jueves, 25 de octubre de 2018

POST TENEBRAS LUX



EDITORIAL

La noche ha golpeado con su hacha mortecina, ha robado en un solo descuido todos los colores, todas las luces que no perciben que en un instante ya son tiniebla. Es la hora del lobo, de la soledad más infinita. El silencio estalla en un rocío frio que congela los sentidos, los arboles cómplices callan su historia y ofrecen sus hojas al pálido ojo de la luna. Pero yo estoy aun aquí, y también soy la noche. Estoy de pie ante la nada abismal, con mi oscuridad fingida, ocultando mi rostro, el de la vergüenza, ante la ignorancia pura de lo que es existir. Si fuera oscuridad, tomaría de tu luz. Si aún existiera, tus ojos lo confirmarían. ¿Soy? ¿Seré? ¿Habré sido? La muerte sopla en mi bosque que es noche y es ausencia. La muerte, que es haber conseguido pero también es olvido. ¿Serán estas manos un recuerdo que se apagan lento como una estrella que ilumina en su reflejo a un mundo que es sustancia y atributo? ¿Habrá sido esta pena? ¿Para qué, digo yo, tanta vida? El viento, ya no encuentra piedras. Ya nadie responde. Después de la oscuridad, la luz.-     
                                                                       
Lucas Itze.-

Canción elegida para la editorial


IMPRESIONES SOBRE POST TENEBRAS LUX


La imagen se desdobla. La mente viaja hacia lugares incomprensibles. Los pensamientos se suceden pero no encuentran una lógica. ¿Será Dios quien maneja todos los hilos? ¿O será el mismísimo Diablo el encargado de hacer girar estas marionetas llamadas seres humanos? La respuesta la tendrá cada uno y todas serán válidas. El hombre al saberse el más racional y por lo tanto más inteligente de la manada elegirá su propio concepto. El será la nada y el todo. Será Dios y el Diablo. Será olvido y perdón. Será creación y destrucción. Será vida y muerte. Será la oscuridad y también la luz después de las tinieblas. Todo eso lo veremos en el indescifrable film del mexicano Carlos Reygadas. Y también tendremos preguntas y respuestas, aunque todas pueden ser diferentes. De eso se trata el arte de alguna manera. El film estará compuesto básicamente por escenas, que serán alrededor de veinte. Arrancará de una manera brillante, poca veces vista. Una niña caminando en un campo, rodeada de diferentes animales como vacas o perros, mientras se avecina una tormenta. Los sonidos nos envolverán inmediatamente. La cámara, casi a la altura de la pequeña, nos posicionará desde un lugar particular. 


La profundidad de campo de la misma nos llevará al infinito. El lente distorsionado haciendo foco en el centro y con los bordes duplicados serán los que nos marcarán que el director nos está proponiendo un juego. El tema es saber si somos capaces de jugarlo. A lo largo del film, notaremos que esos márgenes difusos solo aparecerán cuando los personajes estén al aire libre. En otro momento el encuadre será no convencional, aunque muy bien logrado. Luego de ese comienzo que nos deja con la boca abierta, veremos los títulos y un plano quieto del comedor de una casa, en una imagen que pareciera sacada de un cuadro de Vermeer. La puerta se abre y con una caja de herramientas en mano, veremos la entrada del Diablo quien, en un travelling lento, sigilosamente se acerca a las habitaciones. Luego será la presentación de los personajes, una familia conformada por el padre, la madre y los dos hijos. 


Veremos a ella preguntándole sobre el sueño a su hija y nos vendrá a la mente la imagen inicial, pero como a lo largo de toda la película, no tendremos una respuesta definitiva. El guión tendrá una historia no lineal, veremos escenas que no sabemos si durante el relato que vamos viendo, fueron anteriores o posteriores. La cámara en mano también estará presente. La banda sonora será de una calidad exquisita, al igual que la fotografía que nos presentará postales en cada escenario natural que veamos. Reygadas contará con actores no profesionales, entre ellos sus hijos, que le darán una mayor veracidad a la historia principal. Sabremos que Juan, Natalia y sus hijos viven en una población rural pero vienen de una familia de clase alta. Quizás se fueron para evitar esa contaminación de relaciones artificiales y así sentir a la naturaleza en primera persona aunque ciertos momentos nos indican que todavía el ser humano está por encima de cualquier raza animal. Habrá inocencia, risas, dolor, orgías, música, violencia, y, por lo tanto, muerte. 


