OASIS - OASISEU

PROGRAMA 338 (06-08-2021)

 

SINOPSIS

 

Jong-Du, un hombre con una leve discapacidad psíquica, acaba de salir de la prisión después de cumplir condena por un atropello accidental. Al volver a casa, su familia no lo recibe precisamente con los brazos abiertos, pero aun así, intentará adaptarse. Un día decide hacer una visita a la familia del hombre muerto en el accidente, y conoce su hija, Gong-Ju, que sufre parálisis cerebral, y a quien su hermano está abandonando en un miserable apartamento. Jong-Du y Gong-Ju pronto mantendrán, después de un primer encuentro conflictivo, una relación amorosa que sufrirá la incomprensión de aquéllos que los rodean. Aclamado film ganador de numerosos premios en festivales. (FILMAFFINITY)

 

EDITORIAL

 

Caminan entre una densa niebla que los rodea. Impertinentes, aparecen como por arte de magia en el momento menos esperado. Aunque muchos no los vean, ellos siempre están. Son invisibles para cierta parte de la sociedad. Son material de descarte o de ocultamiento según la mirada de turno. La inocencia y la inmadurez son demasiado para este mundo. Así ellos encararán esta vida entre ilusiones y sueños. Seguirán jugando a ser los actores principales de su película. Navegarán en las aguas turbias de la inconciencia y serán presa fácil de ciertos lobos feroces que carecen de sentimientos. Serán sus palabras su principal virtud y también su principal defecto. Las que los condenarán o salvarán depende quien las escuche. 

Aunque quien va a escuchar a esos seres invisibles que para la mayoría no tienen voz ni voto. No les quedará otra opción que seguir deambulando en el desierto de la vida escribiendo ese guión, sin saber realmente cuál será el final. Serán los distintos, los que tendrán esa sonrisa marcada aunque estén atravesando la peor de las tragedias. Aunque ellos ni se enteren. Y aunque parte del mundo se encargue de exponerlos una y otra vez. Será tiempo de entender que ciertas anormalidades son más normales que la vida misma. Que ciertas miradas incomodan más a nosotros que a ellos. Y que ellos serán nuestros espejos para encontrar nuestra propia inocencia. Sólo así podremos transitar ese camino cubierto de tinieblas hasta llegar de una vez a ese esperado oasis.

        

Marcelo De Nicola.-

 

Canción elegida para la editorial

 

IMPRESIONES SOBRE OASIS

 

Vivimos inmersos en una cultura que tiende al bien y que hace del mal su peor enemigo. Es por esto que aquella moralidad esclava de la cual deriva lo malo, en contraposición naturalmente con el accionar noble del cual surge lo correcto y lo bueno, es atacada con los peores alaridos y combatida intensamente con el accionar de un complejo entretejido de sistemas. En consecuencia entonces de esta tendencia hacia lo apropiado, las sociedades desarrollan sus valores y se arman así de un conjunto de normas que estipulan y demarcan las conductas y con ello también las relaciones entre los seres, derivando inminentemente en la delicada construcción de la moral. Es en esta estructura binaria donde podemos entender que es indispensable para el desarrollo del concepto del bien una elaboración opuesta a la cual contraponerse. El objetivo claro del bien es librar una lucha contra el mal y de esta manera diferenciarse, distanciarse. El sentido de ese concepto, de toda construcción moral y ética es aquella diferencia, aquella batalla. Platón por su lado niega la existencia del mal. Nos dirá el filósofo griego que el mal no existe, el mal es ignorancia. Educando a la sociedad no habría errores. Pensamiento que se desprende, claro, de las acaloradas reflexiones respecto del asesinato de su maestro Sócrates por el estado de Atenas. Una sociedad educada, entonces, sería una sociedad libre de todo mal. ¿Pero cómo sería aquella sociedad donde el bien impere? ¿Cómo distinguiríamos lo correcto sin su contracara, sin su opuesto? ¿Cómo sabríamos si hacemos el bien si nuestras acciones no tienen una identidad contraria con la cual distinguirse, a la cual denunciar? El bien, entonces, es funcional al mal por necesidad. Genera muchas veces las condiciones para que éste exista. 

