EL CURIOSO CASO DE BENJAMIN BUTTON - THE CURIOUS CASE OF BENJAMIN BUTTON

PROGRAMA 336 (16-07-2021)

 

SINOPSIS

 

Un hombre (Brad Pitt) nace con ochenta años y va rejuveneciendo a medida que pasa el tiempo; es decir, en lugar de cumplir años los descumple. Esta es la historia de un hombre extraordinario, de la gente que va conociendo, de sus amores y amistades, pero sobre todo de su relación con Daisy (Cate Blanchett), la mujer de su vida. (FILMAFFINITY)

 

EDITORIAL

 

Vivimos de fábulas que nos han sido contadas para engañar a la muerte. Crecimos escuchando historias cercanas y no tanto, y cuando nos quisimos acordar, ya habíamos dejado de ser niños. Allí se habían anidado los sueños y la vida empezaba a transformarse. Los viejos se iban yendo y las nuevas generaciones iban transmitiendo otras historias. El mundo seguía su curso y el reloj de arena seguía sin detenerse. Nunca entendimos a que veníamos a este mundo: a crear vida dicen algunos, a traer muerte aseguran otros. La llama de la eternidad está muy lejos de iluminarnos. Seguimos siendo seres moldeados por la finitud. Y cuando nos damos cuenta de eso, el corazón se contrae. La ilusión muere y queda pensar cuando y en qué momento llegará nuestra hora. 

¿Cómo viviríamos la vida si fuera exactamente al revés? ¿Si tendríamos tatuada nuestra fecha de vencimiento? Quizás viviríamos tratando de realizar esos sueños imposibles. O quizás nos transformaríamos en autómatas olvidados solo esperando nuestro indigno final. La única certeza que tenemos es que cada vida es nuestra y es, justamente, única. Que serán nuestras risas las que se impondrán ante tanto caos y nuestras lágrimas las que enfrentarán a la muerte. Allí, en el oscuro pasillo de la soledad, batallaremos frente a todos nuestros miedos y contestaremos todas sus preguntas. Y siempre esperando despertar con una sonrisa, porque como dice la canción “todo vale la pena si te hace reír”.

                                                                           

Marcelo De Nicola.-

 

Canción elegida para la editorial

 

IMPRESIONES SOBRE EL CURIOSO CASO DE BENJAMIN BUTTON

 

Traigamos a cuenta para empezar aquella anécdota brillante de nuestro amigo Matsuo Basho con su discípulo Kikaku respecto del poema del pimiento. El alumno escribe el siguiente haiku: Libélulas rojas, Quitadle las alas: ¡Son Pimientos! A lo que Basho responde con la velocidad de aquel que no tiene apuro, con la certeza propia del que nada espera: Estos pimientos agregadle alas ¡Son libélulas! Citemos un ejemplo más, ahora del poeta Arakida Moritake. El libro del Zenrin dice: Este espejo roto no reflejara más; la flor caída no volverá a la rama. Sobre lo que Moritake señala: ¿Una flor caída volviendo a la rama? Era una mariposa. Tenemos aquí entonces dos visiones bien distintas del universo. Dos puntos claramente lejanos desde donde mirar al mundo, la realidad, o lo que sea que sea el ser. En una de ellas distinguimos el horror de la destrucción de quien impone y avasalla. Descubrimos una visión que lejos de incluir, de apostar a la diversidad, opta por la represión y el castigo. Por otro lado, claro, estará aquel otro punto de vista sobre el mismo objeto, sobre la misma realidad, que elegirá ver la posibilidad maravillosa de la comunión con aquel otro hostil. Elegirá dar un lugar y generará sobre cualquier sentencia algo hermoso. Apostará a lo diverso y creará con todo aquello vida. 

Borges dijo alguna vez que la muerte es una vida vivida y la vida es una muerte que viene. En aquella sentencia Jorge Luis no hizo otra cosa más que recordarnos nuestro carácter finito, aquella urgencia dramática domingo de cada sonrisa, origen del sentido trágico de la vida. La muerte está allí, queridos amigos, agazapada como una pantera negra. Esta allí en silencio desdibujando recuerdos, caras y gestos tal como si todo no fuera más que un sueño. Esta allí la muerte haciendo de cada segundo un espectáculo único e irrepetible, irrecuperable y fugaz. Si la vida está repleta de ausencias y tedio, bien estará entonces que veamos libélulas y no pimientos. Esa será la idea desarrollada por Eric Roth guionista del relato fílmico dirigido por David Fincher bajo el nombre El curioso caso de Benjamín Button. El film planteará una vida al revés de lo dispuesto por el imaginario colectivo, nuestro protagonista nacerá viejo y con el transcurrir de los años su cuerpo irá rejuveneciendo. Allí una buena metáfora de lo diferente, de lo distinto, del camino poco transitado. Roth agregará como urgencia dramática la sentencia médica de la ínfima expectativa de vida de Benjamín al nacer. Nuestro protagonista, claro, seguirá en su postura contradictoria y por supuesto vivirá. La estructura del relato será no lineal y se servirá del recurso del racconto para narrar. 