Durante el metraje nos encontraremos con varios directores de los que charlamos en esta misma mesa. Estará Tarkovski, estará Dreyer, y más acá en el tiempo, veremos a Lucrecia Martel, a Malick y su árbol de la vida y al tailandés Weerasetakul mientras su tío Boonme se debate entre lo real y lo fantástico. Habrá imágenes poderosamente fuertes y esa tormenta que se avecina cambiará cada vez que los niños están en pantalla. Porque siempre en ellos recaerá la esperanza de un mundo puro y genuino. Aunque una vez más los mayores se encarguen de arruinarlo, ya sea mediante una bala o la tala de un árbol. Esas últimas imágenes nos hacen recordar que por cada árbol que muere, un corazón se apaga. Y seguirán las preguntas: ¿Estará filmada desde la visión de un niño? ¿O será el propio diablo? ¿Es una crítica a la sociedad y su violencia natural? ¿Será la naturaleza la encargada de poner todo en su lugar? ¿Que será real y que será sueño? Elegimos que las respuestas las debatiremos en una esquina, nada menos que junto al diablo y la muerte, ya que seguramente tendrán más ideas que quien escribe...

Marcelo De Nicola.-  

Canción post impresiones


 UNIVERSO REYGADAS


Nacido en México en 1971, se recibió como abogado en la Escuela Libre de Derecho y se dedicó al Derecho Internacional. Se fue a Bélgica donde allí empezó en el mundo del cine, con su primer corto llamado Maxhumain. En el 2000 fundó su productora y dos años después llegó Japón, su primer largometraje. La historia de un hombre que deja la ciudad para irse al campo a esperar su muerte. Allí conoce a una vieja viuda que le hace renovar sus instintos y deseos más profundos. Obtuvo varias nominaciones en su país natal y una mención especial en Cannes
Tres años después llega Batalla en el cielo, una historia de culpa, sexo y poder que tuvo críticas dispares y fue nominada a la Palma de Oro en Cannes. Vuelve a centrarse en la vida rural en 2007 cuando estrena Luz Silenciosa, donde cuenta la historia de una familia menonita y sus complicados problemas amorosos. Aplausos de la crítica y ganador del Premio del Jurado en Cannes, además de otros festivales. 


Participó en 2010 en el film Revolución, una serie de cortometrajes en homenaje a los 100 años de la revolución mexicana. Luego de Post Tenebras Lux el director mexicano está estrenando Nuestro tiempo, la historia de una familia en un campo ganadero y un futuro triángulo amoroso. Las críticas han sido bastantes duras en este último film. Veremos que nos trae a futuro uno de los grandes nombres del nuevo cine mexicano.

FICHA TÉCNICA

Título original: Post Tenebras Lux
Año: 2012
Duración: 120 min.
País: México
Dirección: Carlos Reygadas
Guion: Carlos Reygadas
Música: Gilles Laurent
Fotografía: Alexis Zabe
Reparto: Adolfo Jiménez Castro, Nathalia Acevedo, Willebaldo Torres, Rut Reygadas, Eleazar Reygadas.

SINOPSIS

Juan y su familia urbana viven en el campo mexicano, donde ellos disfrutan y sufren un mundo aparte. Y nadie sabe si estos dos mundos son complementarios o si se esfuerzan por eliminar el uno al otro. (FILMAFFINITY)

CINÉFILOS A LA INTEMPERIE



EDITORIAL

Las luces se apagan de golpe. Se abrirá el telón y la pantalla empezará a dar a luz una nueva obra. Veremos el resplandor que nos enceguece, ese eterno resplandor de una mente sin recuerdos por las próximas horas en las que estemos sentados. Ni el hombre de al lado comiendo sus palomitas de maíz ruidosamente podrá quitarnos los ojos de allí… si, la mala educación está en todas partes. Estando quietos, recorreremos Manhattan, Casablanca, Filadelfia y hasta haremos un París, Texas sin escalas. Transitaremos nuestro propio camino de los sueños, creyéndonos el verso de las aventuras de Dios. Serán tiempos violentos, donde la metrópolis es invadida por hoteles de millones de dólares mientras ahí abajo siete locos manguean pizza, birra y faso antes de convertirse en asesinos por naturaleza. Como en una celebración, beberemos el sabor de la noche mientras vemos danzar una bailarina en la oscuridad. La melancolía se trasformará en vergüenza mientras los 400 golpes que ejecuta el pianista hacen su gracia. Quisiéramos escapar hacia rutas salvajes pero nos encontramos con el silencio más aterrador de nuestras vidas. Habrá que dejarse tentar ante el sacrificio de decirle adiós al lenguaje. Seremos presos del gran dictador que elegirá deshacerse de los olvidados de siempre. Con ellos aguantaremos hasta el final para ir en busca del destino. Lo haremos en el nombre del padre, de El hijo y del corazón valiente de miles de mujeres al borde de un ataque de nervios. Seremos esos perros de la calle transitando por la carretera perdida. Y como sabemos, en la ciudad del pecado todo termina tan de repente. Alguien buscará las nueve reinas en siete cajas diseminadas por el séptimo continente, mientras otros se quedarán en las sombras esperando captar con su súper 8 a nuevos cinéfilos a la intemperie.

