POLYTECHNIQUE

PROGRAMA 337 (30-07-2021)

 

SINOPSIS

 

Se basa en los testimonios de los supervivientes del drama ocurrido en la Escuela politécnica de Montreal, el 6 de diciembre de 1989. La película cuenta los hechos a través de los ojos de Valérie y Jean-François, dos estudiantes cuya vida dio un vuelco cuando un hombre entró en la escuela con la idea de asesinar al mayor número de mujeres posible. (FILMAFFINITY)

 

EDITORIAL

 

Michel Foucault basó parte de su pensamiento en la idea de que el poder no actúa solo reprimiendo sino también normalizando. Detengámonos un instante en aquel término que deviene de la palabra normal. Hemos contado a través de este mismo micrófono más de una vez que normal viene de norma, en este sentido entonces podemos concluir que normalizar no es más que ejercer algo ya normado, ya reglamentado. De este modo entonces entendemos que es el propio poder quien domestica atravesándonos en mente y cuerpo nuestro sentido en la construcción plena de cualquier moral. Algo común en ciertas formas del ejercicio del poder es el exterminio o la disolución del otro. Eliminar al otro haciendo de él un medio para la propia expansión, hacer del otro ya no un ente hostil sino un puente hacia la realización del deseo propio. Eliminar la otredad normalizando. Nietzsche decía que la diferencia entre los buenos y los malos es que los buenos somos siempre nosotros. Nosotros los que cumplimos la regla, la norma, lo establecido y al hacerlo nos volvemos verdugos y jueces de quien la quiebra. La mala noticia, queridos amigos y amigas es que víctima y victimario conviven en nosotros. 

La construcción del concepto de bueno y malo, tal como lo dice Nietzsche es útil para crear un otro lado del espejo, una oposición de la cual diferenciarme y distanciarme, un hecho netamente farmacológico. Al aceptar lo estipulado, lo normalizado los buenos somos siempre nosotros. En La genealogía de la Moral Nietzsche hace una categorización de estos términos. Allí el filósofo alemán relaciona lo bueno con un modo de ser noble, con una mirada del sí mismo del noble. Él creía que fueron los poderosos, los hombres de rango superior los que se autoproclamaron a sí mismos y a sus acciones resultantes como buenas en clara oposición a las acciones que resultaban del obrar de los plebeyos, vulgares y hombres de bajo rango. Lo malvado entonces deriva de la moral de los esclavos. Eliminar al otro haciendo uso del ejercicio del poder es eliminar al esclavo, al esclavo y su moral, claro. Llevemos ahora este esquema al cotidiano y pensemos cuantas veces nosotros los buenos, los normales, ejercemos el poder sobre el otro, sobre el distinto, el diferente. Cuantas veces somos verdugos de los derechos que el otro posee. Cuantas veces al ejercer un acto que creemos normal y natural nuestro deseo avasalla al otro para eliminarlo. ¿Cuantas veces? Si, hablo de vos pero también de mí. Hablo de nosotros, nosotros los buenos, nosotros, los de este lado.

 

Lucas Itze.-

 

Canción elegida para la editorial

 

IMPRESIONES PARA POLYTECHNIQUE

 

El silencio es la antesala de la tragedia. La calma antes de la tempestad. Un pequeño golpe resonará para siempre. Lo blanco se transformará automáticamente en negro. Las voces gritarán enmudecidas. La ley de la selva deja las igualdades de lado. Es hora del sálvese quien pueda. Y la mira apuntará sólo a ellas. Estar en el momento y en el lugar indicado puede dejarte secuelas para toda la vida. ¿Quién diseñó esas mentes enajenadas? ¿Cuánta culpa tenemos nosotros mismos sólo por ser partes de esta sociedad? La muerte acecha en todos lados. Las armas son las amigas cómplices. La pantalla funde a negro. El silencio lo invade todo. El ruido de una fotocopiadora de repente se confunde con una ráfaga de balas. El terror ha comenzado. Estamos en un frío día en Montreal, Canadá. Es diciembre de 1989 y la nieve lo cubre todo. En la Escuela Politécnica parece un día más... pero lamentablemente ya no lo será. Alguien decidirá crear muerte y dejar ese día marcado para siempre. Veinte años después, Denis Villeneuve será el encargado de llevar la historia a la gran pantalla. Con guión de Jacques Davidts, el relato se centrará en tres protagonistas de la tragedia. El director se servirá de una fotografía en blanco y negro creada por Pierre Gill para darle frialdad a lo que estaremos viendo. 

El blanco de la nieve del exterior contrastará con el negro de la sangre de las víctimas. Será un gran acierto para recalcar el terror y el momento lúgubre que se avecina. La mano de Villeneuve se verá sobre todo en la composición de planos y destacarán los travellings que aparecerán durante el metraje, con uno muy poético sobre el final y que da lugar a varias lecturas. La cámara por momentos se situará a una distancia tal que parezca que estamos espiando desde otra habitación. Esa sensación de voyeurismo encaja perfectamente con uno de los protagonistas, a quien veremos espiando a su vecina a través de la ventana. La narración no será lineal, habrá que estar atentos porque estaremos en presencia de varios puntos de vista que van intercambiando la línea temporal. La banda sonora y musical será otro acierto del film, apareciendo de forma muy cuidadosa entre gritos y silencios. Ese será uno de los ejes elementales en el cual se basa la película, el silencio como parte fundamental de la historia. El director lo dejará en claro en esa primera escena. Vendrán los disparos, las corridas y el silencio ensordecedor con una mujer deambulando perdida antes del detalle del título en blanco sobre negro. Luego, vuelve a abrir con otro silencio estoico mientras vemos a alguien con un rifle sobre su boca. 

