domingo, 17 de enero de 2021

MISS VIOLENCE

PROGRAMA 312 (08-01-2021)

 

SINOPSIS

Una niña decide suicidarse saltando al vacío el día de su undécimo cumpleaños. Por si no fuese ya un caso suficientemente extraño y doloroso de por sí, la chica tenía una sonrisa en su boca antes de lanzarse al vacío, y su familia tarda bien poco en hacer lo indecible para olvidar su mera existencia. Esto último alarma a los Servicios Sociales, que deciden hacer una visita a una familia aparentemente perfecta... (FILMAFFINITY) 

 

EDITORIAL

 

El monstruo emerge desde lo más profundo de nuestras tinieblas. El hombre es el lobo del hombre, como popularizó el filósofo Thomas Hobbes allá por el siglo XVII. Nos pasamos toda la vida viendo caras pero también miles de secretos. Están ahí aunque no lo sepamos. Compartiendo una ronda de mates, una charla de oficina o un simple partido de fútbol. Será la sociedad quien tenga que quitarles las caretas. Estarán mimetizados bajo el logo de los incorruptibles, de la más absoluta perfección. Vendrán con una receta histórica de cientos de años. Y es ahora el momento de salir a patear el tablero. Habrá que vencer los miedos y escupir el rechazo delante de todos. Es tiempo de que las marcas estén a la vista. En esta era donde logramos que miles de voces oprimidas se escuchen y se transformen en derechos obtenidos, necesitamos liberar nuestras pesadas mentes. 

Recordar en el espejo quienes somos y que hicimos. Y pedir perdón si es necesario. Tenemos la posibilidad histórica de cambiar la sociedad para siempre. Habrá que ponerse al hombro todas nuestras penurias y expulsar todas nuestras miserias. Ver ese disfraz desdibujado que nunca utilizaremos. Apelamos a tener la conciencia limpia para controlar ese lobo hambriento que solo quiere demonizar a sus víctimas. Cuando eso no se consigue, ya es demasiado tarde. Y el partido ya no es el mismo. Y la pelota no la recuperaremos jamás. Lo que sigue se parecerá al peor de los infiernos. Ese lobo hambriento y deseoso de placer entrará en un remolino de salvajismo, lujuria y muerte. Y solo nos quedará esperar a saber cuál es su próxima víctima. Mientras nuestro cerebro frito se distorsiona mirando la pantalla de los celulares, que nos ofrecen todo con solo hundir la yema de los dedos, el lobo intentará cautivarnos pero seremos nosotros los que tendremos que evitar tener una cita especial con la Señorita Violencia...

                      

Marcelo De Nicola.-

 

Canción elegida para la editorial

 


IMPRESIONES SOBRE MISS VIOLENCE


 

Dame una mesa aturdida de gritos, sin mantel y caótica de elementos divergentes. Comamos en cuotas, Hagámosle un ritual al sol mientras cubrimos el piso de migas para que mañana no acompañe con todo su calor. Que la gastada madera que sostiene nuestros alimentos y los objetos más nómades de nuestro hogar sea una página que reciba la mayor cantidad palabras posibles. Condimentemos nuestras salsas con más adjetivos calificativos que parmesano. Rayemos los verbos y repartámoslos en cantidades iguales para que nadie se quede callado. Cada vez nos encontramos más alejados de aquella idea de forzar determinados modales y costumbres a la hora de sentarse en la mesa o todo ritual normalizador que solo sirven de distracción para tapar miserias que son mucho más relevantes que ver una miga salir volando desde una boca.

Miss Violence vendrá a revelar la hipocresía que puede esconderse tras una familia que se esfuerza desmedidamente en la perfección de los buenos modales. Estrenada en 2013, en un contexto social adverso por las políticas restrictivas tomadas para salir de la crisis en la que entró Grecia luego de la caída de Lehmans Brothers y de la cual surgió una nueva ola de cine como la Yorgos Lanthimos y Athina Tsangari y a la que se sumaron los ya consagrados Theo Angelopoulos y Constantin Costa-Gavras. A ellos les sumamos a Alexandros Avranas, director de la película que hoy nos convoca. El film tendrá de esos inicios impactantes que consta de una pequeña escena, una de las pocas o única en las que veremos movimiento de cámara, donde en medio de una celebración de cumpleaños alguien toma una decisión determinante -Hemos mencionado en este foro la dificultad actoral que implica aquel ejercicio típico teatral de pasar de un “feliz cumpleaños” a un “se murió la abuela”-  En esos pocos minutos, el plantel actoral demostrará su calidad, generando una incógnita tal que ya no podremos abandonarla. A partir de ese punto la quietud invadirá todo aquel mundo. Reforzado con una paleta de color marrón pastel, la cámara con planos fijos y exageradamente obtusos sumados a la poca acción de los protagonistas, el relato avanzará de forma lenta e irá arrojando información a cuenta gotas mientras el aire de aquella aparente normalidad de un hogar ira construyendo una atmósfera siniestra y agobiante. 

Algo no estará bien, pero no sabremos qué debido a la excelente construcción de los personajes que actuarán sobre lo no actuado. Cuidarán en cada gesto aquel secreto que se esconde tras un velo de formalidad. Si bien, leída en contexto, podemos divisar símbolos referidos a la crisis que atraviesa la sociedad griega, la temática del guión tendrá la fuerza necesaria para salirse por encima y tomar valor atemporal. La trama por momentos estará ajustada para interpelar al espectador sobre la violencia.  Aquella que ejercimos o a la que fuimos sometidos, a la que callados observamos desde un costado o con la que de alguna u otra manera nos recuerda a alguna experiencia. Por eso será incómoda, molestará la angustia y la impotencia cuando aquella violencia tenga forma, nombre y apellido luego del punto de giro principal, aquella  escena, quizás, innecesaria y muy dolorosa. Luego llegará el final con otra escena brillante desde lo actoral, cerrando parte del relato y una puerta que aturdirá con un silencioso grito: algunas injusticias nunca tendrán como contrapartida algo justo que tapen tanto dolor.

