para rodar Los ochos más odiados con Samuel L. Jackson, Kurt Russell, Jennifer Jason Leigh, Tim Roth, Michael Madsen, entre otros.


A través de sus películas, Tarantino homenajeó todo el cine con el que creció y al que admiró. Reservoir Dogs es su película de atracos, Pulp Fiction la de cine negro, Kill Bill la de artes marciales, Jackie Brown su película de "blaxploitation" (películas exclusivas de negros), Death Proof como su película Exploitation, el spaghetti western y al cine bélico italiano de los años sesenta en Inglourious Basterds y un western en su última Django Unchained. Con pocas películas se hizo un nombre dentro del cine, amado y odiado en partes iguales, estamos en presencia de uno de los últimos rebeldes del cine.

FICHA TÉCNICA

Título original: Inglourious Basterds
Año: 2009
Duración: 146 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Quentin Tarantino
Guion: Quentin Tarantino
Música: Varios
Fotografía: Robert Richardson
Reparto: Brad Pitt, Christoph Waltz, Mélanie Laurent, Diane Kruger, Michael Fassbender, Daniel Brühl, Eli Roth, Til Schweiger, B.J. Novak, August Diehl, Mike Myers, Omar Doom, Sylvester Groth, Denis Menochet, Richard Sammel, Jacky Ido, Martin Wuttke, Julie Dreyfus, Samm Levine, Gedeon Burkhard, Rod Taylor, Christian Berkel, Léa Seydoux.

SINOPSIS

Segunda Guerra Mundial (1939-1945). En la Francia ocupada por los alemanes, Shosanna Dreyfus (Mélanie Laurent) presencia la ejecución de su familia por orden del coronel Hans Landa (Christoph Waltz). Después de huir a París, adopta una nueva identidad como propietaria de un cine. En otro lugar de Europa, el teniente Aldo Raine (Brad Pitt) adiestra a un grupo de soldados judíos ("The Basterds") para atacar objetivos concretos. Los hombres de Raine y una actriz alemana (Diane Kruger), que trabaja para los aliados, deben llevar a cabo una misión que hará caer a los jefes del Tercer Reich. El destino quiere que todos se encuentren bajo la marquesina de un cine donde Shosanna espera para vengarse.

lunes, 30 de julio de 2018

LOS AMANTES DE PONT-NEUF - LES AMANTS DU PONT-NEUF



EDITORIAL

La muerte de los amantes
La muerte de los artistas
La muerte de los pobres
Las venas adheridas al espanto, al asfalto, 
esa zona de entendimiento cuando se susurran cosas calladas, 
donde dos criaturas están envueltas 
y huelen a agua mojada a roca y casa.
En una nube privada cada amanecer los encuentra 
en una jaula de obediencia en el lomo, en un estado de salvajismo.
Cada cosa está vigilada por un hada pronta a volar.
en una relación indefinible, pero maravillosamente justa.
Carbón sonoro
carbón amo del sueño
frente a frente con el fuego 
que ilumina con exactitud las piedras llevadas por el viento 
y que murmuran calendarios ciegos sobre ese laberinto infernal.


Una de las acciones más directas del lenguaje es preciso encontrarla en el lenguaje imaginativo, entre lo que empuja y lo que aspira. Jacques Ranciere en su libro “Las distancias del cine” dice que un film se opone a las historias como verdad o mentira. Lo visible ya no es la sede de las ilusiones sensibles que la verdad debe disipar. Es el lugar de la manifestación de las energías que constituyen la verdad de un mundo. No existe las apariencias y lo real. Existe la comunicación universal de los movimientos. La lengua de las imágenes es un compromiso entre poéticas divergentes sobre la base de las múltiples maneras que tienen las artes de lo visible de inventar miradas y transformar los espacios que recorren. Siguiendo a la “Teoría Estética” de Paul Valery una obra no es otra cosa que el instrumento de esta multiplicación o regeneración posible donde la Esperanza es verdaderamente el único lenguaje activo y la única ilusión susceptible de ser transformada en buen movimiento.