El ruido del gatillo romperá esa monotonía. El silencio del arma para matar o el silencio para no ser descubierto y sobrevivir. Todo se conjuga ahí. El otro eje caerá en la denuncia hacia la misoginia y la sociedad patriarcal establecida. El asesino dejará en claro que la idea de matar el máximo número de mujeres posible es parte de su lucha “contra el feminismo”. El director mostrará lo que pasa sin tomar partido, por lo que poco conoceremos de los protagonistas. Si sabremos algo más de Valerie, quien sobrevive a la masacre y también a un ambiente laboral machista, ahí Villeneuve hace clara su postura con una denuncia encubierta. "Si tengo un hijo, le enseñaré a amar. Si tengo una hija, le enseñaré que el mundo es suyo" es la frase relevante de la protagonista que cobra más sentido sobre el final. Hoy veinte años después, la lucha por la igualdad continúa. Mientras tanto, las armas siguen disparando y los que cargan con la culpa nunca tendrán paz, rompiendo así miles de sueños. Las leyes siguen jugando para los más poderosos. Y aparecerá el miedo a traer una nueva vida a este mundo, como si la felicidad por ese momento fuera un arma de doble filo.

 

Marcelo De Nicola.-

 

Canción post impresiones

 

UNIVERSO VILLENEUVE

 

Denis Villeneuve nació en Québec, Canadá el 3 de octubre de 1967. Estudió cine en la Universidad de Quebec de Montreal. Sus primeros pasos los dio en televisión, para el programa La course destination monde. Siguió en el año 1994 con el corto REW-FFWD, con el que obtuvo un premio en el Festival de Locarno, un documental sobre un fotógrafo que es enviado a Jamaica y se enamora del lugar. Luego participó de un segmento del largometraje Cosmos para llegar a su primer largo en solitario que fue Un 32 de agosto en la Tierra, estrenado en 1998, sobre una mujer que tiene un accidente de autos y luego de replantearse su vida, le pide a su mejor amigo que sea el padre del hijo que desea tener. Otro accidente es el que desencadena la historia de su próximo film: Maelström, del año 2000, con el que gana el premio FIPRESCI en el Festival de Berlín. Los próximos trabajos de Villeneuve fueron los cortometrajes 120 Seconds to Get Elected (2006) y Next Floor (2008). En 2009 llegó Polytechnique, que se llevó el premio a la mejor película canadiense del año. Su salto a la fama llegaría un año después con el drama Incendies. La historia de dos hermanos gemelos que se enteran luego de la muerte de su madre, que su padre no ha muerto y que tienen un hermano que desconocían. El film fue nominado al Oscar y fue premiada en varios festivales alrededor del mundo. 

Luego de un par de cortos, en 2013 estrena dos de sus films más importantes, ambos con Jake Gyllenhall como protagonista. Por un lado, Enemy, basado en la novela de José Saramago “El hombre duplicado”. Por otro lado, por primera vez en Hollywood, filma Prisoners, un thriller sobre la desaparición de dos niñas. Ganó el Oscar a la mejor fotografía y fue elegida uno de los films del año. Su próximo film fue Sicario, otro thriller esta vez sobre el narcotráfico y otra vez elegida uno de los films más importantes del año. En 2016 llegó Arrival, basado en un relato de Ted Chang. La historia de una lingüista que tiene que entablar una conversación con unos extraños alienígenas lo terminó por convertir en uno de los directores preferidos del público y de la crítica. 

El film le terminó de abrir las puertas de Hollywood y para eso le encargaron la secuela de uno de los grandes clásicos de los 80: Blade Runner. En este caso, los acontecimientos se dan 30 años después de la historia original. Para este año llegaría el estreno de uno de los films más esperados de los últimos años: Dune, remake de la vieja película de David Lynch con guion de Eric Roth, entre otros.

 

FICHA TÉCNICA

 

Título original: Polytechnique

Año: 2009

Duración: 77 min.

País: Canadá

Dirección: Denis Villeneuve

Guion: Jacques Davidts

Música: Benoît Charest

Fotografía: Pierre Gill (B&W)

Reparto: Maxim Gaudette, Sébastien Huberdeau, Karine Vanasse, Nathalie Girard, Jonathan Dubsky, Marie-Évelyne Baribeau, Evelyne Brochu, Mireille Brullemans, Pierre-Yves Cardinal

 

PELÍCULA COMPLETA

EL CURIOSO CASO DE BENJAMIN BUTTON - THE CURIOUS CASE OF BENJAMIN BUTTON

PROGRAMA 336 (16-07-2021)

 

SINOPSIS

 

Un hombre (Brad Pitt) nace con ochenta años y va rejuveneciendo a medida que pasa el tiempo; es decir, en lugar de cumplir años los descumple. Esta es la historia de un hombre extraordinario, de la gente que va conociendo, de sus amores y amistades, pero sobre todo de su relación con Daisy (Cate Blanchett), la mujer de su vida. (FILMAFFINITY)

 

EDITORIAL

 

Vivimos de fábulas que nos han sido contadas para engañar a la muerte. Crecimos escuchando historias cercanas y no tanto, y cuando nos quisimos acordar, ya habíamos dejado de ser niños. Allí se habían anidado los sueños y la vida empezaba a transformarse. Los viejos se iban yendo y las nuevas generaciones iban transmitiendo otras historias. El mundo seguía su curso y el reloj de arena seguía sin detenerse. Nunca entendimos a que veníamos a este mundo: a crear vida dicen algunos, a traer muerte aseguran otros. La llama de la eternidad está muy lejos de iluminarnos. Seguimos siendo seres moldeados por la finitud. Y cuando nos damos cuenta de eso, el corazón se contrae. La ilusión muere y queda pensar cuando y en qué momento llegará nuestra hora. 