 

Alan Beneitez.

 

Canción post impresiones

 


UNIVERSO AVRANAS


 

Alexandros Avranas nació en Larissa, Grecia el 1 de noviembre de 1977. Entre 1998 y 2001 estudió escultura en la Universidad de Bellas Artes de Atenas. Luego se dirigió a Berlín, donde continuó sus estudios de posgrado en la Universidad der Kunste con el famoso escultor británico Tony Cragg. Ha participado en varias exposiciones colectivas. Entre sus diversos premios y distinciones se encuentran el 1º y 2º premio por la reelaboración visual de dos espacios arquitectónicos en Lebenhauses, Berlín (2002), y el 1º Premio al videoarte de la Fundación Spyropoulos (2006). Un año después dirigió su primer film titulado Whitout, un drama familiar que obtuvo siete premios en el festival de Cine de Salónica en su país. El 7 de septiembre de 2013 ganó el León de Plata al mejor director en el 70º Festival de Cine de Venecia por su película Miss Violence, mientras que Themis Panou ganó la Copa Volpi al Mejor Actor por su papel en la misma película de Avranas. Luego del éxito de su film, fue contactado para dirigir en Estados Unidos el film Dark Crimes con guión de Jeremy Brock. La historia de un detective de homicidios que encuentra paralelismos en el asesinato que está investigando y un libro escrito por un novelista fue un fiasco en cuanto a taquilla pero más en cuanto a críticas, a pesar de contar con Jim Carrey y Charlotte Gainsbourg en los papeles protagonistas. 


Vuelve a Grecia en 2017 para trabajar junto a su co-guionista de Miss Violence, Kostas Peroulis, con el film No me ames, con Eleni Rossinou nuevamente como protagonista. Esta vez es sobre una pareja que contrata a una inmigrante para que sea su madre de alquiler pero entre ambas mujeres empiezan a tener relaciones. A su vez, la mujer está cada vez más deprimida. El film obtuvo criticas positivas y negativas pero siempre con una marca. Alexandros Avranas en todas sus obras, cine y artes visuales, examina cuestiones sociales y políticas. El interés se refiere a emplear al hombre moderno como entidad independiente o como miembro de la sociedad. Avranas se burla, dispara, denuncia nuestra indiferencia y pasividad, sobre todo en la sociedad griega.

 

FICHA TÉCNICA

 

Título original: Miss Violence

Año: 2013

Duración: 99 min.

País: Grecia

Dirección: Alexandros Avranas

Guion: Alexandros Avranas, Kostas Peroulis

Fotografía: Olympia Mytilinaiou

Reparto: Themis Panou, Eleni Roussinou, Chloe Bolota, Kostas Antalopoulos, Yiota Festa, Rafika Chawishe, Maria Kallimani

 

PELÍCULA COMPLETA

NAUFRAGO EN LA LUNA - KIMSSI PYORYUGI

PROGRAMA 311 (18-12-2020)

 

SINOPSIS

 

La historia comienza cuando un ejecutivo se lanza al río Han para suicidarse... e inesperadamente despierta en una isla desierta en medio del río, donde vive apartado de la civilización. Una joven, recluida en su habitación durante años, lo observa de lejos... (FILMAFFINITY)

 

EDITORIAL

 

Jugar a ser Dios con la fragilidad de tu mirada. Domesticar tus ambiciones para obtener de esa forma el aliento más salvaje de todos tus gritos. Encarcelar tu animal en oscuras celdas de palabras escritas por nadie. El texto es el tiempo que sucede, es la crueldad del emblema. Ya no veras más la luna arrojado sobre las hierbas ni sabrás los secretos que susurran las estrellas. El plan baila frenético sobre cada una de las fibras nerviosas de tu cuerpo. Se oculta expectante bajo la opiante sombra del azar y la suerte. Esta allí desnudando tus decisiones, hablándote, pensándote, tirando los dados sobre el paño verde de tus actos. El alma disciplina. El alma como herramienta política que modifica al cuerpo, lo moraliza. El alma, perverso calabozo del cuerpo. La noche inminente cae soberbia y pesada sobre la soledad de tu mundo. ¿Dónde están las puertas en este laberinto? ¿Sobre que almohada descansa el sueño prometido? 


Yo solo buscaba un jardín, no fue otra la razón por la que salte dentro de aquella madriguera repleta de ecos extraños, distantes y deformes. Yo solo buscaba un jardín. Y hoy son cada vez menos los puños en alto que como antorchas iluminan nuestro camino. Dios es cómplice y el traidor debe morir. Pero cuidado, aquella muerte es también la muerte del hombre, del hombre tal como lo conocemos. De ese animal enajenado, de esa bestia encadenada apartada para siempre de su jauría. Ya tus manos no son tus manos, ya tus manos son de otro porque el deseo tampoco es tuyo. El deseo. La astucia del plan no lo dejará morir nunca, le dará un lugar allí a lo lejos. Cerca como para verlo y sentirlo, pero lejos como para alcanzarlo jamás. Abonará aquel jardín con esperanza, esa memoria del futuro, aquel truco siniestro que garabatea la mano gélida de la frustración. La esperanza, que nos hará seguir intentándolo aun sabiendo que aquello que buscamos está construido del mismo material del que están hechos los sueños. La esperanza, aquella  feroz condena a ser otro naufrago en la luna.              