Bertrand Russell decía: no puedo evitar escandalizarme pensando que lo único malo que tiene la conducta más perversa sea que a mí no me guste.  Nietzsche en este sentido agregaba que lo que se hace por amor se hace más allá del bien y del mal. El film Oasis del coreano Lee Chang – Dong expone estas ideas en el desarrollo de su conflicto. La película trabajará sobre la relación de dos personajes con diferentes patologías, Jong – Du padecerá un retraso madurativo mientras que Gong – Ju una parálisis cerebral. A su manera cada uno de estos personajes experimentará una sensación de libertad que conllevara el enfrentamiento en solitario de la propia vida. El punto de ataque que trabajará el film instalará el comienzo del relato en el momento en que él es liberado de la cárcel y ella es abandonada por su propio hermano. Dos soledades que se encuentran de alguna manera. Dos diferentes respecto de la normalidad establecida e impuesta que se buscan y se conectan conjugando sus fantasías y sus falencias, adaptando sus necesidades, enamorándose de la única manera posible que no es otra que la que supone la entrega más absoluta. El relato estará planteado desde el punto de vista de Jong – Du y toda la fotografía del film será funcional a la reproducción del estado de ánimo de este personaje. Habrá mucho trabajo de cámara en mano el cual generará cierto movimiento del cuadro para provocar en el espectador una tensión y ansiedad similar a la que vive el protagonista de la obra en todo momento. El film nos tenderá una trampa en la que caeremos abiertamente. Una trampa que buscará exponernos en lo más profundo de nuestros conflictos éticos y morales. 

El cebo de esa trampa estará en la construcción del personaje principal. Jong – Du no generará empatía. En todo el primer acto de la narración, y recordemos la importancia de esta instancia para el héroe de la obra ya que será el momento destinado para la presentación tanto de él como de su conflicto, no habrá conexión empática de ningún tipo con el espectador. A Jong -  Du se lo mostrará hiperactivo, ventajero, entrometido, avasallante, desconsiderado. Jong – Du al rato de conocer a Gong – Ju intentará violarla. Y allí habrá un roce profundo con nuestros límites. Hemos hablado en este mismo foro más de una vez sobre films donde no coincidíamos o muchas veces nos encontrábamos en las antípodas de las actitudes o valores de sus personajes protagónicos. Basta recordar a Juha de “Los perros no usan pantalones” o el mismísimo Dr. Jano de “La niña Santa” Pero Oasis no es el caso. Lee Chang – Dong, su director, apostará a más. Jugará más fuerte. Ira por todo. Habrá un desafío profundo y nuestra indignación será tan fuerte como el martillo de la trampa en la que caeremos. Bastante entrado el segundo acto descubriremos el retraso madurativo y la terrible soledad en la que vive aquel hombre que habíamos juzgado tan abiertamente. El descubrimiento tardará en llegar, el dolor no. Entre copas y en un intento voraz de simplificación Enrique Symns me explicó alguna vez que la pulsión es tocarte una teta, el deseo en cambio es invitarte un café. Simple pero efectivo. Jong – Du será todo pulsión. 

Su retraso no le permitirá medir consecuencia alguna. Nadie lo mencionará, claro, menos en su entorno que solo buscará juzgarlo de la manera más cruel, pero como bien sabemos, uno es lo que es aunque todos los demás nos definan como lo contrario. Esto quizás traiga en quien observa algo parecido a una crisis moral.  Esta trampa buscará replantearnos la construcción ética que dirige nuestra mirada y que cimienta las bases de aquello que consideramos correcto o incorrecto. Expondrá con claridad la necesidad urgente de crear un malo condenable para acomodarnos al instante en aquel paraíso distante construido para esos otros tipos que llamamos buenos. Expondrá la necesidad de deconstruir lo construido. De dudar de aquello que nuestros sentidos juzgan. El poder nos ejecuta normalizando. El poder se inscribe en nuestros cuerpos, en nuestra mente haciendo de nosotros reo y vigilante. Amo y esclavo. Víctima y victimario. Las cosas, queridos amigos y amigas no son lo que son sino lo que somos. Somos aquello que la pluma del poder narra. Aquello que necesita que seamos. Lo real es siempre el relato.   