¿Cómo viviríamos la vida si fuera exactamente al revés? ¿Si tendríamos tatuada nuestra fecha de vencimiento? Quizás viviríamos tratando de realizar esos sueños imposibles. O quizás nos transformaríamos en autómatas olvidados solo esperando nuestro indigno final. La única certeza que tenemos es que cada vida es nuestra y es, justamente, única. Que serán nuestras risas las que se impondrán ante tanto caos y nuestras lágrimas las que enfrentarán a la muerte. Allí, en el oscuro pasillo de la soledad, batallaremos frente a todos nuestros miedos y contestaremos todas sus preguntas. Y siempre esperando despertar con una sonrisa, porque como dice la canción “todo vale la pena si te hace reír”.

                                                                           

Marcelo De Nicola.-

 

Canción elegida para la editorial

 

IMPRESIONES SOBRE EL CURIOSO CASO DE BENJAMIN BUTTON

 

Traigamos a cuenta para empezar aquella anécdota brillante de nuestro amigo Matsuo Basho con su discípulo Kikaku respecto del poema del pimiento. El alumno escribe el siguiente haiku: Libélulas rojas, Quitadle las alas: ¡Son Pimientos! A lo que Basho responde con la velocidad de aquel que no tiene apuro, con la certeza propia del que nada espera: Estos pimientos agregadle alas ¡Son libélulas! Citemos un ejemplo más, ahora del poeta Arakida Moritake. El libro del Zenrin dice: Este espejo roto no reflejara más; la flor caída no volverá a la rama. Sobre lo que Moritake señala: ¿Una flor caída volviendo a la rama? Era una mariposa. Tenemos aquí entonces dos visiones bien distintas del universo. Dos puntos claramente lejanos desde donde mirar al mundo, la realidad, o lo que sea que sea el ser. En una de ellas distinguimos el horror de la destrucción de quien impone y avasalla. Descubrimos una visión que lejos de incluir, de apostar a la diversidad, opta por la represión y el castigo. Por otro lado, claro, estará aquel otro punto de vista sobre el mismo objeto, sobre la misma realidad, que elegirá ver la posibilidad maravillosa de la comunión con aquel otro hostil. Elegirá dar un lugar y generará sobre cualquier sentencia algo hermoso. Apostará a lo diverso y creará con todo aquello vida. 

Borges dijo alguna vez que la muerte es una vida vivida y la vida es una muerte que viene. En aquella sentencia Jorge Luis no hizo otra cosa más que recordarnos nuestro carácter finito, aquella urgencia dramática domingo de cada sonrisa, origen del sentido trágico de la vida. La muerte está allí, queridos amigos, agazapada como una pantera negra. Esta allí en silencio desdibujando recuerdos, caras y gestos tal como si todo no fuera más que un sueño. Esta allí la muerte haciendo de cada segundo un espectáculo único e irrepetible, irrecuperable y fugaz. Si la vida está repleta de ausencias y tedio, bien estará entonces que veamos libélulas y no pimientos. Esa será la idea desarrollada por Eric Roth guionista del relato fílmico dirigido por David Fincher bajo el nombre El curioso caso de Benjamín Button. El film planteará una vida al revés de lo dispuesto por el imaginario colectivo, nuestro protagonista nacerá viejo y con el transcurrir de los años su cuerpo irá rejuveneciendo. Allí una buena metáfora de lo diferente, de lo distinto, del camino poco transitado. Roth agregará como urgencia dramática la sentencia médica de la ínfima expectativa de vida de Benjamín al nacer. Nuestro protagonista, claro, seguirá en su postura contradictoria y por supuesto vivirá. La estructura del relato será no lineal y se servirá del recurso del racconto para narrar. 

La situación marco desde donde se desarrolle el drama será la inminente llegada de un huracán cuya ferocidad promete derrumbarlo todo. Este hecho instalará a la muerte en todo momento y recordará a cada instante que será su gélida mano la que pase cada una de las hojas de la historia. Descubriremos con el correr de la cinta aquella otra alegoría del tiempo, de los cambios, del devenir explicada con tanta belleza por Heráclito cuando afirmaba aquello de que todo cambia y nada permanece y por lo tanto nadie es capaz de bañarse dos veces en el mismo río. Abundarán las imágenes en el film del agua arrasándolo todo, las fuertes lluvias, los ríos desbordantes chocando contra los recuerdos más atesorados, demostrándonos con sutileza que lo que habíamos visto en un comienzo, afectado ahora por el tiempo, es resignificado tomando de esta manera matices diferentes, valores distintos. Brad Pitt desplegará un abanico inmenso de cualidades actorales en el armado de su personaje protagónico. Lo trabajará con precisión, delicadamente. Irá creciendo de manera dosificada, desplegando su tridimensionalidad de forma inteligente. Habrá en Benjamín Button, en su dinámica de desarrollo, algo relacionado al arte Zen. Este arte entiende que toda actividad puede y debe convertirse en un medio valioso de conocimiento interior. Para que esto suceda se deberá lograr una profunda identificación con el objeto o el tema. 