Siguiendo una luz oscuramente oscura
recuerdo del primer gato que amé
Reinaba sobre el rio Sena aquel silencio tuyo
En un día sin pájaros pero de peces voladores.
Los últimos fulgores del carbón
despiadado carbón.

Marina Rossetto.-

Canción elegida para la editorial


 IMPRESIONES SOBRE LOS AMANTES DEL PONT-NEUF


Encontrarse en el medio de corazones profanos, hundidos en las salvajes tiranías del amor puede considerarse un juego peligroso. Un escenario de dudosa procedencia, donde ciertos cuerpos esperan sanar sus heridas pero fundamentalmente limpiar sus almas. A ese bosque lleno de hojas secas y desperdigadas hemos llegado más de una vez buscando todo tipo de respuestas. Allí derramamos lágrimas por amores perdidos y nos extasiamos ante sonrisa etéreas. Allí sufrimos la melancolía de quedarnos desnudos ante todos, libres de toda ropa por más desvencijada que sea. Mendigos de placer y ciegos de pasión. Como Alex y Michelle, los personajes del film Los amantes del Pont-Neuf de Léos Carax. El director nos trae una hermosa historia romántica pero para nada edulcorada. Un puente unirá los mundos de Alex (Denis Lavant), un mendigo alcohólico y adicto a los sedantes y Michelle (Juliette Binoche), una chica de clase media alta que está perdiendo poco a poco la vista. El escenario será el puente más antiguo de París, llamado contrariamente Puente Nuevo, a orillas del bello Río Sena, mientras es reacondicionado para los festejos del bicentenario de la Revolución Francesa. Seremos testigos de la presentación de los personajes, mientras viajamos en un auto por las calles de la capital francesa. Veremos el sufrimiento de él en primer plano, antes de caer al piso, donde dicho auto pasará por encima de sus pies. 


También conoceremos a ella, casi como una pordiosera y nos enamoraremos inmediatamente. Carax desarrollará la historia de forma lineal. Sabremos que Alex es un “sin techo” que quiere escapar todas las noches de ese albergue con forma de prisión y ella, una pintora que divaga por las calles luego de la pérdida de un amor. No será necesario indagar sobre ese pasado, sino de vivir el presente. El joven director francés hará un poema de cada imagen. Contará con unos excelentes planos generales del puente como si fuéramos los principales testigos de esa relación casi imposible. Utilizará primeros planos de los rostros de los protagonistas y planos detalles, además de ubicar la cámara siempre en el lugar justo, como esas imágenes en ángulo picado recorriendo el puente. La fotografía será exquisita, con colores fríos durante esos primeros minutos, envuelto en colores azules o marrones, mientras que con el correr del metraje se transforman en más cálidos, como nos muestra el verde claro del agua o los vestidos de la protagonista. El director contará con una excelente banda musical, pasando de la música clásica al rock o al pop, que será tan importante como la imagen, como ese fondo con la sonata para violonchelo de Kodály mientras ambos corren por los pasillos del subte en una de las mejores escenas del film. 


Carax no se hunde solo en lo musical sino también posee una cantidad de sonidos perfectamente logrados, como el rompimiento de las olas en el mar o los ruidos de esos fuegos que escupe Alex como artista circense, elementos que el director utiliza más de una vez, dándonos a entender que entre el fuego y el agua está la liberación y el verdadero ser de los protagonistas. El guion nos llevará por la curva dramática de forma impecable, con un montaje muy bien logrado a cargo de Nelly Quettier. Seremos parte de ese amor que nace bajo las estrellas. La realidad nos abofeteará la cara más de una vez mostrando la visión más demoledora del mismo, cuando Alex descubre que ella puede tener una cura para su vista, pero eso la aleja justamente de su vida. En su enfoque del mundo, las posibilidades de que ella se vaya deteriorando es la piedra basal para no perderla. Cosa que el director muestra más de una vez enfocando el rostro de ella mientras el horizonte queda fuera de foco con las luces borrosas, como su punto de vista. Llegará la tragedia y la prisión pero también el reencuentro. Veremos a los amantes en un puente totalmente arreglado, tanto como las vidas de ambos. El libre. Ella con la vista perfecta. Será el agua quien los desnude otra vez para unir esos corazones y concretar esos sueños, pese al miedo de ella de dañar otra vez su vista. Será solo un mal recuerdo. Será esa vieja mala pintura olvidada en un rincón la que devuelva esta vez otra imagen. La de dos corazones unidos preguntándose y que más por este amor…