Marcelo De Nicola.-




FICHA TÉCNICA

Título original: Cinéfilos a la intemperie
Año: 2005
Duración: 92 min.
País: Argentina
Dirección: Carlos O. García,  Alfredo Salvutzky
Guion: Carlos O. García, Alfredo Salvutzky, Rodrigo Tarruela
Fotografía: Alfredo Salvutzky

SINOPSIS

Entrevistas a diversos críticos, escritores y comentaristas argentinos de cine. Realizadas originalmente en 1989-1990 y montadas en 2005. Los entrevistados hablan sobre los viejos cines de barrio, las distintas formas de acercamiento al cine, los directores más destacados, las transformaciones en el visionado, la obscenidad, y las características de la cinefilia. (FILMAFFINITY)

martes, 9 de octubre de 2018

VIDA ACUATICA - THE LIFE AQUATIC WITH STEVE ZISSOU



EDITORIAL

Sol fuerte sobre los ojos
pastos húmedos
pastos amarillos
arena gruesa, nítida
el suelo rocoso, cerca de las aguas
cielo azul y amable
pulmones abiertos
frases cortas
nicho de oro que se abre en un templo oscuro

La oscuridad no guarda el buen amor.
Noches tristes
Noches frías y sin consuelo
lirios letales de las noches
(que cambian el pulso del dolor)
pedazos de hielo
piel herida,
abierta en la parte inesperada del alma

Un pez resbaloso
números rotos
(donde se desliza una estrella)
Números que cuadriculan el tiempo,
lo fijan
reinan en el silencio
línea diabólica del prójimo


René Menard en sus “Reflexiones sobre la vocación poética” nos dice: La vocación de la Poesía es ofrecer estados fugaces, pensamientos difíciles, perspectivas sin descanso para los ojos. Una de las más graves faltas para con la Poesía sería creer que en su vocación entra el rechazo de los límites estrechos de la condición humana. Pero ella permite a veces alcanzarlos, dilatación considerable para la mayor parte de nosotros y que, a decir verdad, no soportamos por mucho tiempo. La poesía arroja tanta oscuridad sobre la muerte como claridad sobre la vida. La verdadera poesía no consuela de nada. La Poesía es un bien capaz de todos los otros bienes. La poesía desconocida se respira como el perfume de las islas sobre el mar.

Marina Rossetto.-

Canción elegida para la editorial


IMPRESIONES SOBRE VIDA ACUÁTICA


El hombre siempre se sintió el dueño del planeta y con él se llevó ecosistemas y miles de especies. Todo por culpa de la ambición y el poder. Algo tan grande que ya no alcanza con destruir la naturaleza sino terminar con la vida de cada uno de nosotros. Y entonces llega la revancha en forma de terremotos, tsunamis, olas de frio y golpes de calor. Pero nunca vamos a aprender. Y mientras tanto seguimos destrozando todo como si buscáramos venganza. La misma que busca Steve Zissou, el protagonista que interpreta magistralmente un gran amigo de esta casa como lo es Bill Murray, en el film Vida Acuática de Wes Anderson. Como con toda la filmografía del director, habrá que estar atento a cada detalle ya desde el comienzo, cuando aparece el primer personaje en pantalla. Hablando en un perfecto italiano, no es otro que Antonio Monda, un crítico de cine y también documentalista, quien en un festival en el país presenta el último documental de nuestra estrella. En el mismo muere su gran compañero de ruta, momento que no pudo ser grabado, por lo que muchos acusan al oceanógrafo de farsante. En una conferencia de prensa, anuncia su nuevo trabajo para ir en busca del tiburón jaguar, no para investigarlo, sino meramente por venganza. El guion firmado por Anderson y su coequiper Noah Baumbach será lineal. Veremos, como dijimos anteriormente, un film marca Anderson por donde se lo mire. Tendremos la presentación de los personajes, para ir familiarizándonos un poco con cada uno. Las escenas tendrán una simetría perfecta propia de un Kubrick en cada plano central. El humor negro aparecerá en los momentos menos pensados. La cámara será manejada con maestría, ya sea mediante unos travellings infinitos como en los planos fijos. Sin dudas, una de las escenas más logradas del film es la presentación del Belafonte, la embarcación donde transcurre casi toda la historia. La cámara irá pasando de habitación en habitación, de la proa hasta la popa, con unos encuadres a medida mientras la voz en off va relatando lo que vemos. No hay una imagen de más. 