 

Lucas Itze.-

 

Canción elegida para la editorial

 


IMPRESIONES SOBRE NÁUFRAGO EN LA LUNA


 

Agarrá el celular. Empezá a bucear entre los contactos y fijate cuantos grupos de WhatsApp tenes... Tomá un papel, armate una lista de todas las personas con la cual chateas a menudo en esos grupos. Ahora de ese número, pensá a cuantas personas viste cara a cara en estos últimos años, incluso antes de la pandemia... Quizás la respuesta te sorprenda... Estamos en la era de un mundo virtual pero en el que estamos más solos que nunca. Somos náufragos en medio de una ciudad alienada pero a la vez desierta, donde todos nos sentimos vacíos y frágiles. Somos nuestra propia isla intentando escapar de la locura. Las metrópolis tienen esa doble vida. Y las personas pasan a ser descartables, casi un número, como los que te tatuaban en ciertos campos de concentración. Y las deudas se multiplican hasta que solo la muerte sea la única capaz de pagar esos montos. Y la muerte, justamente, era lo único que lo aliviaba (o así intuía) a Kim Seung-geun, el protagonista de Náufrago en la luna, film del surcoreano Lee Hae-jun. Este comienza con una conversación telefónica para luego conocer al protagonista quien en un primerísimo primer plano contesta: “ahora ya no me quedan deudas”. Cuando el plano se abra, veremos a un hombre en un puente, preparado para saltar al río Han, que yace abajo pero con todo el temor a cuestas. El plano cambiará y lo veremos de espaldas del otro lado de la autopista. Un micro pasará y cuando la imagen quede limpia, el hombre ya no estará, mientras un estruendo de agua se escucha de fondo. 

Sabremos luego que estamos en la Isla de Kim, casualmente, y que el hombre no cumplió su cometido. Ahora está en una isla desierta en el medio de la gran ciudad de Seúl. Y tendrá que sobrevivir. El director nos llevará por un guión lineal. Pasará del drama a la comedia y viceversa con una facilidad envidiable. Se apoyará en la construcción de los personajes y la calidad interpretativa de los protagonistas, que serán el puntal de la película. Utilizará la música de Kim Hong-jip de un modo que por momentos nos adentraremos en esa historia sin querer salir de ese pedazo de tierra... o de una minúscula habitación. Ni hablar de esa banda sonora que, sin ser estridente, nos lleva hacia allá gracias a la música más perfecta que se pueda oír: el ruido de los árboles, las olas y el sonido de los pájaros sintiendo esa libertad. La fotografía será otro eje fundamental. Se conjugará entre la luz natural con esas mezclas de colores fríos de la vestimenta del personaje con otros cálidos de la naturaleza misma pero a su vez nos inundará de luces tenues y oscuridad en la habitación de la otra protagonista, de quien ya hablaremos más adelante. No habrá tampoco economía de planos. Se servirá de planos generales para mostrar la inmensidad de la isla frente a la soledad del personaje. Utilizará también primeros planos o planos detalles para enfocarse en eso que el director quiere mostrar. La cámara será un testigo de ese cambio, por momentos lo seguirá y dará giros de 180 grados alrededor de Kim, como en los primeros minutos donde se encuentra solo en la isla. Una vez allí Kim se desesperará. Al fin de cuentas, ese intento de suicidio no pareció ser tan determinante. 


Al comienzo intentará por todos los medios tratar de escapar y pedir ayuda pero con el paso del tiempo abrazará la magia de la naturaleza y entenderá que tiene una libertad que nunca había tenido. No habrá deudas, las tarjetas de crédito serán solo un mero plástico inservible y empezará a vivir gracias a la pesca y a la agricultura. No tendrá a la pelota llamada Wilson, pero en una referencia al Náufrago de la dupla Tom Hanks/Robert Zemeckis, tendrá a su propio compañero, un espantapájaros con una lata como cabeza, con quien dialogará en inglés, en otra clara muestra del capitalismo reinante. Latas, papeles y basura por doquier veremos en esa pequeña costa pero son también los que adornan la habitación de una joven que como no podía ser de otra manera, también se llama Kim (Jung-yeon en este caso) quien hace de su dormitorio su propia isla. El guión entonces nos lleva a la historia de esta joven mujer que padece el hikikomori, situación en que una persona no sale de su habitación. Será ella, alguien que se hace pasar por otras personas en las redes y cuyo escape es mirar y fotografiar la luna el día que la ciudad descansa, la única persona que de cuenta de la existencia del extraterrestre de la isla, como ella lo llama. Será a partir de ahí que se unirán las historias de estos dos personajes tridimensionales y que de la mano llevarán la curva dramática del film, con pasos de comedia incluidos. 

Ella como un Dios omnipresente que sigue todos sus movimientos. Un Dios errante y pecador como decía Galeano de nuestro Dios en la tierra. Mediante algo un poco inverosímil pero también aplicado a la fábula con la que está hecho el relato, los protagonistas se comunicarán mediante mensajes en una botella o escritos en la arena, según el caso. Serán cada uno en su mundo, seres alienados y solitarios, cansados de la explotación y el mundo capitalista donde los perdedores son tratados como basura lo que los una. Quizás la evolución consista en volvernos cada vez más sabrosos dice él mientras está comiendo algo que cazó, quizás sabiéndose la próxima víctima. El aburrimiento perfecto también es algo que hace referencia y se nos viene a la cabeza las horas eternas, encerrados durante este año que parece no tener fin. La muerte es la ausencia de la esperanza, por eso aparece como uno de los últimos bastiones. Cuando nos las quiten, ya no habrá pelea por la que luchar. Por eso el rechazo de él al plato de fideos de enviados por ella. No por que no quiera, sino porque quiere el suyo por lo que tanto luchó. Y ahí es ella la que decide salir al sol y ver nuevamente ese mundo podrido pero con un poco más de esperanza. Alejándose de una vez por todas de la virtualidad, como debiéramos hacer nosotros, para salir a encontrarnos y no esperar que llegue otro mensaje en una botella.

               

Marcelo De Nicola.-

 

Canción post impresiones

 


UNIVERSO LEE HAE-JUN


 

Lee Hae-jun nació en Seúl el 18 de agosto de 1973. Estudió publicidad en la Universidad de las Artes de Seúl y pronto empezó a hacerse conocido por escribir guiones para la industria cinematográfica coreana. Entre ellos se encontraban el mediometraje sobre vampiros titulado Coming Out y luego le siguieron algunas como Conduct Zero, Au Revoir UFO o Antartic Journal (co-escrita con Bong Joon-ho). Su debut detrás de las cámaras se dio con la interesante Cheonhajangsa Madonna, o más conocida como Like a Virgin, la historia de un hombre con sobrepeso que sueña con ser como Madonna. Para ello, se inscribe en un torneo de lucha libre que ofrece una buena recompensa y con eso, hacerse el cambio de sexo. 