La situación marco desde donde se desarrolle el drama será la inminente llegada de un huracán cuya ferocidad promete derrumbarlo todo. Este hecho instalará a la muerte en todo momento y recordará a cada instante que será su gélida mano la que pase cada una de las hojas de la historia. Descubriremos con el correr de la cinta aquella otra alegoría del tiempo, de los cambios, del devenir explicada con tanta belleza por Heráclito cuando afirmaba aquello de que todo cambia y nada permanece y por lo tanto nadie es capaz de bañarse dos veces en el mismo río. Abundarán las imágenes en el film del agua arrasándolo todo, las fuertes lluvias, los ríos desbordantes chocando contra los recuerdos más atesorados, demostrándonos con sutileza que lo que habíamos visto en un comienzo, afectado ahora por el tiempo, es resignificado tomando de esta manera matices diferentes, valores distintos. Brad Pitt desplegará un abanico inmenso de cualidades actorales en el armado de su personaje protagónico. Lo trabajará con precisión, delicadamente. Irá creciendo de manera dosificada, desplegando su tridimensionalidad de forma inteligente. Habrá en Benjamín Button, en su dinámica de desarrollo, algo relacionado al arte Zen. Este arte entiende que toda actividad puede y debe convertirse en un medio valioso de conocimiento interior. Para que esto suceda se deberá lograr una profunda identificación con el objeto o el tema. 

De allí aquel axioma que reza que para pintar una caña de bambú, el artista debe ser en cierto modo él también una caña de bambú. En este tipo de arte la realidad apenas aparece insinuada, es recreada con unos pocos trazos esenciales capaces de reflejar en el espacio la plenitud del objeto observado. Será el resultado de aquella contemplación una resignificación capaz de romper con el tiempo y el lenguaje, será un eco particular de cada momento. Cada uno de esos instantes según lo expresado y su resonancia, y allí lo particular del arte Zen, hablo de su capacidad de resonar ante un estímulo y de esa manera poder contarlo de otro modo, lleva un nombre diferente. Así entonces AWARE será el momento crítico que ocurre entre el acto de percibir la fugacidad del mundo con pena y dolor, y el acto de verlo como la misma forma del Gran Vacío. Ese será el eje resonador de la mirada de Button. Aquel espacio fugaz y silencioso desde donde descubrir que a cada instante el universo se destruye y se vuelve a crea de una manera maravillosa y hermosa. Basho decía que el silencio acentuado de antes y después del haiku es su valor esencial, es el haiku mismo. Será entonces el momento de silenciar en un hecho artístico aquel barullo del futuro que enloquece nuestros oídos, que acelera nuestras vidas hacia el vacío absoluto que es el único destino posible. Habrá llegado quizás el momento entonces de contemplar y sentirnos parte de esa suerte irrepetible y única que acaba de suceder y de esa forma, en ese estado, no exigirle más  nada a nadie. Resonar en donde estemos, en la circunstancia que nos toque, ese es el único premio.

 

Lucas Itze.-

 

Canción post impresiones

 

UNIVERSO FINCHER

 

Nacido en Denver el 28 de agosto de 1962. Empezó como realizador de efectos visuales en la compañía de George Lucas, uno de sus primeros trabajos fue en Star Wars Episodio VI, el regreso del Jedi. Luego trabajó como director de videoclips musicales, entre los artistas que trabajaron con él se encontraban Sting, Patty Smith, Roy Orbison, Aerosmith, Madonna, Rolling Stones, Billy Idol, George Michael y Michael Jackson, entre otros.

Su primer film fue Alien³, la tercera parte de la trilogía creada por Ridley Scott y continuada por James Cameron.

Su siguiente película fue la que lo lanzó a la fama: Se7en (Pecados capitales), con Brad Pitt y Morgan Freeman, escrita por Andrew Kevin Walker. La película fue un éxito tanto a nivel comercial como a nivel crítica, ubicándose en el puesto 22 según el ranking IMDB de las películas de todos los tiempos.

En 1997 dirigió The Game, otro gran thriller con Michael Douglas y Sean Penn y en 1999 se juntó otra vez con Brad Pitt, y sumó a Edward Norton y Helena Bonham Carter para hacer El club de la pelea.

En 2002 y con guión de David Koepp, dirigió La habitación del pánico, con Jodie Foster y Forrest Whitaker.

En 2007 se ocupó de uno de los crímenes más famosos sin resolver de la historia estadounidense, al filmar Zodíaco, basado en el asesino que mataba a sus víctimas según el signo de nacimiento. Con Jake Gyllenhall, Mark Ruffalo y Robert Downey Jr.

En 2008 filma El curioso caso de Benjamin Button, con Brad Pitt y Cate Blanchett. Con guión de Eric Roth. El film, basado en un relato de F. Scott Fitzgerald, cuenta la historia de un hombre que nace con 90 años y va rejuveneciendo con el paso del tiempo. Nominada a 13 Oscar (incluída película y director), 5 Globos de Oro, y 11 Bafta, fue uno de los mejores films del año.

Dos años después llegó otro de sus grandes éxitos con La Red Social, donde cuenta la vida de Mark Zuckerberg y su historia para crear Facebook. Con Jesse Eisemberg y Justin Timberlake. El guión adaptado le valió un Oscar a Aaron Sorkin. 8 nominaciones al Oscar (peli y director incluidas), 8 al Bafta, y ganador a Mejor Director y ganadora de 4 cuatro Globos de Oro, incluidos Mejor Película y Mejor Director.

En 2010 llegó La chica del dragón tatuado, adpatación del Best Seller del sueco Stieg Larsson, Los hombre no amaban a las mujeres, que también había sido rodada en Suecia en el año 2009 bajo el nombre de la trilogía Millenium.

En 2013 gana un premio Emmy a la mejor dirección por la serie más importante del año: House of Cards, con Kevin Spacey.

En 2014 estrena Perdida, un thriller con Ben Affleck y Rosamund Pike, otra vez siendo el film nominado a Mejor Película y Dirección en casi todos los festivales importantes.

En 2017 fue uno de los creadores de la exitosa serie Mindhunter, sobre los agentes del FBI creadores del término “Serial Killer”. Su último film fue Mank, la historia del guionista de “Citizen Kane” Herman Mankiewicz, con una gran interpretación de Gary Oldman.