Todo está encuadrado de forma brillante. También la música con aroma a bossanova hace su parte. Porque cuando decimos que el director piensa en todo, no exageramos. Estamos ante una de las mejores bandas musicales que recordemos. Pelé dos Santos (nada menos que apodo y apellido del astro brasilero del fútbol...), será uno de los tripulantes y lo veremos siempre guitarra en mano. No es otro que el cantautor Seu Jorge, quien a lo largo del film va reversionando diferentes canciones de David Bowie. La música, además contará con temas The Zombies y Sigur Ros. Toda la banda sonora será orquestada por Mark Mothersbaugh, el líder de Devo, alguien con quien ha trabajado varias veces. A eso le sumamos que Pawel Mdowczak, interpretando a Renzo Pietro, solía llevar un micrófono durante el film, ya que era nada menos que el mezclador de sonido y así capturaba el audio real en cada toma. Por otra parte, la fotografía de Robert D. Yeoman también será exquisita. Una paleta de colores primarios convergerá con los colores pastel que forman el decorado del barco. Además de la simetría, también tiene de Kubrick el vestuario, diseñado por Milena Canonero, quien trabajó con el cineasta inglés en La naranja mecánica, Barry Lyndon y El Resplandor. Y como era de esperarse, tampoco faltarán los homenajes. La película completa está dedicada a Jacques-Yves Cousteau, uno de los grandes exploradores que nos dejó hace poco más de 20 años y donde los gorros rojos son sin dudas su mayor homenaje. 


Habrá reminiscencias a 20.000 leguas de viaje submarino y a Yellow Submarine. Y hasta habrá otro pequeño nombre rondando por ahí, nada menos que Henry Selick, el director de El extraño mundo de Jack y Coraline, entre otras, quien ofició de técnico de efectos visuales en las tomas con stop-motion, como por ejemplo la del tiburón jaguar, para bendición de su amigo Wes. Por último, y no menos importante, los personajes. Todos sacados del ideario del director. Un cúmulo de figuras que cumple su papel con altura. Bill Murray llevará toda la carga y le sacará lustre a un personaje tan sincero como nefasto a la vez. Ned, interpretado por Owen Wilson, será el hijo perdido por el que la historia dará el giro más importante, mostrando otro clásico del director, los problemas familiares ocultos. También emergerán los personajes femeninos fuertes y de carácter arrollador, como los de Eleanor (Angelica Houston) y Jane (Cate Blanchett), la periodista embarazada que más confrontará con Steve. Serán ellos, con todos sus pros y sus contras, quienes intenten mantener en alto el espíritu de Esteban. Será Steve quien al final de todo, se dará cuenta que ya no le queda mucho más por luchar, que esa venganza que fue a buscar le iba a dar otro cachetazo y que la muerte siempre está al acecho. Lo veremos con los ojos llorosos como nunca antes pero también caminando con la frente en alto, el niño que lleva en sus hombros significará la infancia y se irá tranquilamente, quizás reconociendo de una vez, que la naturaleza será por siempre la puta reina.
                   