De allí aquel axioma que reza que para pintar una caña de bambú, el artista debe ser en cierto modo él también una caña de bambú. En este tipo de arte la realidad apenas aparece insinuada, es recreada con unos pocos trazos esenciales capaces de reflejar en el espacio la plenitud del objeto observado. Será el resultado de aquella contemplación una resignificación capaz de romper con el tiempo y el lenguaje, será un eco particular de cada momento. Cada uno de esos instantes según lo expresado y su resonancia, y allí lo particular del arte Zen, hablo de su capacidad de resonar ante un estímulo y de esa manera poder contarlo de otro modo, lleva un nombre diferente. Así entonces AWARE será el momento crítico que ocurre entre el acto de percibir la fugacidad del mundo con pena y dolor, y el acto de verlo como la misma forma del Gran Vacío. Ese será el eje resonador de la mirada de Button. Aquel espacio fugaz y silencioso desde donde descubrir que a cada instante el universo se destruye y se vuelve a crea de una manera maravillosa y hermosa. Basho decía que el silencio acentuado de antes y después del haiku es su valor esencial, es el haiku mismo. Será entonces el momento de silenciar en un hecho artístico aquel barullo del futuro que enloquece nuestros oídos, que acelera nuestras vidas hacia el vacío absoluto que es el único destino posible. Habrá llegado quizás el momento entonces de contemplar y sentirnos parte de esa suerte irrepetible y única que acaba de suceder y de esa forma, en ese estado, no exigirle más  nada a nadie. Resonar en donde estemos, en la circunstancia que nos toque, ese es el único premio.

 

Lucas Itze.-

 

Canción post impresiones

 

UNIVERSO FINCHER

 

Nacido en Denver el 28 de agosto de 1962. Empezó como realizador de efectos visuales en la compañía de George Lucas, uno de sus primeros trabajos fue en Star Wars Episodio VI, el regreso del Jedi. Luego trabajó como director de videoclips musicales, entre los artistas que trabajaron con él se encontraban Sting, Patty Smith, Roy Orbison, Aerosmith, Madonna, Rolling Stones, Billy Idol, George Michael y Michael Jackson, entre otros.

Su primer film fue Alien³, la tercera parte de la trilogía creada por Ridley Scott y continuada por James Cameron.

Su siguiente película fue la que lo lanzó a la fama: Se7en (Pecados capitales), con Brad Pitt y Morgan Freeman, escrita por Andrew Kevin Walker. La película fue un éxito tanto a nivel comercial como a nivel crítica, ubicándose en el puesto 22 según el ranking IMDB de las películas de todos los tiempos.

En 1997 dirigió The Game, otro gran thriller con Michael Douglas y Sean Penn y en 1999 se juntó otra vez con Brad Pitt, y sumó a Edward Norton y Helena Bonham Carter para hacer El club de la pelea.

En 2002 y con guión de David Koepp, dirigió La habitación del pánico, con Jodie Foster y Forrest Whitaker.

En 2007 se ocupó de uno de los crímenes más famosos sin resolver de la historia estadounidense, al filmar Zodíaco, basado en el asesino que mataba a sus víctimas según el signo de nacimiento. Con Jake Gyllenhall, Mark Ruffalo y Robert Downey Jr.

En 2008 filma El curioso caso de Benjamin Button, con Brad Pitt y Cate Blanchett. Con guión de Eric Roth. El film, basado en un relato de F. Scott Fitzgerald, cuenta la historia de un hombre que nace con 90 años y va rejuveneciendo con el paso del tiempo. Nominada a 13 Oscar (incluída película y director), 5 Globos de Oro, y 11 Bafta, fue uno de los mejores films del año.

Dos años después llegó otro de sus grandes éxitos con La Red Social, donde cuenta la vida de Mark Zuckerberg y su historia para crear Facebook. Con Jesse Eisemberg y Justin Timberlake. El guión adaptado le valió un Oscar a Aaron Sorkin. 8 nominaciones al Oscar (peli y director incluidas), 8 al Bafta, y ganador a Mejor Director y ganadora de 4 cuatro Globos de Oro, incluidos Mejor Película y Mejor Director.

En 2010 llegó La chica del dragón tatuado, adpatación del Best Seller del sueco Stieg Larsson, Los hombre no amaban a las mujeres, que también había sido rodada en Suecia en el año 2009 bajo el nombre de la trilogía Millenium.

En 2013 gana un premio Emmy a la mejor dirección por la serie más importante del año: House of Cards, con Kevin Spacey.

En 2014 estrena Perdida, un thriller con Ben Affleck y Rosamund Pike, otra vez siendo el film nominado a Mejor Película y Dirección en casi todos los festivales importantes.

En 2017 fue uno de los creadores de la exitosa serie Mindhunter, sobre los agentes del FBI creadores del término “Serial Killer”. Su último film fue Mank, la historia del guionista de “Citizen Kane” Herman Mankiewicz, con una gran interpretación de Gary Oldman.

 

FICHA TÉCNICA

 

Título original: The Curious Case of Benjamin Button

Año: 2008

Duración: 167 min.

País: Estados Unidos

Dirección: David Fincher

Guion: Eric Roth. Historia: F. Scott Fitzgerald

Música: Alexandre Desplat

Fotografía: Claudio Miranda

Reparto: Brad Pitt, Cate Blanchett, Taraji P. Henson, Tilda Swinton, Jason Flemyng, Julia Ormond, Elias Koteas, Elle Fanning, Jared Harris, Mahershala Ali, David Jensen, Tom Everett, Faune Chambers Watkins.