 

FICHA TÉCNICA

 

Título original: The Curious Case of Benjamin Button

Año: 2008

Duración: 167 min.

País: Estados Unidos

Dirección: David Fincher

Guion: Eric Roth. Historia: F. Scott Fitzgerald

Música: Alexandre Desplat

Fotografía: Claudio Miranda

Reparto: Brad Pitt, Cate Blanchett, Taraji P. Henson, Tilda Swinton, Jason Flemyng, Julia Ormond, Elias Koteas, Elle Fanning, Jared Harris, Mahershala Ali, David Jensen, Tom Everett, Faune Chambers Watkins.

PERFECT BLUE

PROGRAMA 335 (09-07-2021)

 

SINOPSIS

 

Mima es la cantante de un famoso grupo musical japonés. Debido al fracaso de ventas de sus discos, su mánager decide apartarla del grupo y darle un papel en una serie de televisión. Mima cae entonces en una profunda depresión que la lleva a replantearse su vida y su carrera, pero su crisis se agrava cuando descubre que su vida está al alcance de cualquiera en Internet y que alguien la está vigilando. Cuando la serie empieza a emitirse por televisión, Mima comprueba que la ficción se reproduce en su vida real: sueño y realidad se confunden hasta el punto de cuestionarse su propia identidad. El desarrollo de los acontecimientos y su propia intuición llevarán a la protagonista a un desenlace absolutamente inesperado... (FILMAFFINITY)

 

EDITORIAL

 

Si el otro es todo lo que yo no soy, la pregunta entonces es ¿quién soy yo? ¿Qué define a mí ser? ¿Cómo descubrir ese que soy? ¿Dónde hallar esa consciencia? ¿Cómo confirmar que este que soy es un ser para sí y no una manifestación cuidadosamente elaborada según los intereses de otro ser que no es el mío? ¿Cómo confirmar cualquier cosa, después de todo? ¿Cuál es esa delgada línea que divide al ser del no ser, aquella que me expone en definitiva en contraposición de ese otro que no soy? Alguna vez mencionamos en este foro aquello pensado por Sartre de que el hombre es lo que hace con lo que hicieron de él. Ese es tal vez un buen comienzo. Pensar la consciencia del ser como un ser EN sí y un ser PARA si y la relación de todo esto con el no ser, o sea la nada. El ser en si es aquel ser incapaz de ser modificado en el tiempo. Es un ser que nunca va a ser nada distinto de lo que es. Por otro lado, el ser para si es lábil, pasible de modificación y de cambio. Es el ser capaz de salir de si proyectándose hacia el futuro. 

Es la consciencia saliendo de sí, es proyecto. Ahora bien, aún no hemos respondido a aquella pregunta del inicio, como definir quién soy, qué es el ser. Sartre dirá que el ser está definido por aquellas cosas que hemos hecho en el pasado, que son inamovibles, inmutables. Porque fue en aquello que fuimos eligiendo donde en definitiva nos hemos ido eligiendo también a nosotros mismos. Somos nuestras elecciones. Aquí llegamos a algo, el ser para si entonces tienen un pasado, uno incapaz de ser modificado en el tiempo, uno inmutable, por lo tanto, ese pasado es un ser en si. Si entendemos el para si como una proyección hacia el futuro y el en si como aquel factum inmodificable que nos define como ser, entonces, el presente del para si es la nada. Aquella conciencia de ser para si, pensada en el ápice vertiginoso del ahora es nada, no existe como algo dentro de nosotros, solo es hacia el futuro donde es eyectada entre sus proyectos. En el presente, entonces, somos nada. El para si es aquel ser que no es lo que es. Eso es lo que no es… pero entonces qué es… Al estar proyectado hacia el futuro, entonces, es lo que no es, lo que todavía no es pero que tal vez será. 

 

Lucas Itze.-

 

Canción elegida para la editorial

 

IMPRESIONES SOBRE PERFECT BLUE

 

Desde este foro siempre planteamos la idea de que el artista debe morir con cada obra. No es la primera vez que lo decimos pero nunca está de más recordarlo. Jugar el juego hasta el final es lo que nos permite tener esa completa libertad. Prenderse fuego es parte de eso. Aunque muchas veces el fuego lo enciendan desde el otro lado del mostrador. Arriesgarse al cambio es quizás uno de los grandes miedos que padecemos los mortales. La quietud y tranquilidad de estar en un lugar seguro es nuestro chaleco de fuerza. Para nosotros, gente común y corriente, es quizás menos problemático que para los que tienen que lidiar con la opinión pública. La sociedad se convierte en un gigantesco dedo acusador tratando de eliminar cualquier atisbo de libertad. Y ahí es cuando la estrella no debe fallar. Porque los buitres están deseosos de carroña y serán los primeros en aprovechar un tropezón para transformarlo en caída. Fue ese drástico cambio, esa salida de la zona de confort lo que llevó a Mima a su propia pelea interna. Estamos hablando de la protagonista de Perfect Blue, la ópera prima del recordado Satoshi Kon. Ella es una pop-idol de un famoso trío llamado CHAM. Tiene fama, juventud, belleza y miles de admiradores por todo el país. Pero en el momento de mayor popularidad, dejará el grupo para perseguir otro sueño: ser actriz de renombre. Estamos ante otra gran película del animé japonés. 