                                                                                                              

Lucas Itze.-

 

Canción post impresiones

 

UNIVERSO LEE CHANG-DONG

                    

Nacido en Daegu el 1 de marzo de 1954, se graduó en filología coreana a mediados de los ´80. Trabajó como director de teatro y profesor de lengua en una escuela secundaria hasta convertirse en uno de los novelistas más exitosos de su país gracias a El Botín. El cambio de rumbo lo dio a mitad de los ´90 cuando escribió los guiones de los films de su amigo Park Kwang-su, To the Starry Island y Single Spark. Luego llegó su primer largometraje, fechado en 1997 bajo el nombre Green Fish, una crítica de la sociedad coreana a través de los ojos de un joven que se ve atrapado en el submundo criminal. En 2000 hizo Peppermint Candy, la historia de un hombre soltero a lo largo de veinte años de historia de Corea del Sur en orden cronológico inverso (desde la revolución estudiantil de 1980 hasta 2000). 

La misma pareja de protagonista se une para el film Oasis, con el que gana el León de oro a mejor director en el Festival de Venecia. En 2007 llega Secret Sunshine, la trágica historia de una mujer que enviuda y se va a vivir con su hijo a otra ciudad. Termina de hacerse conocido en el mundo gracias a su film del año 2010 “Poesía para el alma”, un melodrama que mezcla la poesía, la vejez y la dura enfermedad del Alzheimer. 

Logra el premio a Mejor Guión en Cannes. Su último film es quizás el más conocido, hablamos de Burning, un extraño thriller basado en una historia de Haruki Murakami,q que llegó a Netflix estos últimos años. Logró premios y nominaciones en muchas partes del mundo

 

FICHA TÉCNICA

 

Título original: Oasiseu (Oasis)

Año: 2002

Duración: 132 min.

País: Corea del Sur

Dirección: Lee Chang-Dong

Guion: Lee Chang-Dong

Música: Lee Jae-Jin

Fotografía: Choi Yeong-Taek

Reparto: Sul Kyoung-gu, Moon So-ri, Ahn Nae-sang, Ryoo Seung-Wan, Chu Kwi-Jung, Kim Jin-Gu, Son Byung-ho, Park Myeong-Shin

 

PELÍCULA COMPLETA

MEMORIES OF MURDER - SALINUI CHUEOK

PROGRAMA 322 (26-03-2021)

 

SINOPSIS

 

Corea del Sur, 1986. Una joven aparece brutalmente violada y asesinada. Dos meses después, se producen una serie de violaciones y asesinatos en circunstancias similares. Para buscar al asesino, se organiza un destacamento especial, encabezado por un detective de la policía local (Park Doo-man) y un detective de la policía de Seúl (Seo Tae-yoon), que ha solicitado ser asignado al caso. (FILMAFFINITY)

 

EDITORIAL

 

Sigo escuchando ese jadeo constante. Mientras la noche se hace más oscura, la respiración aumenta a un nivel irritante. Los pasos se hacen cada vez más cercanos. Veo manchas y huellas a cada momento. Se doblegan los esfuerzos para dar con ese monstruo pero es siempre la misma historia. El engaño se ha consumado. 6 de la mañana, el reloj cacarea sin sentido. Nuevo día. Otra vez la taza de café echando vapor frente a mis ojos todavía dormidos, que nunca descansaron. Suena el celular. La misma noticia de siempre. Otra vez el horror y la vida que se apaga. Y nuevamente a empezar. Pericias, datos, perfiles de víctimas, búsqueda de coincidencias. Siempre un plan nuevo arruina todo. Está más adelante que yo. ¿Seré su propio juego? No hay indicios, ni un mísero argumento para acercarse a la verdad. Mis pies se entumecen por las heladas lluvias. Mi cuerpo abatido busca encontrar un consuelo en recortes de diarios viejos y en bibliotecas desvencijadas intentando hallar una solución. 

Nada está inventado, siempre hay un mentor, quizás como falsa creencia. Lleno páginas de informes sólo para distraerme de lo cotidiano. Los medios encaran preguntas sin respuestas y sólo entorpecen la búsqueda. Son los jueces condenatorios que necesita la sociedad. Los meses se suceden casi sin sentido. Mi vida ya no tiene una rutina ordinaria. Ya lo sé. Estoy encerrado en un juego donde solo él tiene la llave. Entonces será el tiempo de cambiar de cuerpo y de mente. De seguir sus trucos y adivinar el próximo golpe. Habrá que embarrarse para que en el lodo encuentre las respuestas. Pero no se cómo. Sólo esas mentes perversas pueden jugar ese partido. Somos solo árbitros necesarios para su historia. Somos los que tenemos el silbato para pitar el final. Pero estamos lejos de eso. Y el tiempo se acorta. Y otra vida sigue en peligro. Y ahí estoy. Frente al espejo, con la cara demacrada y los labios secos por el frío. Ni el café ya me salva. Sólo busco esa llave. Esa maldita llave que me lleve a entrar en la memoria de un asesino...