PERFECT BLUE

PROGRAMA 335 (09-07-2021)

 

SINOPSIS

 

Mima es la cantante de un famoso grupo musical japonés. Debido al fracaso de ventas de sus discos, su mánager decide apartarla del grupo y darle un papel en una serie de televisión. Mima cae entonces en una profunda depresión que la lleva a replantearse su vida y su carrera, pero su crisis se agrava cuando descubre que su vida está al alcance de cualquiera en Internet y que alguien la está vigilando. Cuando la serie empieza a emitirse por televisión, Mima comprueba que la ficción se reproduce en su vida real: sueño y realidad se confunden hasta el punto de cuestionarse su propia identidad. El desarrollo de los acontecimientos y su propia intuición llevarán a la protagonista a un desenlace absolutamente inesperado... (FILMAFFINITY)

 

EDITORIAL

 

Si el otro es todo lo que yo no soy, la pregunta entonces es ¿quién soy yo? ¿Qué define a mí ser? ¿Cómo descubrir ese que soy? ¿Dónde hallar esa consciencia? ¿Cómo confirmar que este que soy es un ser para sí y no una manifestación cuidadosamente elaborada según los intereses de otro ser que no es el mío? ¿Cómo confirmar cualquier cosa, después de todo? ¿Cuál es esa delgada línea que divide al ser del no ser, aquella que me expone en definitiva en contraposición de ese otro que no soy? Alguna vez mencionamos en este foro aquello pensado por Sartre de que el hombre es lo que hace con lo que hicieron de él. Ese es tal vez un buen comienzo. Pensar la consciencia del ser como un ser EN sí y un ser PARA si y la relación de todo esto con el no ser, o sea la nada. El ser en si es aquel ser incapaz de ser modificado en el tiempo. Es un ser que nunca va a ser nada distinto de lo que es. Por otro lado, el ser para si es lábil, pasible de modificación y de cambio. Es el ser capaz de salir de si proyectándose hacia el futuro. 

Es la consciencia saliendo de sí, es proyecto. Ahora bien, aún no hemos respondido a aquella pregunta del inicio, como definir quién soy, qué es el ser. Sartre dirá que el ser está definido por aquellas cosas que hemos hecho en el pasado, que son inamovibles, inmutables. Porque fue en aquello que fuimos eligiendo donde en definitiva nos hemos ido eligiendo también a nosotros mismos. Somos nuestras elecciones. Aquí llegamos a algo, el ser para si entonces tienen un pasado, uno incapaz de ser modificado en el tiempo, uno inmutable, por lo tanto, ese pasado es un ser en si. Si entendemos el para si como una proyección hacia el futuro y el en si como aquel factum inmodificable que nos define como ser, entonces, el presente del para si es la nada. Aquella conciencia de ser para si, pensada en el ápice vertiginoso del ahora es nada, no existe como algo dentro de nosotros, solo es hacia el futuro donde es eyectada entre sus proyectos. En el presente, entonces, somos nada. El para si es aquel ser que no es lo que es. Eso es lo que no es… pero entonces qué es… Al estar proyectado hacia el futuro, entonces, es lo que no es, lo que todavía no es pero que tal vez será. 

 

Lucas Itze.-

 

Canción elegida para la editorial

 

IMPRESIONES SOBRE PERFECT BLUE

 

Desde este foro siempre planteamos la idea de que el artista debe morir con cada obra. No es la primera vez que lo decimos pero nunca está de más recordarlo. Jugar el juego hasta el final es lo que nos permite tener esa completa libertad. Prenderse fuego es parte de eso. Aunque muchas veces el fuego lo enciendan desde el otro lado del mostrador. Arriesgarse al cambio es quizás uno de los grandes miedos que padecemos los mortales. La quietud y tranquilidad de estar en un lugar seguro es nuestro chaleco de fuerza. Para nosotros, gente común y corriente, es quizás menos problemático que para los que tienen que lidiar con la opinión pública. La sociedad se convierte en un gigantesco dedo acusador tratando de eliminar cualquier atisbo de libertad. Y ahí es cuando la estrella no debe fallar. Porque los buitres están deseosos de carroña y serán los primeros en aprovechar un tropezón para transformarlo en caída. Fue ese drástico cambio, esa salida de la zona de confort lo que llevó a Mima a su propia pelea interna. Estamos hablando de la protagonista de Perfect Blue, la ópera prima del recordado Satoshi Kon. Ella es una pop-idol de un famoso trío llamado CHAM. Tiene fama, juventud, belleza y miles de admiradores por todo el país. Pero en el momento de mayor popularidad, dejará el grupo para perseguir otro sueño: ser actriz de renombre. Estamos ante otra gran película del animé japonés. 

Basada en una novela de Yoshikazu Takeuchi y con guión de Sadayuki Murai. Un film originariamente iba a ser con actores de carne y hueso, pero tras un terremoto que sucedió en el país nipón, le encargaron a Satoshi Kon que lo hiciera animado. Solo le dieron algunas recomendaciones. Así Kon creó una historia lineal pero compleja. La aderezó con una banda musical acorde e ideó una paleta de colores que pasaba por los fríos verdes y azules a los cálidos rojos en diferentes ocasiones. No habrá una calidad ilustrativa de excelencia, como hemos visto recientemente en Your Name, porque lo que importa es la historia. Mima empezará a grabar una serie, que nos servirá como hilo conductor de la película. Será en la primer parte del metraje donde conoceremos al personaje y comenzaremos a sentir sus miedos. Una joven que pasa de ser la estrella de un grupo a ser una novel actriz de la que se burlan en el set. Esos sucesos y una página de internet llamada “El cuarto de Mima” dedicado a ella empiezan a nublar la mente de la protagonista. En ese sitio se relatan hechos en primera persona y detalles que sólo ella sabría, lo que hace que su cabeza no pare de hacerse preguntas. Además su personaje en la serie empieza a dejar el lado virginal pasando a recrear escenas más fuertes, para llegar a otro público. Con todas estas cartas para jugar, el director nos empieza a llevar por el límite entre lo real y lo ficticio. 