Basada en una novela de Yoshikazu Takeuchi y con guión de Sadayuki Murai. Un film originariamente iba a ser con actores de carne y hueso, pero tras un terremoto que sucedió en el país nipón, le encargaron a Satoshi Kon que lo hiciera animado. Solo le dieron algunas recomendaciones. Así Kon creó una historia lineal pero compleja. La aderezó con una banda musical acorde e ideó una paleta de colores que pasaba por los fríos verdes y azules a los cálidos rojos en diferentes ocasiones. No habrá una calidad ilustrativa de excelencia, como hemos visto recientemente en Your Name, porque lo que importa es la historia. Mima empezará a grabar una serie, que nos servirá como hilo conductor de la película. Será en la primer parte del metraje donde conoceremos al personaje y comenzaremos a sentir sus miedos. Una joven que pasa de ser la estrella de un grupo a ser una novel actriz de la que se burlan en el set. Esos sucesos y una página de internet llamada “El cuarto de Mima” dedicado a ella empiezan a nublar la mente de la protagonista. En ese sitio se relatan hechos en primera persona y detalles que sólo ella sabría, lo que hace que su cabeza no pare de hacerse preguntas. Además su personaje en la serie empieza a dejar el lado virginal pasando a recrear escenas más fuertes, para llegar a otro público. Con todas estas cartas para jugar, el director nos empieza a llevar por el límite entre lo real y lo ficticio. 

¿Qué forma parte de la serie y qué no? ¿Es parte todo de un sueño o es algo real? Con esas preguntas, Mima empieza a sufrir el rechazo de sus fans y los medios critican sin piedad su nueva vida, que sumado al éxito de sus ex compañeras de grupo, la llevan a un conflicto interno mental. Será todo un proceso de aprendizaje. Convertirse en adulta y dejar el aura juvenil para superar su expectativa profesional. Será entonces un conflicto que no crece de manera dosificada sino de golpe para transformarse en un thriller brillante. Empezarán los asesinatos y el terror se hará presente, como para poner una pizca más de pimienta a la historia. Y cuando todo indicaba que el film se centraba en el conflicto interno de Mima, la historia da un giro para entender que el conflicto es, sobre todo, externo. Y entendemos que en ese punto está la habilidad del director para torcer el volante y dejarnos pensando. Confirma esa denuncia a la sociedad con la que venía amagando. Y también a nosotros como producto de la sociedad en que vivimos. A esa que banaliza logros y que invade cualquier privacidad. A ese mundo que vive con el dedo acusador sin mirar si su propio culo está limpio o no. A ellos que un día te convierten en héroe y al otro día en villano. Y a esperar que por cada Mima que logra prenderse fuego para triunfar, hay miles que quedan a la deriva y son deshechos de la sociedad. Quizás, ese es el mensaje que tengamos que escuchar...

                                    

Marcelo De Nicola.-

 

Canción post impresiones

 

UNIVERSO KON

 

Nacido en Kushiro, Japón el 12 de octubre de 1963, se graduó en Diseño Gráfico en la Universidad de Arte de Mushashino. Sus grandes influencias fueron Philip K. Dick y Yasutaka Tsutsui.

Durante los 80 empezó a hacer distintos cortos de animé, y empezó a trabajar como asistente de Katushiro Otomo. Luego escribe el guion de World Apartment Horror, dirigida por Otomo.  Después de seguir trabajando con este director en un par de proyectos más llega su primera vez como director para una serie de tv titulada Las bizarras aventuras de JoJo.

Sin embargo, su primer largometraje tardaría 4 años más, cuando en 1997 sale a escena Perfect Blue. La historia de una cantante que empieza a ser protagonista de una serie de TV y que el sueño y la realidad empiezan a confundirse. La película fue aclamada por la crítica.

En 2001 llegó el turno de Millennium Actress, donde otra vez se mete en el mundo del cine, donde busca a una estrella que hace treinta años desapareció de las pantallas. Un viaje al pasado donde intentará encontrarse a sí misma. Para muchos, un film a la altura de El viaje de Chihiro.

Dos años después filma  Tokyo Godfathers, donde nos cuenta la hermosa historia de tres vagabundos que encuentran un bebé abandonado y se embarcan en la aventura de encontrarle una familia.

En 2004 dirigió una serie para TV titulada Paranoia Agent antes de volcarse de lleno a su próximo film: Paprika, detective de los sueños. Luego filma otra serie llamada Ani*Kuri15 en 2007, formada por 15 cortos de diferentes directores, el de Kon se tituló Good Morning.

En 2009 empieza a trabajar en su próxima idea, llamada The Dream Machine, pero en mayo de 2010, le diagnosticaron un cáncer pancreático terminal, donde le dieron medio año de vida. Kon falleció el 24 de agosto de 2010 dejando una obra inconclusa y 4 películas que hoy son denominadas de culto. Uno de los fans que dejaron mensajes de consternación por su muerte, fue Darren Aronosfky, el director del Cisne Negro.

 El estudio MADHOUSE, quien produjo todos sus films, decidió seguir en 2011, el proyecto con Yoshimi Itazu al mando, tal fue así su última voluntad, aunque finalmente no pudieron hacerlo.

En 2012, el fundador de Madhouse,  Masao Maruyama declaró: "Por desgracia, todavía no tenemos suficiente dinero. Mi objetivo personal es conseguir terminarlo antes de que se cumplan los cinco años de su muerte. Todavía estoy trabajando duro para lograr ese objetivo” Hoy sigue sin finalizar, pero los fanáticos del cineasta japonés no perderán las esperanzas.

 

FICHA TÉCNICA

 

Título original: Perfect Blue

Año: 1997

Duración: 81 min.