Luego en 2009 llegó Náufrago en la Luna, donde ganó reconocimiento en varias partes del mundo. A pesar de eso, sus films no tenían mucha recaudación en taquilla, en ese entonces el director comentó: “Me di cuenta de que, como director de cine comercial, no puedo simplemente hacer la película que quiero hacer... en cambio, tengo que considerar a la audiencia. Tenía que entender el hecho de que mis intereses no siempre coincide con el de la audiencia, y también existía la presión de obtener un retorno de la inversión en mi película”. La tercera película que estrena es Mi dictador, ambientada en los ´70 donde se hace la primera cumbre entre las dos Coreas en Corea del Sur y cuenta la historia de un actor que realiza papeles menores y que es contratado para interpretar al doble del dictador norcoreano. Su último film salió en 2019 bajo el nombre de Ashfalla y co-dirigido con Kim Byung-seo que narra la historia de un capitán de equipo de fuerzas especiales durante un terremoto en las dos Coreas mientras su mujer embarazada queda sola en Seúl intentando sobrevivir al desastre.

 

FICHA TÉCNICA

 

Título original: Kimssi pyoryugi (Kim's Island)

Año: 2009

Duración: 116 min.

País: Corea del Sur

Dirección: Lee Hey-jun

Guion: Lee Hey-jun

Música: Kim Hong-jip

Fotografía: Kim Byung-seo

Reparto: Jung Jae-young, Jeong Ryeo-won, Yang Mi-kyeong, Park Yeong-seo, Min-Heui Hong, Jang So-yeon, Gyo-Hwan Koo, Jeong-Won Lee

 

PELÍCULA COMPLETA

jueves, 14 de enero de 2021

EL ABRAZO DE LA SERPIENTE

 PROGRAMA 310 (11-12-2020)

 

SINOPSIS

 

Karamakate fue en su día un poderoso chamán del Amazonas; es el último superviviente de su pueblo y vive en lo más profundo de la selva. Lleva años en total soledad, que lo han convertido en "chullachaqui", una cáscara vacía de hombre, privado de emociones y recuerdos. Pero su solitaria vida da un vuelco el día en que a su remota guarida llega Evan, un etnobotánico norteamericano en busca de la yakruna, una poderosa planta oculta, capaz de enseñar a soñar. Karamakate accede a acompañar a Evan en su búsqueda y juntos emprenden un viaje al corazón de la selva en el que el pasado, presente y futuro se confunden, y en el que el chamán irá recuperando sus recuerdos perdidos. (FILMAFFINITY)

 

EDITORIAL

 

El calor de aquella fogata crecía mientras yo, apoyando mi culo de oficinista sobre ese tronco que junto a otros, rodeaban circularmente aquel fuego me iba inclinando hacia adelante hasta quedar completamente inmóvil. No solo mi cuerpo, sino también mis sentidos. Entonces, fue cuando se abrió aquel portal por primera vez. Habíamos encontrado con mi amigo, un hermano de aquellos que se presentan sin mostrar documentos ni análisis de sangre, una especie de publicidad que invitaba a realizar un viaje chamánico. Era un taita colombiano que cada tanto se venía al país a divulgar su cultura a través del maestro Yagé. En su momento supe que taita significa padre en lengua quechua y es una palabra utilizada tradicionalmente en varias comunidades indígenas para llamar a quien se debe respeto: padres, abuelos, mayores, autoridades. Por eso también se llama taita el especialista en el manejo del yagé. Un intermediario que vivía por Lugano y que era como el discípulo y amigo del maestro se llamaba Pablo, aunque nos pidió al momento de presentarse que lo llamáramos Pablito. Tenía la manía de referirse a todas las cosas o personas en diminutivo, característica que de entrada nos causó mucha gracia pero que quizás hoy, reviviendo aquella experiencia puede llegar a pensarse que aquella manera de comunicarse que lo dejaba como un tarado era una expresión quizás, algo rudimentaria para hacer entender que hacía mucho tiempo que él había comprendido lo pequeño, lo insignificante que somos nosotros, la humanidad, y todo lo que creamos y nombramos. Pablito nos comunicó por teléfono y por mail las condiciones previas para poder concurrir al ritual que se realizaría en un destino aún incierto, lo único que deslizó casi a modo de secreto revelado fue que sería en una casa quinta en la zona de Escobar. Ese dato nos lo darían una vez pasado el filtro que constaba con una especie de entrevista con el taita y la aprobación que él nos daría si sintiera que estábamos preparados para tal aventura. La cosa que nunca llegamos a concretar dicho encuentro pero como teníamos el efectivo y la voluntad de aceptar la otra condición y el consejo para no tener un mal “viajecito”, llegamos rápidamente a un acuerdo. El consejo y condición constaba con un ayuno de dos semanas sin carnes, bebidas alcohólicas, drogas ni sexo, digamos que a los 20 años cumplir con todos esos requisitos es un tanto difícil aunque completamente sanador si lo realizas a rajatabla. Tal como hicimos, y se lo dedicamos a todos aquellos que desconfiaron de nuestra fuerza de voluntad no sin razón, al cabo de un mes, un sábado por la mañana muy temprano, estábamos en aquel flamante Ford Taunus color rojo persa, viajando por la Panamericana a lo que sería una de las mejores experiencias que hayamos vivido. 