¿Qué forma parte de la serie y qué no? ¿Es parte todo de un sueño o es algo real? Con esas preguntas, Mima empieza a sufrir el rechazo de sus fans y los medios critican sin piedad su nueva vida, que sumado al éxito de sus ex compañeras de grupo, la llevan a un conflicto interno mental. Será todo un proceso de aprendizaje. Convertirse en adulta y dejar el aura juvenil para superar su expectativa profesional. Será entonces un conflicto que no crece de manera dosificada sino de golpe para transformarse en un thriller brillante. Empezarán los asesinatos y el terror se hará presente, como para poner una pizca más de pimienta a la historia. Y cuando todo indicaba que el film se centraba en el conflicto interno de Mima, la historia da un giro para entender que el conflicto es, sobre todo, externo. Y entendemos que en ese punto está la habilidad del director para torcer el volante y dejarnos pensando. Confirma esa denuncia a la sociedad con la que venía amagando. Y también a nosotros como producto de la sociedad en que vivimos. A esa que banaliza logros y que invade cualquier privacidad. A ese mundo que vive con el dedo acusador sin mirar si su propio culo está limpio o no. A ellos que un día te convierten en héroe y al otro día en villano. Y a esperar que por cada Mima que logra prenderse fuego para triunfar, hay miles que quedan a la deriva y son deshechos de la sociedad. Quizás, ese es el mensaje que tengamos que escuchar...

                                    

Marcelo De Nicola.-

 

Canción post impresiones

 

UNIVERSO KON

 

Nacido en Kushiro, Japón el 12 de octubre de 1963, se graduó en Diseño Gráfico en la Universidad de Arte de Mushashino. Sus grandes influencias fueron Philip K. Dick y Yasutaka Tsutsui.

Durante los 80 empezó a hacer distintos cortos de animé, y empezó a trabajar como asistente de Katushiro Otomo. Luego escribe el guion de World Apartment Horror, dirigida por Otomo.  Después de seguir trabajando con este director en un par de proyectos más llega su primera vez como director para una serie de tv titulada Las bizarras aventuras de JoJo.

Sin embargo, su primer largometraje tardaría 4 años más, cuando en 1997 sale a escena Perfect Blue. La historia de una cantante que empieza a ser protagonista de una serie de TV y que el sueño y la realidad empiezan a confundirse. La película fue aclamada por la crítica.

En 2001 llegó el turno de Millennium Actress, donde otra vez se mete en el mundo del cine, donde busca a una estrella que hace treinta años desapareció de las pantallas. Un viaje al pasado donde intentará encontrarse a sí misma. Para muchos, un film a la altura de El viaje de Chihiro.

Dos años después filma  Tokyo Godfathers, donde nos cuenta la hermosa historia de tres vagabundos que encuentran un bebé abandonado y se embarcan en la aventura de encontrarle una familia.

En 2004 dirigió una serie para TV titulada Paranoia Agent antes de volcarse de lleno a su próximo film: Paprika, detective de los sueños. Luego filma otra serie llamada Ani*Kuri15 en 2007, formada por 15 cortos de diferentes directores, el de Kon se tituló Good Morning.

En 2009 empieza a trabajar en su próxima idea, llamada The Dream Machine, pero en mayo de 2010, le diagnosticaron un cáncer pancreático terminal, donde le dieron medio año de vida. Kon falleció el 24 de agosto de 2010 dejando una obra inconclusa y 4 películas que hoy son denominadas de culto. Uno de los fans que dejaron mensajes de consternación por su muerte, fue Darren Aronosfky, el director del Cisne Negro.

 El estudio MADHOUSE, quien produjo todos sus films, decidió seguir en 2011, el proyecto con Yoshimi Itazu al mando, tal fue así su última voluntad, aunque finalmente no pudieron hacerlo.

En 2012, el fundador de Madhouse,  Masao Maruyama declaró: "Por desgracia, todavía no tenemos suficiente dinero. Mi objetivo personal es conseguir terminarlo antes de que se cumplan los cinco años de su muerte. Todavía estoy trabajando duro para lograr ese objetivo” Hoy sigue sin finalizar, pero los fanáticos del cineasta japonés no perderán las esperanzas.

 

FICHA TÉCNICA

 

Título original: Perfect Blue

Año: 1997

Duración: 81 min.