País: Japón

Dirección: Satoshi Kon

Guión: Sadayuki Murai. Novela: Yoshikazu Takeuchi

Música: Masahiro Ikumi

Fotografía: Animación, Hisao Shirai, Yôichi Kuroda

 

PELÍCULA COMPLETA

EN CUERPO Y ALMA - ON BODY AND SOUL (TESTRÖL ÉS LÉLEKRÖL)

PROGRAMA 334 (25-06-2021)

 

SINOPSIS

 

María comienza a trabajar como supervisora en un matadero de Budapest, pero pronto comienzan a surgir cotilleos y rumores sobre ella. Durante el almuerzo opta siempre por sentarse sola, y es consciente de sus deberes y obligaciones, con un estricto apego a las normas. Su mundo se compone de cifras y datos impresos en su memoria desde la primera infancia. Endre, su jefe, es un tipo tranquilo. Ambos empezarán a conocerse lentamente. (FILMAFFINITY)

 

EDITORIAL

 

Una luz se apaga y el cerebro se reinicia. Los labios perfumados con ese vino barato quedaron escondidos en el rencor de un beso olvidado. Las noches pasan y la mente sigue inconexa. Cada ruido parece un misil lanzado al aire. El colchón se vuelve más incómodo y un goteo amenaza con crear una noche eterna. Los párpados caen una y otra vez pero nadie tira la toalla. Es una pelea con uno mismo. Todo se hace cuesta arriba. Das vueltas una y mil veces... Pero sigue todo igual. Buceas en sueños ajenos para lograr conectar algo propio. La música busca formar parte de la conciencia pero nada hace efecto. La mente empieza a viajar a lugares insospechados. Los placeres más ocultos intentan asomar la cabeza y ser al fin parte de este juego. 

Ya no hay lunas llenas esperando por esa magia nocturna. Los lobos dejaron de aullar y se acobijaron en el frío de aquel invierno. Alguna lágrima se desploma de repente. La vida sigue pasando ante tus ojos. Los mismos que sueñan despiertos. En ellos estará la buena felicidad. No habrá eternidad alguna. Sólo momentos fugaces. Las visiones se vuelven borrosas. El cielo y el infierno se unen en un único mundo. Las voces interiores se transforman en murmullos incontrolables. Una tregua es la única opción. Y nadie está dispuesto a ceder. La pelea final para dar ese golpe de nocaut. De esos sueños que luchan por sobrevivir entre el cuerpo y el alma.

                          

Marcelo De Nicola.-

 

Canción elegida para la editorial

 

IMPRESIONES PARA EN CUERPO Y ALMA

 

Hace algún tiempo, coincidíamos con un amigo en aquello de que la única manera de ser feliz es renunciando a la idea de verdad. La actitud detectivesca aniquila joven a cualquier sonrisa. Entendemos a la felicidad íntimamente relacionada con la idea de comunión, de comunicación genuina con otro y en dirección opuesta pensamos a la tristeza fuertemente relacionada a la soledad. Quienes escuchan este programa hace algún tiempo, conocerán ya nuestra postura sobre la comunicación y la comunión, que en definitiva acompaña aquella idea planteada por Sábato, el cual decía que la comunicación, aquel encuentro del que hablamos, se da en forma de urgidos destellos, de efímeros puentes que logra conectar solo por instantes a los seres y así despojarlos de aquella condición de islas que por lo general todos poseemos. Es muy difícil lograr conocer a alguien legítimamente ya que los códigos que manejamos para tales efectos son siempre insuficientes y defectuosos. Lo que nos sobra es la soledad, lo que nos invade es la tristeza. La única manera de disfrutar es siempre a través del engaño. Estamos solos cuando no somos comprendidos, cuando no encontramos nada que nos una a los otros e inevitablemente quedamos afuera, cuando descubrimos que el lenguaje sobre el cual apoyamos todos los cimientos de nuestro conocimiento solo esconde innumerables desdichas. Lo que nos queda es defender el diseño del paraíso propio a como dé lugar. Defender el truco, que después de todo bien sabemos que su finalidad, no es la del engaño mismo sino la de complacer al otro en su deseo íntimo de ser engañado. Evitar destruir sus muros a golpes de por qué, No invadir jamás de razones este espacio infinito que nos distancia. 

Renunciar al fin a toda idea de certificación para así poder disfrutar sin ninguna exigencia de nuestros propios fantasmas. Uno no es de ninguna manera, entonces para que desarmar con torpeza nuestra propia ilusión. En cuerpo y alma, el film de Ildikó Enyedi, plantea de alguna manera esta defensa de los propios paraísos. El relato estará construido sobre la curva dramática que tendrán que transitar Endre y Mária, protagonistas del metraje. Tal como hemos dicho alguna vez en este espacio, encontrar una historia para narrar depende de la oportunidad que se presenta para poder captarla, mientras que el relato depende de nuestra sensibilidad, nuestras condiciones artísticas y nuestra particular concepción del mundo que nos rodea. El ojo del artista está definido allí, nuestra empatía con él o ella se da con la capacidad de narrar aquel particular trabajo de observación que se efectúa sobre la realidad. Entonces, el relato es siempre el problema y la historia es el hallazgo. Encontrar el qué para luego preocuparnos en el cómo. En el film En cuerpo y alma la directora nos pondrá frente al clásico “chico conoce chica”. Ahí el qué. Con el correr del relato descubriremos las particularidades que construyen al personaje de Mária, aquellas que la convierten en un ser solitario, frio, calculador, obsesivo y antisocial. Descubriremos por otro lado a Endre, su jefe, un tipo silencioso, resolutivo, con una vida diseñada para manejarse con un solo brazo ya que el otro no puede moverlo. También solitario, tal vez un poco frio. Se encontrarán en sueños, ella será un ciervo hembra, él uno macho. Se acompañarán en el frio del invierno. Se sentirán libres de cadenas y libres de obstáculos. Aquella será su ilusión, su máscara, su paraíso de diseño propio, su más preciado engaño. Allí, entonces, el cómo. 