Marcelo De Nicola.-

Canción post impresiones


Una de las reversiones de Seu Jorge


UNIVERSO ANDERSON


Nacido en Houston el 1 de mayo de 1969, creció allí y desde chico estaba interesado en el mundo del cine. Frecuentemente utilizaba una cámara de súper 8 donde grababa pequeñas obras de teatro en la escuela. Luego empezó a estudiar filosofía en la Universidad de Austin, Texas, donde conocería a alguien con quien compartiría el mundo del cine: Owen Wilson. Ambos escribieron el guion del primer largo de Anderson, titulado Bottle Rocket, basado en un corto de ellos mismos de 1994. El largo fue presentado en 1996 y trata la historia de dos compañeros de un manicomio, al cual ingresaron voluntariamente, y que una vez afuera intentarán cometer más delitos para llamar la atención de un jefe mafioso. Ganaron en el Festival de Los Angeles el premio Nueva Generación. En 1998 vuelven a escribir juntos Academia Rushmore, donde empieza a ser alabado por la crítica. Cuenta la historia de un estudiante de la prestigiosa academia que está enamorado de una joven profesora, aunque su rival es nada menos que un padre de un compañero que intenta conquistarla. El film fue nominado en Inglaterra como mejor película independiente mientras que Bill Murray tuvo nominaciones en diferentes festivales como mejor actor de reparto. Su despegue definitivo llegó en 2001 nuevamente en dupla con Wilson cuando dirige Los excéntricos Tenenbaums, una familia conformada por un matrimonio, dos hijos y una hija. Los tres son jóvenes talentos en lo suyo pero luego de la separación de los padres empiezan a descubrir secretos, traiciones y fracasos donde el patriarca es el principal responsable. Nominada al Oscar y a los Bafta como mejor guion, también Gene Hackman se llevó algunas por su labor. 


Luego de Vida Acuática llegó el corto Hotel California, con Natalie Portman, como pre anuncio de su siguiente película: Viaje a Darjeeling. La historia de tres hermanos que luego de años sin hablarse, se encuentran tras la muerte de su padre y deciden un viaje en tren por la India, recorriendo el país de un extremo a otro. Ahí volverán las viejas rencillas y serán expulsados del tren por lo que tendrán que sobrevivir como puedan en el medio de la India. En 2009 junto a Noah Baumbach adaptan la novela de Roald Dahl Fantastic Mr. Fox, donde por primera vez incursiona en el mundo animado. El film, con las voces de Bill Murray, Meryl Streep, George Clooney y Jason Schwartzman, entre otros, es un éxito. Cuenta la historia de un zorro padre de familia que por las noches roba gallinas y otras aves de granjas vecinas y los granjeros se dan cuenta y quieren cazarlo. Nominado a mejor film animado en casi todos los festivales. 


Con Roman Coppola escriben Moonrise Kingdom, que ve la luz en 2012 con otro reparto de estrellas: Bruce Willis, Edward Norton, Bill Murray, Frances Mc Dormand, Jason Schwartzman, Harvey Keitel, etc. Sigue la historia de dos chicos que se envían correspondencia sin conocerse y tienen mucho en común. Pactan una cita y deciden irse juntos. La policía, los padres y el jefe de Boy Scouts donde participaba el chico se lanzan a la búsqueda, mientras empiezan a florecer viejos amores. Nominada a mejor guion, mejor película y para diferentes asociaciones de Críticos una de los mejores diez films del año. Aprovechando el estreno del film, Wes Anderson encargó a Christian De Vita la realización de un cortometraje de animación que fue distribuido exclusivamente online y que cuenta algunas de las historias de los libros de su protagonista. Luego se dedicó a hacer un par de cortometrajes, como Castello Cavalcanti, sobre un piloto de Fórmula 1 de la década del ´50 y Prada: Candy, en homenaje al perfume e inspirada en el film Jules y Jim de Truffaut. En 2014 llega su gran éxito: El gran hotel Budapest. Ambientado en los años ´30, vemos a Gustave H. (Ralph Fiennes) un famoso conserje de un hotel europeo y la historia sobre un robo de un cuadro renacentista y la pelea por la fortuna del mismo. Además, se muestran los entretelones previos a la Segunda Guerra Mundial. La cantidad de estrellas que aparecen aunque sea unos minutos, deja al descubierto la capacidad que tiene el director de convencer a sus actores. Algunos de ellos eran: Ralph Fiennes,  Saoirse Ronan, Edward Norton, Jeff Goldblum, Jude Law, Willem Dafoe, F. Murray Abraham, Adrien Brody, Tilda Swinton, Harvey Keitel, Mathieu Amalric, Jason Schwartzman, Tom Wilkinson, Bill Murray, Léa Seydoux y Owen Wilson. 10 nominaciones a los Oscar de los que se llevó 4 (todos técnicos), el Globo de Oro a la mejor comedia, además de nominaciones y premios en todo el mundo. Críticas positivas en casi todo el mundo. 