Marcelo De Nicola.-

Canción post impresiones


Uno de los temas del film


Otro tema que suena en la película 


UNIVERSO CARAX


Nacido el 22 de noviembre de 1960 en Suresnes, Francia, es hijo de la periodista norteamericana y crítica de cine Joan Dupont (International Herald Tribune) y del periodista de la ciencia francés Georges Dupont. Su nombre artístico es un anagrama de Alex que es el nombre del personaje principal en la mayoría de sus películas (y el nombre que le dieron sus padres) y de Oscar en referencia a los Premios Óscar: “Nací en 1976 en una cámara oscura y sería muy difícil para mí que me hubieran hecho nacer antes bajo un nombre sacado del papeleo. He hecho cine para ser huérfano. Antes, era como si yo hubiera dormido durante diecisiete años”, declara Carax. A finales de la década de los 70 estudió en el centro Censier de la Universidad Sorbona Nueva - París, donde conoció a Serge Daney y Serge Toubiana que lo presentaron con los Cahiers du Cinéma, donde permanece un corto periodo. Comenzó el rodaje de un filme de bajo presupuesto, en el cual fracasó, llamado La fille rêvée; la empresa terminó cuando un proyector roto encendió las cortinas de un restaurante chino donde se había realizado una de las escenas. Con apenas 24 años, Carax, realiza Boy meets girl (1984), que llama la atención por un estilo visual maduro, el film tiene la influencia de cineastas como Cocteau, Dreyer, Godard o Bresson. 


Le siguió el filme de ciencia ficción Mala sangre en 1986. La película es un claro homenaje a la Nouvelle vague, y en especial a una de sus grandes influencias, Jean-Luc Godard. Continúa con su exploración del amor en los tiempos modernos, que adquiere un tono más oscuro y extremo en esta cinta. Cinco años más tarde filma Los amantes del Pont-Neuf que sufre grandes retrasos debido a la financiación, a pesar de que terminó siendo la más cara del cine francés. En 1999 filma Pola X, una adaptación del cuento de Herman Melville, "Pierre o las ambigüedades", sobre un joven que conoce en el bosque una misteriosa chica que cambiará su vida. A finales de 2007, participa con el segmento titulado "Merde" en el largometraje japonés Tokyo! 


Trece años después de su última película, en 2012, presenta Holy Motors, protagonizada otra vez por Denis Lavant donde muestra un día en la vida de un hombre con múltiples personalidades: asesino, mendigo, ejecutivo, monstruo y padre de familia. El protagonista encarna personajes diversos como si se tratase de una película dentro de una película. Lo último que ha filmado es el cortometraje Gradiva.

FICHA TÉCNICA

Título original: Les amants du Pont-Neuf
Año: 1991
Duración: 125 min.
País: Francia
Dirección: Leos Carax
Guion: Leos Carax
Música: Varios
Fotografía: Jean-Yves Escoffier
Reparto: Juliette Binoche, Denis Lavant, Klaus-Michael Grüber, Daniel Buain, Marion Stalens, Chrichan Larson, Edith Scob.

SINOPSIS

En torno al Pont Neuf, pese a su nombre, el puente más antiguo de París, se desarrolla una fascinante historia de amor entre dos vagabundos: Alex y Michelle. Él es un frustrado artista de circo a causa de su adicción al alcohol, y ella es una pintora que ha sufrido una dolorosa ruptura sentimental y, además, se está quedando ciega. Entre ellos nace un sentimiento cada vez más fuerte de mutua dependencia.