La directora elegirá un espacio escénico metafórico y llamativo desde donde narrar. El relato se desarrollará en un matadero donde se procesará la carne vacuna desde el animal vivo hasta el carneado de la res. La fotografía del film se servirá de la monstruosidad de este espacio para ofrecer un punto de vista artístico desde el cual se trabaje sobre la idea desaforada de pasión e instinto y su proceso simplificador en la elaboración de un producto en serie. Allí también quizás la intención narrativa del punto de vista de la guionista. Se trabajará mucho con los rojos en contraposición de otros colores más fríos como los azules o los blancos. Los encuadres por lo general serán fijos, distantes e impasiblemente balanceados. Las actuaciones lograrán una naturalidad un tanto forzada al comienzo para aflojarse hacia el final de la cinta y conseguir así una identificación profunda con ambos protagonistas. La idea de muerte rondará por el relato en muchos momentos, tal vez emparentada en algunas ocasiones a cierta esperanza de cambio, a cierta intención de giro, pero en muchos otros momentos la metáfora caerá y solo será sangre derramada en un grito de desesperado de socorro. Mária, a pesar de todo, podrá disfrutar de su paraíso propio y entenderemos con ella lo solo que estamos la mayoría del tiempo y lo difícil que puede resultar estar con la persona que uno ama. Lo imposible que puede ser lograr aquella comunión de la que hablábamos al comienzo. Defendamos nuestras máscaras, defendamos nuestras fantasías engañosas porque ese es el material con el que están hechos los sueños. No dejemos nunca de soñar aunque los mayores quieran conquistar nuestro espacio con sus pesados bloques de razón, argumentando que las mentiras solo traen desdichas. Festejemos la desdicha en comunión en aquel sentido utópico de las apariencias, que después de todo con el tiempo quizás lleguen a parecerse un poco a lo que otros llaman felicidad.   

 

Lucas Itze.-

 

Canción post impresiones

 

UNIVERSO ENYEDI

 

Nacida en Budapest el 15 de noviembre de 2015. Estudió en la Universidad de Cine y Artes Escénicas de Budapest, donde era la única mujer del curso. Allí luego se convertiría en profesora. Curiosamente, en su época de estudiante asegura que no observó comportamientos discriminatorios, cuando ella era el bicho raro y exótico, por así decir; en cambio sí se observó algo de esto cuando, impartiendo sus lecciones, había más mujeres en las aulas. Artista conceptual, ha trabajado para el grupo de arte InDiGo (INterDIszciplináris GOndolkozás, Pensamiento Interdisciplinar) y el estudio Balázs Béla (BBS), donde han desarrollado su talento compatriotas suyos cineastas como István Szabó y Béla Tarr, y que tiene una línea de trabajo abierta a las propuestas experimentales de jóvenes que se están abriendo camino. Tras algún cortometraje, triunfó en Cannes ganando la Cámara de Oro con Mi siglo XX (1989), ambientada en el imperio austrohúngaro, sobre dos gemelas que ignoran completamente la existencia de la otra, y que han llevado vidas diversas. Ambas acaban coincidiendo en un viaje en tren, el Orient-Express. El film, rodado en blanco y negro, ya apunta unos signos de identidad muy personales, donde se despliegan el azar, las carencias afectivas, las vidas marcadas y los pasajes oníricos. La carrera de Enyedi comenzaba a despegar, justo cuando estaba cayendo el telón de acero. Éste y otros filmes subsiguientes los haría en Hungría en coproducciones que implicaba a otros países europeos, como Francia y Suiza. Elementos mágicos, ajedrez, amor y desamor, junto a una perspectiva infantil, conformaron El cazador encantado (1994), a la que siguió Tamás y Juli (1997), una peculiar historia de amor que se desarrolla en una ciudad minera. 

Luego vendría Simón, el mago (1999), donde la policía recurre al personaje del título para resolver un crimen. A partir de este momento hay un parate en la carrera de la cineasta, que sigue con su trabajo en el mundo de la enseñanza, donde aparte de las clases en su “alma mater”, es requerida para impartir lecciones en otros centros universitarios, en Suiza y Polonia, o para formar parte de jurados de distintos festivales de cine. Su personal indagación en la psicología humana a lo largo de su filmografía le posibilitó trabajar en televisión en la serie Terápia, la versión húngara de la serie televisiva de la HBO En terapia (que a su vez es una remake de una serie israeli), donde está acreditada en 37 episodios. Tras triunfar en Berlín con En cuerpo y alma (2017), Enyedi vive un momento dulce. Ha demostrado que se puede hacer un cine personal, lírico y simbólico, y manejar el mundo de los sueños de un modo original, sin caer en simplificaciones o lugares comunes psicoanalíticos. Como afirma la directora, al describir los sueños coincidentes de los dos protagonistas, “su mundo es simple y transparente, pero está lleno de significado, se trata de un lugar donde podemos reconocernos a nosotros mismos”. Para este año se espera el estreno del film The Story of my Life, donde un capitán de barco apuesta en un bar con un amigo que se casará con la primera mujer que entre. Con Louis Garrel y Lea Seydoux como protagonistas. Veremos que más nos traer esta interesante directora húngara.

 

FICHA TÉCNICA

 

Título original: Teströl és lélekröl (On Body and Soul)

Año: 2017

Duración: 116 min.