Luego de un silencioso recorrido, por fin estábamos allí. No conocíamos nada sobre aquellos rituales. Tampoco conocíamos personalmente ni al taita ni a Pablito ni al resto de los concurrentes, de los que no voy a hacer descripción alguna porque no alcanzaría el tiempo. Sin embargo no fue nada difícil reconocer a Pablito cuando ingresamos a una quinta con mucho espacio arbolado y una casa algo precaria que solo usamos para ingerir aquella sustancia de consistencia barrosa y de sabor indescriptible pero fuerte como mezcla de vodka con chimichurri. Ah... y el baño también demasiado pequeño para el maltrato que recibió de parte de todos los que lo habitamos, lo que se notó que no todos habían cumplido su palabra con respecto al ayuno. Era un living amplio donde acomodamos todas nuestras bolsas de dormir, todo lo que habíamos llevado. Mujeres de un lado, hombre enfrente y al costado, en lo que parecía un escenario, porque en ese sector estaba elevado como diez centímetros del resto de la habitación un sillón que parecía muy cómodo y en el que reposaba con un aura muy particular el personaje más imaginado por todos nosotros durante casi un mes. Lo único que generaba confianza eran sus pelos largos y abundantes canas, una camisa tipo árabe blanca y un despliegue de bijoutería artesanal en cuello, muñecas y orejas. La charla introductoria la dio Pablito: corta, precisa y cargada de diminutivos, dijo que disfrutáramos de aquel momento, del regalo que traía el taita de sus tierras y que en caso de que nos sintiéramos “maluquitos” acudiéramos en seguida al maestro que nos atendería rápidamente. Tampoco voy a hacer mención detallada de que el querido Pablito, fue quien más precisó de la sanación del taitita luego de intentar arrojarse de cabeza a aquella fogata que ardió hasta altas horas de la madrugada. Una vez acomodados y presentados, formados en una hilera, fuimos acercándonos al rincón donde se encontraba el taita y era él quien servía el “yagecito” en un vaso de esos que se usan de medidor o para tomar bebidas blancas. Si bien lo esperado es siempre encontrarse en una tribu, lejos de la civilización, hacerse de algunas costumbres autóctonas, deshacerse de algunas propias, realizar un proceso previo, más acorde para tal fin, cuando me encontré enfrentado a aquel señor, dejando caer esa preparación que se deslizaba como un dulce de leche caliente adentro del medidor, tuve la sensación de haber estado en aquel lugar, de haber realizado todo lo necesario y su mirada me dio la tranquilidad de estar preparado para tomarlo. 



Una vez ingerido podíamos acostarnos en nuestras bolsas de dormir o salir a recorrer el parque o sentarse al costado del fuego en busca de relajación. El yagé haría lo que venía a hacer en su debido momento nos dijeron, y debíamos ayudarlo intentando relajarnos. Algunos optamos por salir de esa casa que se achicó rápidamente luego del estado de ebriedad instantáneo que generaba ese preparado. Estuve caminando casi media hora por los alrededores hasta que nos mancomunamos un par alrededor del fuego. No recuerdo muy bien la conversación, era de esas casuales, de aquella que uno puede tener al lado de una parrilla mientras espera que el asado se cocine. Hasta que de repente tuve mi vista fijada en el centro de la combustión, en el calor que se desprendía de los troncos como chispas. El calor de aquella fogata crecía mientras yo apoyando mi culo de oficinista sobre el tronco que junto a otros, rodeaban circularmente aquel fuego, me iba inclinando hacia adelante hasta quedar completamente inmóvil. No solo mi cuerpo sino también mis sentidos, entonces fue cuando se abrió aquel portal por primera vez. La sensación de un sueño tan real y tan descabellado como la de sentir estar presenciando desde las alturas el movimiento de la tierra sobre su eje, poder tocar las moléculas que conforman la atmósfera y sentarme sobre ella pudiendo divisar la tierra por debajo y el universo por encima. Volverme tan pequeño como una de aquellas moléculas para luego meterme dentro de mi torrente sanguíneo y arrancar los males como si fuesen cáscaras adheridas a mis paredes venosas. Escuchar las canciones que hoy siento que se encuentran perdidas o que nunca tuvieron la posibilidad de ser escuchadas. Todo aquello en un segundo que parecieron años. Años acumulados de enseñanza, de rituales que atravesaron el tiempo, la distancia, que pasaron de boca en boca. Hubo una conexión ancestral mágica que me unió aquella noche, con todo aquello. Se que volveré algún día. Volveremos algún día porque al regresar, nos juramos sin hablar que aun quedan melodías perdidas, que no pronunciarán sus gritos, sino a través de nosotros.

 

Alan Beneitez.-

 

Canción elegida para la editorial

 


IMPRESIONES SOBRE EL ABRAZO DE LA SERPIENTE

 


Creer que el mundo es como tú piensas es una estupidez, dijo. El mundo es un sitio misterioso. Sobre todo en el crepúsculo. Así lo escuché hablar a Don Juan alguna vez. Con aquella voz que era parte del universo sonoro que lo rodeaba, esa voz que no buscaba ser más que el canto del bosque, porque ella también era el bosque. Esa voz que claro, no escuché jamás pero que vive en mi interior con la claridad y frescura propia de aquello que huye del tiempo. La selva ya no habla, le hemos cortado su lengua y nuestros sentidos se han abrumado con aquel virus que es el lenguaje. Ya no sabemos que dicen las piedras. Ya no aprendemos nada del viento y al sol lo levanta la sirena de una fábrica, todos los malditos días. El saber mágico fue condenado y ridiculizado, fue ocultado y olvidado y entonces a falta de esos saberes, nos volvimos serios y sabios a través de la creación del alma, el dinero y la acumulación material. Allí el hombre obtuvo su correa y la mano que puso el collar no fue otra que la de la iglesia. Un día, desafiamos los límites y olvidamos para siempre que el hombre es un puente y no una meta. Nietzsche nos decía que el hombre es una cuerda tendida entre el animal y el súper hombre o como nos gusta entenderlo a nosotros, lo post humano. Allí entonces surge su peor temor, su más terrible fantasma: el devenir. Nuestra única certeza es sabernos finitos, lo único concreto en nuestra existencia es que nacemos con un destino inevitable: morir. Morimos entre dos incógnitas. Comprender que no somos ni origen ni final, sino tránsito, simplemente tránsito, un paso en la eternidad, es la gran aventura, es el gran desafío final. ¿Que hemos hecho con ese animal que habla que es el hombre? Como no desear al ver a nuestro alrededor la disolución de esto que somos y con eso entonces un inminente retorno a nuestra animalidad, a nuestra conexión con la tierra y todo lo que la habita. A nuestra conexión con el universo. 