 

Marcelo De Nicola.-

 

Canción elegida para la editorial

 

IMPRESIONES SOBRE MEMORIES OF MURDER

 

Hemos charlado algunas veces, en el abrigo de estas noches que ya son tan suyas como nuestras, sobre el peso y la importancia que logra adquirir la mirada. La mirada del otro, la mirada ajena, aquella oscura laguna donde nos reflejamos inevitablemente. Aquella mirada que limita, que es siempre preformativa e insuficiente. Aquella que muta, se corrompe, se degrada e inexorablemente muere. ¿Cuál es la verdad que puede surgir de aquel órgano falible y embustero? ¿Qué es lo que podemos asegurar al estructurar y organizar la realidad a través de aquel dispositivo previo y heredado creador de subjetividades? Platón pensaba que el mundo que percibimos con los sentidos es un mundo aparente, es un mundo que no es verdadero porque está hecho de materialidad, la cual siempre es inestable. Según el pensador griego, al estar atados a un cuerpo que siente estamos condenados a un acceso sectario de la realidad. La finitud nos condena siempre a parcializar. Protágoras alguna vez sentencio: Homo Mensura, el hombre es la medida de todas las cosas. La mirada inexacta creando sentido, la sociedad imperturbable sentenciando la historia. Es un hecho que el haber rescatado a la verdad del mundo de las ideas no valido jamás la mirada ejercida por la otredad sobre el objeto ni sobre su modo de conocerlo. 

Pero lo que sí podemos asegurar es que aquel rescate heroico trajo a la pregunta, a la desconfianza sobre toda certeza impuesta y naturalizada, sobre aquellas verdades narradas en los textos sagrados. El saber, las verdades, ya no se irían a buscar a los escritos realizados por las autoridades, sino que se depositarían en cada uno de los seres humanos, en la individualización de cada ser. La duda como método de búsqueda y acceso a la verdad. La duda como método de desconfianza al modo en que la verdad se nos presenta. Y aquí estará el juego que se plantea en el film de Bong Joon – ho llamado Memories of Murder. La película narrará la historia de unos detectives obsesionados en la siempre fallida búsqueda de un asesino en serie. Uno de ellos, el protagonista, el detective Kim Roe-Ha se jactará de su particular y polémico método para detectar culpables, el cual consistirá en mirar al sospechoso directo a los ojos. Su mirada, la del detective, será la sentencia, será el juicio y obviamente la verdad. Los hechos, las pruebas y los testigos no justificarán su dictamen sino que funcionara al revés. Será a través de su dictamen inexorable que las pruebas se produzcan, los hechos se narren y los testigos declaren. Por otro lado, también involucrado en la intensa búsqueda del asesino, estará el detective Seo Tae-Yoon, cuyo método se basará justamente en el ejercicio de la duda sobre las realidades impuestas por su compañero. 

Dudará de los testimonios por él obtenidos y de la tortura como herramienta para conseguirlos, dudará de la culpabilidad de los sentenciados, y claro, dudará ferozmente de su modo de trabajo. La fotografía del film estará bastante buscada construyendo así un relato audiovisual que contará con encuadres acertados y en algunos casos compuestos de manera delicada y pictórica. La estructura del film será lineal sorprendiendo llegando el final con una elipsis de casi 20 años. Las actuaciones impregnarán de dinamismo y naturalidad las más de dos horas de película, aportando de esa manera a la fluidez en la dosificación del conflicto dramático que no perderá de vista jamás la atención del espectador. El relato comenzará con la llegada del detective rudo a la escena del crimen. Unos niños jugaran por ahí cerca, entorpeciéndolo todo. Uno de ellos se quedará al lado del protagonista y comenzará a hacerle burla, a repetir miméticamente cada palabra dicha por él. Será fácil reconocerlo en la torpeza de aquel niño, en el juego básico de la mímica. Ya en el final de la cinta, luego de haber recorrido toda la curva dramática, nuestro detective llegará modificado al tercer acto y se repetirá la misma escena pero ahora varios años después. Una niña será en este caso la que irrumpa en el cuadro y lo hará desde la duda. Lo hará con una pregunta. Lo hará desde la seriedad imperiosa y urgente de la curiosidad infantil. Será entonces que entenderemos que lo único incuestionable, queridos amigos y amigas, es la evidencia del aquí y ahora.   