País: Hungría

Dirección: Ildikó Enyedi

Guion: Ildikó Enyedi

Música: Adam Balazs

Fotografía: Máté Herbai

Reparto: Morcsányi Géza, Alexandra Borbély, Ervin Nagy, Pál Mácsai, Júlia Nyakó, Tamás Jordán, Gusztáv Molnár, István Kolos, Annamária Fodor, Itala Békés, Vince Zrínyi Gál, Attila Fritz, Zoltán Schneider, Réka Tenki, Rozi Székely, István Dankó

 

PELÍCULA COMPLETA

YOUR NAME - KIMI NO NA WA

PROGRAMA 333 (18-06-2021)

 

SINOPSIS

 

Taki y Mitsuha descubren un día que durante el sueño sus cuerpos se intercambian, y comienzan a comunicarse por medio de notas. A medida que consiguen superar torpemente un reto tras otro, se va creando entre los dos un vínculo que poco a poco se convierte en algo más romántico. (FILMAFFINITY)

 

EDITORIAL

 

Alguna vez hemos advertido desde este mismo foro que el amor es solo entrega. Quien interponga al yo sobre el otro no habrá entendido jamás que en el juego del amor siempre se pierde. Lejos de querer caer en un pesimismo barato o simplemente sonoro proponemos detenernos un instante en la idea de entrega. Es en este acto único donde el yo logra correrse de su avasallante ejercicio para dejar ser al otro, para dejarse sorprender en las profundas diferencias sin la castradora manipulación de las acciones ajenas en beneficio propio. Amar, entonces, es perder. Idealizar a la otredad, proyectarse sobre ella y construir un castillo sobre su vientre hasta que el sol la haga reír hasta llorar, no es otra cosa sino ejercer el poder sobre sus debilidades, aprovecharse de la vulnerabilidad que el estado amoroso provoca para adoctrinar y así modelar su ser hasta que coincida o se asemeje lo suficiente con lo que nuestro ordenamiento previo dicte, aquel dispositivo heredado donde nuestra subjetividad afectiva se ha construido. Pero cuidado, saber que uno va a perder no es jamás un motivo para ir a menos. 

En este sentido, y en muchos otros tantos claro, nos declaramos tajantemente Bukowskianos. El viejo Hank nos aconsejaba lo siguiente: encuentra lo que amas, y deja que te mate. Y allí está el sentido de pérdida del que hablábamos. Amar envueltos en llamas. Amar para no salvarnos nunca. Amar sin avanzar jamás sobre la debilidad del otro sino amar en la liberadora experiencia de dejarlo ser, de dejarlo libre de sujeciones y aspiraciones. Amar escapando a la siniestra tentación arquitectónica de reconstruir al otro, de tallarlo con precisión para que complete lo que yo creo que me hace falta. Nada es lo que necesitamos. La buena y la mala noticia, queridos amigos y amigas es que ya estamos completos. Amar, entonces, para deconstruir nuestra totalidad y así permitir que nuestros átomos sigan cayendo, sigan moviéndose y así juntarse más delante de otra forma, con otras opciones, con nuevas herramientas. Amar sin pedir nada a cambio. Encontrarte en este conjunto de soledades para no guardarme nada. Hallarte por fin sin ningún fin. Rescatarnos del silencio oscuro del universo para quedarnos con la sencilla y única felicidad de saber que existís. Amarnos ya sin tiempo ni nombres que le den forma a todo esto.

 

Lucas Itze.-

 

Canción elegida para la editorial

 

IMPRESIONES SOBRE YOUR NAME

 

Será en nuestros sueños donde bebimos el último trago de coraje para animarnos a más, y es, quizás, el lugar del que nunca quisimos haber salido. Allí, en la omnipresente ilusión onírica nos entregamos por completo a las fauces del lobo más hambriento y feroz. Batallamos inclaudicablemente sabiéndonos inmortales. Deportamos los más viles miedos para avanzar y seguir adelante. Si, allí se unirá todo. Amores, miedos, promesas, ilusiones, fracasos... Será un combo inexorable. La partitura musical de nuestras vidas estará rodeada de esos intensos sueños de los cuales solo recordaremos unos pocos. ¿Qué sentimiento nos invade cuando nos despertamos y aunque lo intentemos con toda nuestra pasión, no recordamos absolutamente nada de lo que vivimos? Nos sentimos estafados, como vacíos. Dicen que todas las personas que aparecen en nuestros sueños, las hemos visto alguna vez, aunque sea un micro segundo. En un viaje, en un parque, en un colectivo, en un tren. Como Taki y Mitsuha, los protagonistas del film Your Name de Makoto Shinkai, que unieron sus vidas y sus cuerpos entre trenes y sueños. Estamos ante un film de la típica escuela de animé japonesa. El director nos presenta una historia donde los tiempos cambiarán constantemente lo que hará confundir al espectador en el transcurso del metraje. Un cometa cayendo a la tierra será la primera imagen y el hilo conductor de lo que presenciaremos. No perderá tiempo para la presentación de personajes, conoceremos sus voces antes que sus caras. Serán dos adolescentes que viven realidades distintas. Mitsuha será de un pequeño pueblo rural mientras que Taki de la casi futurista Tokio, mostrando los contrastes desde ese primer momento. Hasta que de repente, un día despiertan con sus cuerpos intercambiados. ¿Será un sueño o será algo real? Ellos notarán que hay cosas que no recuerdan y hasta cambian su forma de manejarse en su vida. La fantasía comenzará a ser parte del juego que nos plantea el director. El tono del relato estará relacionado con la comedia pero a medida que este avanza la narración se volverá más dramática. 