En 2016 hace un corto con Adrien Brody para firma H&M titulado Come Together y este año llegó su último envío: Isla de Perros. Nuevamente una película animada en stop-motion, trata sobre el exilio de todos los perros de Megasaki City a una isla. Allí se dirigirá un niño de doce años para volver a encontrarse con su mascota. Acaba de ganar el premio a mejor director en el Festival de Berlin, y es candidato a los premios de animación de la próxima temporada.

FICHA TÉCNICA

Título original: The Life Aquatic with Steve Zissou
Año: 2004
Duración: 118 min.
País: Estados Unidos
Dirección: Wes Anderson
Guion: Wes Anderson, Noah Baumbach
Música: Mark Mothersbaugh
Fotografía: Robert D. Yeoman
Reparto: Bill Murray, Owen Wilson, Cate Blanchett, Anjelica Huston, Willem Dafoe, Jeff Goldblum, Michael Gambon, Noah Taylor, Bud Cort, Seu Jorge, Robyn Cohen, Waris Ahluwalia, Seymour Cassel,  Noah Baumbach, Hal Yamanouchi.

SINOPSIS

Tras preparar un plan para vengar la muerte de su colega a manos de un mítico tiburón blanco, el oceanógrafo Steve Zissou (Bill Murray) recluta a una tripulación que incluye a su esposa (Anjelica Huston), a una periodista (Cate Blanchett) y a un joven que podría ser su hijo (Owen Wilson). (FILMAFFINITY)

TIEMPOS DE AMOR, JUVENTUD Y LIBERTAD (THREE TIMES) - ZUI HAO DE SHI GUANG



EDITORIAL

Fuimos un recuerdo que desapareció entre la niebla. Fuimos el tiempo que se escapó por los bosques. Fuimos un juego profano en un ambiente oscuro. Fuimos fantasmas enredados en sábanas de pasión. Fuimos mentes en blanco divagando de locura. Fuimos retazos de arte entre espejos de colores. Fuimos la mejor canción del mundo. Fuimos la tempestad, llevándose todo por delante. Fuimos el viento soplando con furia. Fuimos la muerte equivocando el camino. Fuimos el beso arrancado entre carcajadas. Fuimos el elixir de los propios labios. Fuimos la melodía al compás de las caricias. 


Fuimos la navidad olvidada en la azotea. Fuimos el sueño perfecto. Fuimos el reflejo de los años. Fuimos la belleza de los frutos. Fuimos las flores de cada primavera. Fuimos las miradas clandestinas. Fuimos las promesas incumplidas. Fuimos el otoño sin sonrisas. Fuimos una ruleta eligiendo el color equivocado. Fuimos la nieve que inundó todo. Fuimos el mundo girando entre luces y sombras. Fuimos muñecos caminando sin gracia. Fuimos palabras grabadas a fuego. Fuimos todo que deseamos ser. Fuimos todo lo que nunca pensamos ser. Fuimos nosotros. Fuimos ayer, hoy y mañana. Fuimos el dolor de ser pasado. Fuimos el fin. Fuimos amor, juventud y libertad.

Marcelo De Nicola.-

Canción elegida para la editorial


IMPRESIONES SOBRE TIEMPOS DE AMOR, JUVENTUD Y LIBERTAD


Dale a un mono el lenguaje y el razonamiento y allí entenderás la macabra broma de dios, allí  cobrará un súbito sentido aquella carcajada cósmica que suena sorda entre la estremecedora oscuridad del universo. Aquel animal astuto, no tardará en crear el conocimiento y en aquel movimiento nacerá la ilusión patética de apropiarse de la naturaleza. Ese animal torpe y sin instinto, entonces, hablará y así conocerá. Será colono, será centro, será dios por sobre todos, será verbo. Aquella construcción de conocimiento, por su origen, resultará caduca y arbitraria ya que no conducirá más allá de la vida humana. Será también soberbia y sucumbirá entre los escombros propios de la derrotada humanidad. De esta manera el hombre, será el único portador de sentido, desestimando con arrogante egocentrismo otros pathos en términos Aristotélicos, otros razonamientos, otras comunicaciones, otros sentires que por inaprensibles resultaran inexistentes. ¿Qué sensaciones transmitirá el armónico canto de un rio? ¿Cuál será el grito ancestral de cada piedra? ¿Cómo será la historia narrada por el susurro de un bosque? Tal vez el arte Zen constituya un valiente, aunque siempre imposible, acercamiento a la búsqueda de estas desesperadas respuestas. El Zen, como también las distintas artes que de este derivan, entiende que toda actividad puede y debe convertirse en un valioso medio de conocimiento interior, exige de esta manera, entonces, una profunda identificación con su tema, con su objeto. Para pintar una caña de bambú, el artista debe sentirse en cierto modo, él mismo una caña de bambú. ´