CORRE LOLA CORRE - LOLA RENNT



EDITORIAL

La noche de las horas dialoga con tu imagen, mientras en la extraviada lejanía yo invento tus ojos sobre la mortecina palidez del humo del cigarrillo que se consume copa tras copa. Recordar es el triunfo de una mentira, morir es la pérdida final del presente. La ciudad nos cubre de ausencias y cada sociedad camina perdida sobre el laberinto incierto que construye en el día a día la causa y el efecto. ¿Dónde buscarte? ¿Hacia dónde gritar tu nombre? Si los duendes han olvidado el camino al bosque y los magos ya no encienden sus lámparas para desmentir nuestros sentidos. Estamos aquí encerrados, en este tiempo, en este espacio, donde el único orden es el caos y mientras veo el humo de mi cigarro ensayar sutiles formas en esta habitación vacía y triste, alguien besa por primera vez unos labios que serán eternos, mientras otro se suicida en la oscura soledad que el olvido absoluto engendra y una galaxia estalla a millones de años luz mientras una estrella aquí apaga para siempre su brillo ante la completa indiferencia de aquel hormiguero nefasto llamado humanidad. Todo eso, de alguna manera quizás me acerca aún más a mi muerte. ¿Cómo encontrarte si en la sutileza mínima de un cambio lanzado al tempestuoso devenir del tiempo nace aquella oscura sentencia que nos jura que jamás, pero jamás, seremos los mismos?

Lucas Itze.-

Canción elegida para la editorial



IMPRESIONES SOBRE CORRE LOLA CORRE


Ella corre hacia la parada del colectivo. Hace señas estridentes para que el chofer con cara de pocos amigos aminore su marcha y cumpla con su trabajo. El asfalto mojado por la lluvia que arrecia hace que la carrera sea más peligrosa. Llegando a la esquina siente que está a nada del objetivo. Sin embargo, quien maneja elige mirar casualmente para otro lado y seguir de largo. Habrá insultos y reproches al aire. Piensa que si no se olvidaba de agarrar las llaves de antemano sin dudas no hubiese pasado por este momento. Solo dos minutos tardará en venir el siguiente ómnibus. Por suerte hay asientos libres, al final no fue todo tan mal, se convence a sí misma. Mientras está a punto de quedarse dormida, siente un estruendo. Metros adelante un colectivo es embestido por un tren. Se escuchan gritos, se siembra el terror. Por la ventanilla alcanza a divisar el desastre. Inmediatamente nota que en ese lugar podría haber estado ella. Estalla en llanto. Un minuto, una vida más y una vida menos. Así de simple. ¿Será obra del destino? Empiezan las preguntas. Surge la Teoría del caos, sus distintas variables y sus infinitas proyecciones. El famoso ¿qué hubiese pasado si...? El final como punto de partida, simplificando la frase del poeta Thomas Stearns Elliot con la que comienza el film Corre Lola Corre del alemán Tom Tykwer, título con clara referencia a la frase clásica de Forrest Gump. Ya desde el comienzo estaremos ante un film intrigante. La cámara se situará en el medio de una multitud haciendo foco en diferentes personas que luego veremos a lo largo del metraje, pero lo sabremos después. Mientras suena una música tecno que taladra los oídos, una voz en off va haciendo las clásicas preguntas que nos hemos hecho más de una vez en este sitio. 