Y no digo esto desde una nostálgica adulación del pasado, desde la obsoleta idea de la superación expansiva del hombre actual, o sea desde la idea de un hombre más reflexivo, más inteligente o tal vez más fuerte. No hablo de evolución, sino que lo pienso desde esta idea, utópica quizás, de lo post humano que nos invita a reformular nuestro contacto con aquella animalidad domesticada y perdida. Que nos plantea recuperar nuestra relación con la contingencia. Volver, sin mirar a los costados, a esa fabulosa y aun revolucionaria convicción de que todo puede ser de otra manera, a ese crepúsculo del que nos hablaba Don Juan al comienzo. Si las cosas se plasman de algún modo y se nos presentan como obvias, o sea como un único camino evidente, es porque hay detrás una voluntad de poder que necesita imponer su propia lógica. Desarmar aquella red de poder es reconciliarnos con la animalidad olvidada, es quebrar para siempre la concepción binaria del mundo para así volver a su inconmensurable riqueza. A su misterio profundo. El abrazo de la serpiente, de Ciro Guerra dialoga perfectamente con esta idea. El film se desarrolla en el Amazonas y narra dos historias que involucran a un mismo personaje en distintos momentos de su existencia, el chamán Karamakate. Desde el montaje se trabajará la idea de la deconstrucción de la ilusión del tiempo por lo que las historias estarán entre mezcladas intentando recrear el juego engañoso de la memoria. Karamakate no puede recordar sus saberes ancestrales he iniciara un viaje para buscar aquella conexión con la tierra, con su objetivo, con su destino único. El relato contará con una fotografía poética, profunda, que acompañará la narración sin lidiar con ella. Se trabajara en monocromo buscando comunicar desde el uso de la escala de grises y esto nos recordara quizás a aquel otro film de Jim Jarmusch llamado Dead Man cuya temática es similar a la manejada en el relato de Guerra. El montaje buscará la fluidez y la sutileza del raccord inspirándose quizás en aquel devenir constante y armonioso del río Amazonas, que es también aquel devenir alterado de las imágenes jugando el juego embustero de la memoria. 


La cámara acompañará este desarrollo mostrando con belleza pero jamás compitiendo con el relato. Será un punto de vista propio de la selva, una pantera mimetizada que observa y espera. Las actuaciones manejaran un sentido de verdad que nos harán olvidar de la ficción para invitarnos a entrar en las convenciones propias del cine documental. El trabajo realizado sobre la banda sonora del film servirá para apoyar con ímpetu esta sensación. El universo sonoro recreado será tan elaborado que hará de la selva un personaje más con voz propia. El espectador podrá sentir el peso de la selva, la densidad de su atmósfera, el abrigo de su noche profunda. El lenguaje será otro de los grandes protagonistas del film de Ciro Guerra. Escucharemos hablar en lenguas aborígenes que se mezclaran por momentos con el español. Habrá diálogos en alemán, en inglés y portugués y nos gustará leer allí quizás al lenguaje como frontera entre los hombres pero también al hombre como unidad frente al dialogo común con la tierra. Será evidente entonces que el olvido de Karamakate es también nuestro olvido. Que su desconexión con la tierra es también la nuestra hablemos el idioma que hablemos. Veremos imágenes que no podremos poner en palabras y estará muy bien no hacerlo. Olvidar la soberbia del lenguaje quizás sea una de las claves para nuestra reconexión con lo salvaje. No todo se dice. No todo se nombra. No todo se define dentro de aquella cárcel arbitraria de la significación. La pregunta sobre el más allá, sobre lo inexplorado, lo desconocido siempre es correcta. Después de todo lo inteligente es encontrar la pregunta acertada que desarme la verdad instalada. El error, entonces es dar una respuesta. Lo intempestivo queridos oyentes, siempre es preguntar.                

 

Lucas Itze.-

 

Canción post impresiones


 

UNIVERSO GUERRA


 

Ciro Alfonso Guerra nació el 6 de febrero de 1981 en César, uno de los 32 departamentos que forman la República de Colombia. En la Universidad Nacional de ese país cursó sus estudios de cine y televisión. Su primer se llamó Silencio y lo filmó en el año 1998. Luego llegaron Alma e Intento. Ya en el 2004 llega su primer largometraje: La sombra del caminante, la historia de un hombre que perdió una pierna y no puede encontrar trabajo y se hace amigo de un “silletero”, alguien que carga gente a sus espaldas. También los une el pasado violento del país, lo que hará redescubrir su propio pasado. En 2009 llega Los viajes del viento, ambientada en 1968, cuenta la historia de un juglar que lleva cantos con su acordeón y decide hacer su último viaje, yendo a devolverle el instrumento a su anciano dueño. 