En este arte muchas veces, y aquí subyace lo especial y maravilloso del Zen, la realidad apenas aparece insinuada: los contados trazos que la insinúan dan lo esencial, reflejan en el espacio la plenitud de la realidad. Sera quizás a través de esta re significación de la realidad que generemos una nueva ilusión según la cual venzamos afortunadamente a las palabras y asa a los conceptos que de ellas surgen. Sera, tal vez, que de un solo trazo desarticulemos al tiempo y todo sea contemplación, tal como lo sugiere el Haiku y su poesía. Matsuo Basho dijo alguna vez que el silencio acentuado de antes y después del haiku es su valor esencial, es el haiku mismo. Para el arte Zen, todo paisaje, todo bosquejo de bambúes al viento o de rocas solitarias es un eco de tales momentos. Cada momento, según lo expresado, según su resonancia (allí nuevamente lo maravilloso del Zen, aquella capacidad de resonar y así poder contar de otra manera) lleva un nombre distinto. Así entonces AWARE será el momento crítico que ocurre entre el acto de percibir la fugacidad del mundo con pena y dolor, y el acto de verlo como la misma forma del Gran Vacío. Será quizás a través de esta mirada que se haya construido aquel precioso y preciso relato de Hou Hsiao Hsien llamado Three Times. Estaremos frente a un film en el cual notaremos que su génesis fue encarada de manera distinta a la que estamos acostumbrados. Su construcción narrativa es quizás propia a su cultura por lo que percibiremos allí el resonar de los cuerpos, la contemplación más que la torpeza de la palabra. La estructura narrativa estará planteada en tres bloques unidos claramente por un sentimiento, por un devenir que se continúa rompiendo de esta manera la temporalidad del relato. Mejor aún, más que rompiéndola, descartándola. 


Se organizará la narrativa en tres fechas bien distintas, a saber: 1966, 1911 y 2005 que servirán como situación marco para el desarrollo del drama, pero todo se centrará en tres sentimientos: el amor, la libertad y la juventud. El film poseerá la puesta de cámara más perfecta que con seguridad este que les habla haya visto jamás. Habrá economía de movimientos, habrá perfección en la  composición, habrá un inteligente y sentido cuidado de la colorimetría de cada plano, surgirá metáfora de todo aquello, aparecerá la sugerencia de lo percibido, será el silencio que a su vez será el haiku mismo. Notaremos cierta repetición casi a modo de mantra en la idea de narrar a través de la composición utilizando de manera metonímica el recorte de la parte para nombrar el todo. Aparecerá reiteradas veces la idea del pasillo y una puerta abierta en su fondo con la intención quizás de situar los distintos escenarios dentro de un contexto donde el afuera es siempre portador de cambios. Será la cámara utilizada como un observador sutil que lejos de influir sobre el objeto observado busca ser atravesado por él. Todo cambiará en la última de las historias, en donde la cámara, o tal vez el observador, vamos, el director mismo, ya influido por su tiempo, por su contexto precisa para narrar otros movimientos. No habrá sutilidad pero persistirá el encanto de la mirada. Quedará nuestra percepción vibrando con cierta angustia, perplejos ante la idea de algo que no avanza, que aun moviéndose, no deja nunca de detenerse. Hojas que caen, quedan unas sobre otras; la lluvia golpea sobre la lluvia.

Lucas Itze.-

Canción post impresiones


 ¿Por qué se pelea la gente en Nueva York?
                          