Nos embriagaremos con una fotografía y unos dibujos realmente de una poesía visual increíble. Cada fotograma será una belleza que nos transportará a ese Japón actual, ya que veremos muchas localizaciones reales perfectamente retratadas. Jugará con la edición en ciertos momentos, creando un montaje ágil y rápido. Por su parte, la banda local Radwimps será quien esté a cargo de la banda musical del film, con una lista de canciones y estilos que sumarán al relato. Conoceremos a dos seres destinados a encontrarse. La película nos hablará de amor pero también de identidad y de tolerancia cuando ellos se hallen en otros cuerpos que no son de su mismo género. Son los que quizás entenderán ese mundo mucho más que sus antepasados. Pero también nos hablará de leyenda y de tradición. Japón sigue sufriendo las tragedias ambientales (como terremotos y el tsunami del 2011) y por eso son temas instalados en ciertos autores. Como ya lo hablamos en el film Kubo y la búsqueda samurai, aparecerán ciertos rituales ancestrales que serán fundamentales en la historia. Los nipones hacen de su mitología un arte y conocer ciertos detalles les da un interés mayor aunque no estemos tan embebidos en el tema. 

Religiosamente, será bajo el ala del sintoísmo, una de las practicadas en el país del Sol Naciente. Aparecerá el hilo rojo que según la leyenda unirá a las almas gemelas sin importar el tiempo y el espacio. La abuela de Mitsuha hablará del musubi, un término japonés sobre ciertos lazos. Estos lazos son los que unen a los seres vivos con los espíritus, que serán reconocidos bajo el nombre de Kami, a quienes hemos visto en Kubo durante la fiesta del Obón o en Mi vecino Totoro, donde justamente quien le da nombre al film de Miyazaki es también parte de ese mundo oculto. Ese mundo es entonces la unión entre lo real y lo ficticio. Hasta allá llegará Taki en busca de Mitsuha, bajo el crepúsculo, que es el momento en donde todo se desvanece. Como lo hace la memoria de ambos, que ni siquiera recuerdan “su otro” nombre. Será ese cambio uno de los tantos giros dramáticos del guión. Porque cuando dejaron de jugar a buscarse y a encontrarse y formar parte del otro punto de vista, todo se complicó. La vida les empezó a demostrar que ciertas sonrisas pueden durar un instante y la aventura se va convirtiendo en melancolía. Y las preguntas empiezan a quedarse sin respuestas. La madurez se va abriendo camino con sus trucos más egoístas. Ya no hay tiempo de juegos y la felicidad empieza a ser algo más inestable. “Ojalá encuentres la manera de ser feliz” le dicen a Taki y el mundo se rompe en pedazos. Y se vuelve una lucha contra el tiempo y la mismísima muerte. Y no sabemos que es real y que es ficción. Entonces será el turno de encontrar ese vagón que nos lleve al camino correcto. Pero habrá que evitar subirse a ese tren que nos deje en esa estación a la que nunca esperamos llegar: la del olvido.

 

Marcelo De Nicola.-

 

Canción post impresiones

 

UNIVERSO SHINKAI

 

Makoto Niitsu, más conocido como Makoto Shinkai, nació el 9 de febrero de 1973 en Nagano, Japón. Estudió literatura japonesa en la Universidad de Chuo y más adelante trabajó en Falcom, una empresa de videojuegos donde hacía videoclips para los juegos y diseño gráfico para las páginas webs. En 1999 lanzó el corto She and Her Cat, que detalla la vida de un gato, enteramente desde la perspectiva del gato, mientras pasa el tiempo con su dueña, una mujer joven. El corto logró varios premios, incluido el de animación en DoGA, una empresa sin fines de lucro creada para alentar a los futuros animadores con software y asesoramiento. En 2002 realiza Voces de una Estrella distante, ambientada en 2046, una historia de amor a distancia, entre una muchacha y un chico que se envían mails a través del teléfono móvil. El film fue creado prácticamente por un solo hombre: Makoto Shinkai. Shinkai escribió, dibujó, dirigió la historia y la animó digitalmente con ayuda de su computadora Macintosh a lo largo de un año entero. Incluso él y su pareja pusieron las voces de los personajes en la versión original. En su momento, una empresa que hoy trabaja con aplicaciones para celulares, lo contactó para subvencionar el proyecto. En 2004 llega su primer largometraje: Más allá de las nubes, el lugar prometido. Ambientada en la época donde la Unión Soviética y Estados Unidos se reparten Japón, la película sigue a dos amigos de la infancia que se separan después de que uno de sus amigos desaparece. En 2007 llega 5 centímetros por segundo, un film que consta de tres cortos titulados Flor de cerezo, Cosmonauta y Cinco centímetros por segundo que cuenta la historia de dos jóvenes enamorados que se separan luego de terminar la escuela primaria. 

En 2011 filma Viaje a Agartha, un drama fantástico basado en el mito de Orfeo y Eurídice. En 2013 crea el mediometraje El jardín de las palabras, que tuvo excelentes críticas, la historia de un aprendiz de zapatero que se reúne con una mujer mayor que él siempre en un jardín japonés. En 2016 llegó Your Name que también fue un éxito de crítica. Lo último que ha filmado es El tiempo contigo, la historia de Hotaka Morishima, un estudiante de secundaria que se muda a Tokio para dejar atrás su vida en una isla aislada del mundo. Allí conocerá a Akina Amano, una chica con el misterioso poder de manipular y controlar el clima a su antojo. Otro éxito rotundo en su país. Veremos con que nos sigue sorprendiendo uno de los mejores herederos de Hayao Miyazaki.

 

FICHA TÉCNICA

 

Título original: Kimi no na wa (Your Name.)

Año: 2016

Duración: 106 min.

País: Japón

Dirección: Makoto Shinkai

Guion: Makoto Shinkai

Música: Radwimps

Fotografía: Animación, Makoto Shinkai

 

PELÍCULA COMPLETA