En 2015 llegó El abrazo de la serpiente, que logró la nominación al Oscar como mejor película extranjera, además de lograr premios o menciones en grandes festivales como Cannes, San Sebastián o La Habana. En 2018 llegó su última película filmada en su país: Pájaros de verano, que narra la historia real del origen del narcotráfico en Colombia, entre fines de los ´60 y principios de los ´70. Donde tienen que aparecer los nuevos “empresarios”, entre ellos una familia indígena que tiene que aprender a llevar los nuevos negocios. Otra vez nominaciones y premios en distintos festivales. En 2019 Netflix estrena la producción colombiana Frontera Verde, donde Guerra es uno de los productores y dirige algunos capítulos. Son 8 capítulos de una serie sobrenatural sobre unas muertes que aparecen en los profundo del Amazonas. Su último film fue el primero hecho en Estados Unidos, basado en la novela de John Maxwell Coetzee dirige Waiting for the Barbarians, con Johnny Depp, Mark Rylance y Robert Pattinson. Narra la historia de un magistrado británico que comienza a cuestionar su lealtad al Imperio durante la colonización mientras se viene una inevitable guerra contra los Bárbaros. El 24 de junio de 2020, un reportaje publicado en la revista Volcánicas11 reseña los testimonios de siete mujeres que narran situaciones en las cuales Guerra las habría acosado sexualmente, en algunos casos de manera violenta. Un testimonio adicional narra como el director habría abusado sexualmente de una mujer que se encontraba en su casa, ubicada en la ciudad de Bogotá. Las agresiones habrían ocurrido entre los años 2013. Frente a las acusaciones el cineasta publicó un video rechazándolas y haciendo un llamado a que la justicia revele la verdad de los casos. No obstante las autoras del reportaje han mencionado en reportajes posteriores que el objetivo de la denuncia fue hacer un llamado de atención sobre la normalización de la violencia sexual en la industria audiovisual colombiana que obstaculiza el crecimiento profesional de las mujeres y las afecta física y emocionalmente. Veremos como sigue esta historia, mientras, esperemos si seguirá trabajando en América o volverá a Colombia...

 

FICHA TÉCNICA

 

Título original: El abrazo de la serpiente

Año: 2015

Duración: 125 min.

País: Colombia

Dirección: Ciro Guerra

Guión: Jacques Toulemonde, Ciro Guerra

Música: Nascuy Linares

Fotografía: David Gallego (B&W)

Reparto: Nilbio Torres, Antonio Bolívar, Jan Bijvoet, Brionne Davis, Yauenkü Migue, Luigi Sciamanna, Nicolás Cancino

 

PELÍCULA COMPLETA

miércoles, 13 de enero de 2021

NOSFERATU

PROGRAMA 309 (04-12-2020)

 

SINOPSIS

 

Año 1838. En la ciudad de Wisborg viven felices el joven Hutter y su mujer Ellen, hasta que el oscuro agente inmobiliario Knock decide enviar a Hutter a Transilvania para cerrar un negocio con el conde Orlok. Se trata de la venta de una finca de Wisborg, que linda con la casa de Hutter. Durante el largo viaje, Hutter pernocta en una posada, donde ojea un viejo tratado sobre vampiros que encuentra en su habitación. Una vez en el castillo, es recibido por el siniestro conde. Al día siguiente, Hutter amanece con dos pequeñas marcas en el cuello, que interpreta como picaduras de mosquito. Una vez firmado el contrato, descubre que el conde es, en realidad, un vampiro. Al verle partir hacia su nuevo hogar, Hutter teme por Ellen. (FILMAFFINITY)

 

EDITORIAL

 

Lloran ríos de sangre por la ciudad. En ese micro mundo porteño donde seres oscuros juegan sus cartas sabiendo que siempre tendrán el ancho de espadas para clavarnos el puñal. Seremos sombras escondidas detrás de los arbustos menos florecidos. Transitando esos caminos en medio de aulas descascaradas y hospitales desvencijados. Mientras los chupasangres nos muestran su propia realidad desde las redes sociales. Regalando sonrisas en público pero destrozando los sueños de los nadies desde la comodidad de sus reposeras. Seres agazapados atentos a sacar provecho ante cualquier tragedia. Esperando el momento para salir con los bastones de punta. Para dejarnos las marcas en el cuello y reírse descaradamente. Vampirizando cualquier intento de levantarnos. Desde un Sur olvidado habitado por marionetas fantasmas. Con un nuevo Señor Cobranza engordando su billetera mientras la nuestra desaparece y quejándose con sus amigos de turno. Con los medios satanizando a quienes les dan de comer. Con una multitud de gente que solo mira su propio ombligo mientras sigue alimentando sus vicios. Encerrados sin poder salir de nuestro laberinto. Voraces profetas del odio con las máscaras atornilladas. Para llenarnos de temor y obligarnos a permanecer presos en nuestra ciudad.

                           

Marcelo De Nicola.-

 

Canción elegida para la editorial

 


IMPRESIONES PARA NOSFERATU


¿A dónde vas con tanto apuro joven, no te das cuenta de que nadie se escapa de su destino? En el año donde la tierra giró menos veloz dejaste escapar tus pensamientos. Te contagio la inmovilidad y abrazado a tu almohada te despediste de aquel tren que se detuvo y te espero más que nunca. No llores cuando veas tu ticket sin perforar. ¿A dónde vas con tanto apuro joven ahora que ya no hay destino?…

Como reacción al impresionismo, se considera que el expresionismo surgió entre 1905 y 1910 en Munich con el propósito de oponer a las impresiones objetivas de la realidad, la expresión del artista vista como una interpretación más subjetiva que deforma la realidad. Esta vanguardia artística respondía a la amargura del ambiente artístico e intelectual de Alemania en la última parte del periodo de la Paz Armada (1870-1914) y se extendió hasta después de concluida la Primera Guerra Mundial. Los expresionistas defendían lo subjetivo, lo irracional y entre sus manifestaciones se hacía alusión a lo sexual, lo sobrenatural, lo demoníaco, lo fantástico y lo terrorífico. 