UNIVERSO HAO HSIAO HSIEN


Nacido en Guangdong, China, el 8 de abril del 1947, huyó junto a su familia un año después a Taiwán por la guerra civil china. De la etnia Hakka, la familia se instaló en Fengshan, la ciudad principal del sur de la isla, y Hou recibió su educación en la Academia Nacional de las Artes de Taiwán. Su debut se produjo en 1980 con el film Lovable You, donde una chica de clase alta se enamora de un joven de clase baja. Sigue con Blind of Love, otra historia de amor, esta vez entre una fotógrafa y un ciego. En 1983 filma tres películas: The Sandwich Man (tres historias sobre la vida en el Taiwan de los ´60), The Green, Green Grass of Home, otra vez el amor, esta vez entre un profesor novato y la profesora de la pequeña escuela y Aquellos días de juventud, la película con la que empieza a hacerse un nombre, sobre 3 amigos que quieren hacerse un nombre en un pequeño pueblo de pescadores.


En esa década del ´80 llega lo mejor de su filmografía A Summer at Grandpa's (historia de unos abuelos con sus nietos en el verano), Tiempo de vivir, tiempo de morir (casi autobiográfica, el exilio de una familia en Taiwan y la pérdida de la cultura de las nuevas generaciones), Polvo en el viento (otro drama romántico adolescente), La hija del Nilo (sobre la criminalización juvenil en el Taiwan moderno) y Ciudad doliente, sobre la violenta represión china de 1947. 


Con este film gana el Leon de Oro en Venecia en 1989 y da comienzo a una trilogía, conformada por El maestro de marionetas que logra el Gran Premio del Jurado en Cannes en 1993 y Good Men, Good Women que es nominada a la Palma de Oro en el mismo Festival del año ´95.
Vuelve a competir al año siguiente con Goodbye South, Goodbye, sobre tres jóvenes delincuentes en un film rodado en su mayoría en planos secuencias. En 1998 dirige Las flores de Shangai, ambientada en 1880 donde se centra en las relaciones entre las cortesanas y los hombres poderosos de esa época. Otra nominación en Cannes.
En el nuevo siglo dirige Millenium Mambo, con la que gana el premio técnico en Cannes en un drama romántico donde la protagonista tiene el corazón dividido entre dos hombres. En 2004 filma Café Lumiere, un homenaje a su ídolo, el cineasta Yasujiro Ozu a cien años de su nacimiento. Luego llega Three Times y en 2005 se va a Francia para dirigir El vuelo del Globo rojo, con Juliette Binoche en el papel de una madre separada que trabaja como narradora en un espectáculo de marionetas y que se hace amiga de una chica taiwanesa que cuida a su hijo. Filma cortos para Cada quien con su cine por el 60 aniversario del Festival de Cannes y para 10 + 10, por los cien años de la República de China. 


Recién vuelve a dirigir en el año 2015 con La asesina, ambientada en el Siglo VII sobre una joven justiciera que busca eliminar a los tiranos. Ganó en Cannes el premio a Mejor Director, además de ser nominada la película en algunos festivales.

FICHA TÉCNICA

Título original: Zui hao de shi guang (Three Times)
Año: 2005
Duración: 139 min.
País: Taiwán
Dirección: Hou Hsiao-Hsien
Guion: Chu Tien-wen, Hsiao-Hsien Hou
Música: Giong Lim
Fotografía: Pin Bing Lee
Reparto: Shu Qi, Chang Chen, Mei Fang, Shu-Chen Liao, Shi-Shan Chen, Lee Pei-Hsuan, Di Mei, Lawrence Ko.

SINOPSIS

Tres épocas (1966, 1911, 2005) y tres historias, interpretadas por la misma pareja de actores, Shu Qi y Chang Chen. Un cuento sentimental que evoca la triple reencarnación de un amor infinito.
1966, Kaohsiung - El tiempo del amor: Chen conoce a May, una chica que trabaja en los billares donde él suele ir. Juegan una partida y el joven le cuenta que se va a hacer el servicio militar. De permiso, Chen vuelve para verla, aunque ella ya no trabaja allí...
1911, Dadaocheng - El tiempo de la libertad: Un joven deja embarazada a una cortesana. Su padre va a negociar su libertad, pero la madame pide una suma exorbitante. Otro cliente se entera de lo que ocurre y paga la diferencia, a pesar de estar en contra del concubinato. No tardará en irse a Japón a reunirse con un revolucionario.
2005, Taipei - El tiempo de la juventud: Jing, una cantante, es epiléptica y está perdiendo la visión del ojo derecho. Vive con otra mujer, Micky. Zhen es fotógrafo y vive con su novia, Blue. Jing y Zhen tienen una relación amorosa a escondidas de sus parejas. (FILMAFFINITY)