¿Quiénes somos? ¿De dónde venimos? ¿A dónde vamos?, entre tantas otras. De repente alguien parece tener la respuesta y nos dice: El balón es redondo. El juego dura 90 minutos. Eso es un hecho. Todo lo demás es pura teoría... mientras bota un balón al aire y con todas las cabezas de esas personas se forma el título de la película. La frase, para sorpresa de muchos, pertenece al legendario entrenador alemán Sepp Harberger quien ya era citado en el comienzo con otra de sus máximas: después del juego es antes del juego... Llegarán los créditos y las sorpresas seguirán, aparecerá la animación por primera vez, con una chica pelirroja corriendo y luego será la presentación de los actores, todos con sus fotos de frente, casi como si fuesen presos. Luego de los títulos, la cámara aparecerá en las alturas de Berlín donde bajará de forma vertiginosa hasta llegar a una habitación donde un teléfono rojo suena, allí aparecerá ella, con el pelo del color del teléfono. Empezará la historia. Sabremos que Lola recibe un llamado de su novio Manni, quien perdió una bolsa de dinero que tiene que devolver en veinte minutos o unos gángsters terminarán con su vida. Como nunca antes, se hace realidad la frase el tiempo es dinero. Será hora de correr. El director utilizará todos sus trucos para contar la historia, que no será para nada convencional. Evitará la linealidad temporal que se romperá más de una vez. La historia empezará y terminará, con esos veinte minutos de tiempo real que parecen eternos, pero luego de un flashback volverá al punto de partida, por lo que dispondremos de tres historias diferentes del mismo tiempo. Ahí jugarán el destino y sus variables. La cámara irá de acá para allá siguiendo el paso frenético de Lola, pero también habrá imágenes ralentizadas, cámara en mano y diversos planos, muchas veces idénticos, para mostrar cómo se desarrolla la acción. 


El montaje por momentos esquizofrénico será sin dudas su principal aliado, trabajado de una manera excepcional. Como dijimos anteriormente, usará la animación y también tendrá escenas en blanco y negro. La fotografía será exquisita, con el rojo como máximo exponente de la paleta de colores, como muestra el pelo de la protagonista y el mencionado teléfono, pero también en esos flashbacks donde ellos aparecen acostados hablando del amor o la muerte. Tykwer no solo será el guionista y director, sino también el encargado de la música, ese estilo tecno noventoso que suena con cada paso de los protagonistas. Los sonidos tendrán también su efecto deseado y se encastrarán perfectamente ante ciertos planos congelados, como los latidos del corazón a punto de infartarse en el guardia de seguridad al que nuestra heroína termina “salvando” en la ambulancia. Por momentos, las imágenes envolverán todo y parece que estamos ante la presencia de un videoclip musical, quizás por eso el director fue mencionado como parte de la Generación MTV, pero en este caso, todo lo que vemos tiene sentido. El silencio tendrá su lugar en los momentos más tensos y en el final del film, donde ya no habrá porque correr. El film entonces hará base en ese microsegundo en el que todo puede cambiar, no solo en la vida de Lola y Manni, sino también en la de esos personajes que aparecen fugazmente y que el director nos va mostrando instantáneas de su futuro, porque como el mismo dice, se puede contar una historia en tres segundos. La respuesta a todo la tendrá el tiempo, con ese reloj que parece señalar la hora de la muerte aunque simplemente nos indique que no importa el camino que tomemos, siempre vamos a llegar al inicio. Porque a veces es necesario dejar pasar un colectivo para disfrutar la vida y que eso nos invite a dejar de correr.

Marcelo De Nicola.-

Canción post impresiones


 Uno de los temas del film


UNIVERSO TYKWER


Nacido en Wuppertal, Alemania, el 23 de mayo de 1965, se interesó en el cine desde chico luego de ver películas como Peter Pan o King Kong, con esta última, a los nueve años descubre que el cine era artificial, o sea, algo hecho por los hombres. Milagro en Milán de Vittorio Da Sica, La Novia de Frankenstein de James Whales y Halloween de John Carpenter son otras de sus principales inspiraciones. A los once años empieza a hacer películas en Súper 8 imitando sus películas favoritas. Luego de visitar Berlín, termina yendo a la ciudad donde empieza como proyeccionista. En 1987 se transforma en el programador del cine Movimiento, además de analizar guiones y entrevistar figuras del cine. En los ´90 conoce al director alemán Rosa von Praunheim, uno de los principales del cine postmoderno del país y reconocido activista gay, quien lo impulsar a filmar sus historias personales. Una de ellas terminó siendo el corto Because, donde mostraba las peleas del director con su novia. El corto fue presentado en un festival y obtuvo aplausos luego de la finalización lo que hizo que Tykwer siguiera por el buen camino. Su segundo corto fue Epílogo en 1992, que lo terminó endeudando pero ganando experiencia. En el festival de 1990 el director conoce a Stefan Arndt, quien lo contacta con la cadena televisiva ZDF y le dan la oportunidad de filmar un largo. El guion era Deadly María y gracias a ellos empieza a tener un éxito no solo en su país sino en países tan disímiles como Brasil, Noruega, España o Suiza. Junto a Stefan Arndt, Wolfgang Becker y Dani Levy, Tykwer fundó la productora X Filme Creative Pool en 1994. Su segundo film llegó en 1996 bajo el nombre de Winter Sleepers. Un film con varias historias entrelazadas filmadas en la nieve de Berchtesgaden que volvió a tener un gran éxito en los festivales. En 1998 llega el gran éxito con Corre Lola Corre que lo termina de hacer famoso en el mundo. Su cabeza igual estaba en su próximo proyecto, La princesa y el guerrero, también con Franka Potenta, su pareja de ese entonces, como protagonista. 