Partiendo desde este encuadre y dentro del auge de ese periodo traemos hoy la obra Nosferatu del alemán Murnau estrenada en marzo de 1922. La película es una adaptación no autorizada y no oficial de  la novela Drácula de Bram Stoker publicada en 1897. El estudio detrás de esta obra, Prana Film, fue un estudio de cine alemán mudo de corta duración fundado en 1921 por Enrico Dieckmann y el artista ocultista Albin Grau. Diekmann y Grau le dieron a Henrik Galeen , la tarea de escribir un guión inspirado en la novela de Drácula. Galeen era un especialista experimentado en romanticismo oscuro; ya había trabajado en El estudiante de Praga de 1913, una historia corta de Edgar Allan Poe y en el guión de El Golem: cómo él llegó al mundo de 1920 dirigida también por Paul Wegener. Veremos reflejado aquel movimiento artístico en las actuaciones que muestran expresiones emocionales exageradas y algún juego con las sombras cuando entra en escena el Conde Orlok (interpreatado por Max Schreck). Pero la astucia e ingenio del director se ve claramente en el manejo de algunos planos que para la época eran poco comunes y los efectos provocados en ciertos pasajes que son potenciados por secuencias con un timing muy preciso. Serán quizás el inicio de lo que luego veremos perfeccionados por el gran Eisenstein

Dividida en 5 actos, veremos y podremos ejemplificar el reflejo de la capacidad artística de predecir, representar y denunciar contextos sociales adversos en donde el conjunto de la obra narra a una Alemania movilizada por el nazismo. Podremos divisar el gusto del director por la pintura, quien en algún momento expresó su deseo trunco de ser pintor y por ese motivo no reparó en homenajear obras a lo largo de toda su carrera filmográfica. En Nosferatu estará representado el expresionismo, el romanticismo oscuro y su gusto por el teatro y la pintura. Allí estará la oscuridad a lo largo de todo el largometraje simbolizando la incertidumbre de la época. También será la vida de una inocente (Ellen) la que deberá apagarse para que finalice aquella pesadilla. Como vimos y al parecer seguiremos viendo, será la sangre derramada de los inocentes la que apure a la oscuridad y darle lugar a un nuevo día de sol que podrá no ser la promesa de ningún paraíso y aunque siga siendo infierno, podría ser encantador.

 

Alan Beneitez.-

 

Canción post impresiones

 


 

UNIVERSO MURNAU

 


Nacido en Westfalia el 28 de diciembre de 1888. Friedrich Wilhelm Murnau era hijo del dueño de una manufactura textil en Bielefeld. Estudió literatura, historia del arte, filosofía y música en la prestigiosa Universidad de Heidelberg, antes de instruirse en teatro y cinematografía junto a Max Reinhardt, con quien llegó a colaborar. Durante la Primera Guerra Mundial, Murnau realizó documentales propagandísticos. Su carrera arrancó en 1919 en Berlín filmando Der Knabe in Blau (El muchacho en azul), donde contaba la historia del último miembro de una familia aristocrática que vive en un castillo en ruinas. Los primeros trabajos se vieron influenciados por la pintura alemana del siglo XIX, cosa que trasladaba muy bien a la pantalla. Aunque muchos lo sitúen en la corriente expresionista, Murnau tuvo más que ver con la estética romántica, por su belleza en la puesta en escena, por la sensibilidad de sus personajes y por el sentimiento trágico de sus historias. En 1920 dirige cuatro films entre los que se destacan Satanas y The Janus Head con Bela Lugosi y Conrad Veidt (El gabinete del Dr. Caligari) como protagonistas. Luego vinieron films como El camino hacia la noche, Schloss Vogelöd o Phantom, con guión de Thea von Harbou, mujer de Fritz Lang y guionista de Metrópolis. Ese mismo año también filma Nosferatu, con el que se transforma en uno de los más importantes directores del mundo. Años más tarde llegaría La última carcajada, donde por primera vez se explota el movimiento de cámara, contando la historia de un anciano de un lujoso hotel es despedido y empieza a decaer su vida. Luego sigue con Tartuffe, basado en una comedia de Moliére y en 1926 llega Fausto, sobre el célebre pensador creado por Johan Wolfgang von Goethe. Con toda esa gran filmografía a cuestas, llega a Hollywood para trabajar en la Fox. Su primera película americana es Amanecer, considerada otra de sus obras maestras. 


La historia de un triangulo amoroso y logró el mejor premio en los recién nacidos Oscar, que en ese momento era al de Mejor calidad artística. Una obra cumbre del expresionismo. Luego siguieron Los cuatro diablos y en 1930 llega su primer film sonoro titulado City Girl. Un año después, evitando que William Fox le ponga condiciones, se va a rodar a Tahití y Bora Bora junto al famoso documentalista Robert J. Flaherty, el film Tabú, nuevamente cine mudo en este caso la historia de unos amantes enfrentados a los ritos y tabúes de las islas del Pacífico Sur. Lamentablemente no llegó a verlo estrenado, ya que el 10 de marzo de 1931 alquiló un Roll Royce y el joven sirviente filipino de 14 años que conducía lo estrelló contra un poste. Al otro día Murnau falleció, tenía solo 42 años y nos dejaba una filmografía increíble. Fue enterrado en Alemania, en el cementerio de Stahnsdorf, cerca de Berlín, en el mausoleo familiar con sus padres y hermanos. En los años 70 la cripta fue profanada y el ataúd abierto, pero décadas más tarde sucedió algo peor. El 15 de julio de 2015 se descubrió que la entrada al mausoleo había vuelto a ser forzada. Ahora, además de volver a abrir el ataúd con una palanca, se habían llevado el cráneo. Los restos recientes de cera derretida sobre el ataúd apuntan a un ritual satánico...

 

FICHA TÉCNICA

 

Título original: Nosferatu (Nosferatu, eine Symphonie des Grauens)

Año: 1922

Duración: 91 min.

País: Alemania

Dirección: F.W. Murnau

Guion: Henrik Galeen (Libro: Bram Stoker)

Música: James Bernard, Hans Erdmann, Carlos U. Garza, Timothy Howard, Richard Marriott, Richard O'Meara, Hans Posegga, Peter Schirmann, Bernardo Uzeda, Bernd Wilden (Película muda)

Fotografía: Fritz Arno Wagner (B&W)

Reparto: Max Schreck, Alexander Granach, Gustav von Wangenheim, Greta Schröeder, GH Schnell, Ruth Landshoff, John Gottowt, Gustav Botz

 

PELÍCULA COMPLETA