País: Japón

Dirección: Satoshi Kon

Guión: Sadayuki Murai. Novela: Yoshikazu Takeuchi

Música: Masahiro Ikumi

Fotografía: Animación, Hisao Shirai, Yôichi Kuroda

 

PELÍCULA COMPLETA

EN CUERPO Y ALMA - ON BODY AND SOUL (TESTRÖL ÉS LÉLEKRÖL)

PROGRAMA 334 (25-06-2021)

 

SINOPSIS

 

María comienza a trabajar como supervisora en un matadero de Budapest, pero pronto comienzan a surgir cotilleos y rumores sobre ella. Durante el almuerzo opta siempre por sentarse sola, y es consciente de sus deberes y obligaciones, con un estricto apego a las normas. Su mundo se compone de cifras y datos impresos en su memoria desde la primera infancia. Endre, su jefe, es un tipo tranquilo. Ambos empezarán a conocerse lentamente. (FILMAFFINITY)

 

EDITORIAL

 

Una luz se apaga y el cerebro se reinicia. Los labios perfumados con ese vino barato quedaron escondidos en el rencor de un beso olvidado. Las noches pasan y la mente sigue inconexa. Cada ruido parece un misil lanzado al aire. El colchón se vuelve más incómodo y un goteo amenaza con crear una noche eterna. Los párpados caen una y otra vez pero nadie tira la toalla. Es una pelea con uno mismo. Todo se hace cuesta arriba. Das vueltas una y mil veces... Pero sigue todo igual. Buceas en sueños ajenos para lograr conectar algo propio. La música busca formar parte de la conciencia pero nada hace efecto. La mente empieza a viajar a lugares insospechados. Los placeres más ocultos intentan asomar la cabeza y ser al fin parte de este juego. 

Ya no hay lunas llenas esperando por esa magia nocturna. Los lobos dejaron de aullar y se acobijaron en el frío de aquel invierno. Alguna lágrima se desploma de repente. La vida sigue pasando ante tus ojos. Los mismos que sueñan despiertos. En ellos estará la buena felicidad. No habrá eternidad alguna. Sólo momentos fugaces. Las visiones se vuelven borrosas. El cielo y el infierno se unen en un único mundo. Las voces interiores se transforman en murmullos incontrolables. Una tregua es la única opción. Y nadie está dispuesto a ceder. La pelea final para dar ese golpe de nocaut. De esos sueños que luchan por sobrevivir entre el cuerpo y el alma.

                          

Marcelo De Nicola.-

 

Canción elegida para la editorial

 

IMPRESIONES PARA EN CUERPO Y ALMA

 

Hace algún tiempo, coincidíamos con un amigo en aquello de que la única manera de ser feliz es renunciando a la idea de verdad. La actitud detectivesca aniquila joven a cualquier sonrisa. Entendemos a la felicidad íntimamente relacionada con la idea de comunión, de comunicación genuina con otro y en dirección opuesta pensamos a la tristeza fuertemente relacionada a la soledad. Quienes escuchan este programa hace algún tiempo, conocerán ya nuestra postura sobre la comunicación y la comunión, que en definitiva acompaña aquella idea planteada por Sábato, el cual decía que la comunicación, aquel encuentro del que hablamos, se da en forma de urgidos destellos, de efímeros puentes que logra conectar solo por instantes a los seres y así despojarlos de aquella condición de islas que por lo general todos poseemos. Es muy difícil lograr conocer a alguien legítimamente ya que los códigos que manejamos para tales efectos son siempre insuficientes y defectuosos. Lo que nos sobra es la soledad, lo que nos invade es la tristeza. La única manera de disfrutar es siempre a través del engaño. Estamos solos cuando no somos comprendidos, cuando no encontramos nada que nos una a los otros e inevitablemente quedamos afuera, cuando descubrimos que el lenguaje sobre el cual apoyamos todos los cimientos de nuestro conocimiento solo esconde innumerables desdichas. Lo que nos queda es defender el diseño del paraíso propio a como dé lugar. Defender el truco, que después de todo bien sabemos que su finalidad, no es la del engaño mismo sino la de complacer al otro en su deseo íntimo de ser engañado. Evitar destruir sus muros a golpes de por qué, No invadir jamás de razones este espacio infinito que nos distancia. 

Renunciar al fin a toda idea de certificación para así poder disfrutar sin ninguna exigencia de nuestros propios fantasmas. Uno no es de ninguna manera, entonces para que desarmar con torpeza nuestra propia ilusión. En cuerpo y alma, el film de Ildikó Enyedi, plantea de alguna manera esta defensa de los propios paraísos. El relato estará construido sobre la curva dramática que tendrán que transitar Endre y Mária, protagonistas del metraje. Tal como hemos dicho alguna vez en este espacio, encontrar una historia para narrar depende de la oportunidad que se presenta para poder captarla, mientras que el relato depende de nuestra sensibilidad, nuestras condiciones artísticas y nuestra particular concepción del mundo que nos rodea. El ojo del artista está definido allí, nuestra empatía con él o ella se da con la capacidad de narrar aquel particular trabajo de observación que se efectúa sobre la realidad. Entonces, el relato es siempre el problema y la historia es el hallazgo. Encontrar el qué para luego preocuparnos en el cómo. En el film En cuerpo y alma la directora nos pondrá frente al clásico “chico conoce chica”. Ahí el qué. Con el correr del relato descubriremos las particularidades que construyen al personaje de Mária, aquellas que la convierten en un ser solitario, frio, calculador, obsesivo y antisocial. Descubriremos por otro lado a Endre, su jefe, un tipo silencioso, resolutivo, con una vida diseñada para manejarse con un solo brazo ya que el otro no puede moverlo. También solitario, tal vez un poco frio. Se encontrarán en sueños, ella será un ciervo hembra, él uno macho. Se acompañarán en el frio del invierno. Se sentirán libres de cadenas y libres de obstáculos. Aquella será su ilusión, su máscara, su paraíso de diseño propio, su más preciado engaño. Allí, entonces, el cómo. 