El film obtuvo varios premios nacionales. El nuevo siglo lo encuentra por primera vez trabajando para Estados Unidos, donde la firma Miramax le acerca un guion del reconocido director polaco Krzysztof Kieslowski llamado Heaven (En el cielo), que no había podido filmar debido a su muerte. Con Cate Blanchett como protagonista y el director vio sus temas preferentes como la culpabilidad y el perdón en el guion del polaco, en particular la idea de que dos enamorados sean capaces de salvarse mutuamente y así convertirse en uno. El film fue rodado en Italia. En 2004 filma con poco tiempo el capítulo para el film París, Je T´aime llamado True con Natalie Portman como protagonista, quien hace de novia de un chico no vidente. En 2006 lleva al cine la novela de Patrick Süskind, Perfume, un thriller sobre un particular asesino en serie que llevó a Tykwer otra vez a ser nominado en varios festivales. 


Su próximo proyecto fue un film de episodios donde trece directores alemanes filman historias sobre el estado del país en 2009. Ese año dirige a Clive Owen y Naomi Watts en el film El internacional sobre un agente de la Interpol que investiga el mercado bancario y sus dudosas operaciones financieras. Un año después filma en Kenia junto a Hawa Essuman la película Soul Boy sobre un niño que intenta salvar el alma de su padre en Nairobi. Ese mismo año dirige Tres, un drama romántico donde una pareja se enamora del mismo hombre, que obtuvo flojas críticas. En 2012 se une nada menos que a los hermanos Wachowski para filmar Cloud Atlas, una historia que une pasado, presente y futuro entrelazados por pequeños detalles, con Tom Hanks como protagonista. 


Junto a los mismos hermanos dirige la serie Sense Eight y en 2016 vuelve a dirigir a Tom Hanks en Un holograma para el Rey, donde el protagonista viaja a Arabia para mejorar su economía y poder mantener a su familia. Lo último que ha dirigido ha sido la serie creada por el mismo llamada Babylon Berlin, ambientada en 1929 donde un policía investiga una red de pornografía relacionada con la mafia rusa.

FICHA TÉCNICA

Título original: Lola rennt (Run, Lola, Run)
Año: 1998
Duración: 75 min.
País: Alemania
Dirección: Tom Tykwer
Guion: Tom Tykwer
Música: Tom Tykwer, Johnny Klimek, Reinhold Heil
Fotografía: Frank Griebe
Reparto: Franka Potente, Moritz Bleibtreu, Herbert Knaup, Nina Petri, Joachim Król, Armin Rohde, Heino Ferch, Suzanne von Borsody, Sebastian Schipper, Ludger Pistor, Julia Lindig, Lars Rudolph, Ute Lubosch.

SINOPSIS

Dos amantes disponen tan sólo de unos minutos para cambiar el curso de sus vidas. Lola recibe una llamada desesperada de su novio Manni, que acaba de perder una pequeña fortuna que pertenece a un jefe de la mafia para el que trabaja. Si Lola no consigue el dinero en veinte minutos, Manni sufrirá las consecuencias.