La directora elegirá un espacio escénico metafórico y llamativo desde donde narrar. El relato se desarrollará en un matadero donde se procesará la carne vacuna desde el animal vivo hasta el carneado de la res. La fotografía del film se servirá de la monstruosidad de este espacio para ofrecer un punto de vista artístico desde el cual se trabaje sobre la idea desaforada de pasión e instinto y su proceso simplificador en la elaboración de un producto en serie. Allí también quizás la intención narrativa del punto de vista de la guionista. Se trabajará mucho con los rojos en contraposición de otros colores más fríos como los azules o los blancos. Los encuadres por lo general serán fijos, distantes e impasiblemente balanceados. Las actuaciones lograrán una naturalidad un tanto forzada al comienzo para aflojarse hacia el final de la cinta y conseguir así una identificación profunda con ambos protagonistas. La idea de muerte rondará por el relato en muchos momentos, tal vez emparentada en algunas ocasiones a cierta esperanza de cambio, a cierta intención de giro, pero en muchos otros momentos la metáfora caerá y solo será sangre derramada en un grito de desesperado de socorro. Mária, a pesar de todo, podrá disfrutar de su paraíso propio y entenderemos con ella lo solo que estamos la mayoría del tiempo y lo difícil que puede resultar estar con la persona que uno ama. Lo imposible que puede ser lograr aquella comunión de la que hablábamos al comienzo. Defendamos nuestras máscaras, defendamos nuestras fantasías engañosas porque ese es el material con el que están hechos los sueños. No dejemos nunca de soñar aunque los mayores quieran conquistar nuestro espacio con sus pesados bloques de razón, argumentando que las mentiras solo traen desdichas. Festejemos la desdicha en comunión en aquel sentido utópico de las apariencias, que después de todo con el tiempo quizás lleguen a parecerse un poco a lo que otros llaman felicidad.   

 

Lucas Itze.-

 

Canción post impresiones

 

UNIVERSO ENYEDI

 

Nacida en Budapest el 15 de noviembre de 2015. Estudió en la Universidad de Cine y Artes Escénicas de Budapest, donde era la única mujer del curso. Allí luego se convertiría en profesora. Curiosamente, en su época de estudiante asegura que no observó comportamientos discriminatorios, cuando ella era el bicho raro y exótico, por así decir; en cambio sí se observó algo de esto cuando, impartiendo sus lecciones, había más mujeres en las aulas. Artista conceptual, ha trabajado para el grupo de arte InDiGo (INterDIszciplináris GOndolkozás, Pensamiento Interdisciplinar) y el estudio Balázs Béla (BBS), donde han desarrollado su talento compatriotas suyos cineastas como István Szabó y Béla Tarr, y que tiene una línea de trabajo abierta a las propuestas experimentales de jóvenes que se están abriendo camino. Tras algún cortometraje, triunfó en Cannes ganando la Cámara de Oro con Mi siglo XX (1989), ambientada en el imperio austrohúngaro, sobre dos gemelas que ignoran completamente la existencia de la otra, y que han llevado vidas diversas. Ambas acaban coincidiendo en un viaje en tren, el Orient-Express. El film, rodado en blanco y negro, ya apunta unos signos de identidad muy personales, donde se despliegan el azar, las carencias afectivas, las vidas marcadas y los pasajes oníricos. La carrera de Enyedi comenzaba a despegar, justo cuando estaba cayendo el telón de acero. Éste y otros filmes subsiguientes los haría en Hungría en coproducciones que implicaba a otros países europeos, como Francia y Suiza. Elementos mágicos, ajedrez, amor y desamor, junto a una perspectiva infantil, conformaron El cazador encantado (1994), a la que siguió Tamás y Juli (1997), una peculiar historia de amor que se desarrolla en una ciudad minera. 

Luego vendría Simón, el mago (1999), donde la policía recurre al personaje del título para resolver un crimen. A partir de este momento hay un parate en la carrera de la cineasta, que sigue con su trabajo en el mundo de la enseñanza, donde aparte de las clases en su “alma mater”, es requerida para impartir lecciones en otros centros universitarios, en Suiza y Polonia, o para formar parte de jurados de distintos festivales de cine. Su personal indagación en la psicología humana a lo largo de su filmografía le posibilitó trabajar en televisión en la serie Terápia, la versión húngara de la serie televisiva de la HBO En terapia (que a su vez es una remake de una serie israeli), donde está acreditada en 37 episodios. Tras triunfar en Berlín con En cuerpo y alma (2017), Enyedi vive un momento dulce. Ha demostrado que se puede hacer un cine personal, lírico y simbólico, y manejar el mundo de los sueños de un modo original, sin caer en simplificaciones o lugares comunes psicoanalíticos. Como afirma la directora, al describir los sueños coincidentes de los dos protagonistas, “su mundo es simple y transparente, pero está lleno de significado, se trata de un lugar donde podemos reconocernos a nosotros mismos”. Para este año se espera el estreno del film The Story of my Life, donde un capitán de barco apuesta en un bar con un amigo que se casará con la primera mujer que entre. Con Louis Garrel y Lea Seydoux como protagonistas. Veremos que más nos traer esta interesante directora húngara.

 

FICHA TÉCNICA

 

Título original: Teströl és lélekröl (On Body and Soul)

Año: 2017

Duración: 116 min.

País: Hungría

Dirección: Ildikó Enyedi

Guion: Ildikó Enyedi

Música: Adam Balazs

Fotografía: Máté Herbai

Reparto: Morcsányi Géza, Alexandra Borbély, Ervin Nagy, Pál Mácsai, Júlia Nyakó, Tamás Jordán, Gusztáv Molnár, István Kolos, Annamária Fodor, Itala Békés, Vince Zrínyi Gál, Attila Fritz, Zoltán Schneider, Réka Tenki, Rozi Székely, István Dankó

 

PELÍCULA COMPLETA