 

Lucas Itze.-          

 

Canción post impresiones

 

UNIVERSO BONG JOON-HO

 

Nacido en Daegu, Corea del Sur el 14 de septiembre de 1969, viene de una familia de artistas (padre diseñador, abuelo autor). Recibido en Sociología en 1989, a comienzos de los ´90 arrancó Academia Coreana de Artes Fílmicas. Allí hizo muchos cortos de 16 mm y su trabajo de graduación "Recuerdo en el Cuadro e incoherencia" fue convocado a proyectarse en los festivales internacionales de cine de Vancouver y Hong Kong. Su primer corto fue Gente Blanca en 1994. Su primer largo fue en 2000 bajo el título Perro que ladra no muerde, una comedia negra sobre un aspirante a profesor que intenta deshacerse de un perro que ladra y que traerá consecuencias para todo el edificio. Memories of Murder fue su siguiente film, en el que empieza a hacerse reconocido en el país y donde logra el premio en el Festival de San Sebastián a mejor director. Su siguiente largometraje fue The Host, la historia de un monstruo que cuelga de un puente y devora todo lo que encuentra en su camino. El film se convirtió en el más taquillero de la historia de su país. 

En 2008 participa del film Tokyo sobre la capital japonesa junto a Michel Gondry y Leos Carax. En 2009 filma Madre, la historia de una madre que busca defender a su hijo con retraso madurativo de la acusación de asesinato de una mujer. Logra el Premio a mejor película en habla no inglesa en diferentes festivales o asociaciones. En 2013 adapta el cómic francés Le Transperceneige, titulado Snowpiercer, donde el calentamiento global puso en jaque el planeta y los sobrevivientes viajan en un tren que recorre el mundo... Aunque las clases sociales se dividen por vagones. Con un elenco internacional el film se convirtió en un éxito y hoy tiene un reboot con una serie estadounidense. En conjunto con Netflix en 2017 llega Okja, otra vez con Tilda Swinton como protagonista. La historia de un cerdo inmenso que es cuidado en Corea del Sur y vendido a una multinacional estadounidense que hará que su antigua cuidadora haga todo por que lo devuelvan a su sitio. El 2019/2020 fueron sus años más importantes. Ya que con Parasite, la historia de dos familias que pertenecientes a mundos distintos y que empiezan a unirse con resultados imprevisibles, se convirtió en un éxito impensado. 

El film logró la Palma de Oro en Cannes, el Globo de Oro y se convirtió en el primer film extranjero en ganar el Oscar a Mejor película (además de mejor director y mejor guion original). Este año fue el presidente del Jurado del prestigioso Festival de Venecia. Veremos si llegó a su techo o lo que viene será mejor todavía...

 

FICHA TÉCNICA

 

Título original: Salinui chueok

Año: 2003

Duración: 130 min.

País: Corea del Sur

Dirección: Bong Joon-ho

Guion

Bong Joon-ho, Shim Sung-bo (Historia: Kim Kwang-rim)

Música

Tarô Iwashiro

Fotografía

Kim Hyeong-gyu

Reparto

Song Kang-ho, Kim Sang-Kyung, Kim Roe-ha, Song Jae-ho, Byeon Hie-bong, Koh Seo-hee, Park No-Sik, Park Hae-Il, Choi Jong-ryol, Jeon Mi-seon, Tae-ho Ryu, Seo Young-hwa, Woo Go-na, Lee Ok-joo, Yoo Seung-mok, Lee Hun-kyung, Hyeon-jong Sin, Lee Jae-eung, Jung In-sun, Byung-Gil Kwun

 

PELÍCULA COMPLETA

NAUFRAGO EN LA LUNA - KIMSSI PYORYUGI

PROGRAMA 311 (18-12-2020)

 

SINOPSIS

 

La historia comienza cuando un ejecutivo se lanza al río Han para suicidarse... e inesperadamente despierta en una isla desierta en medio del río, donde vive apartado de la civilización. Una joven, recluida en su habitación durante años, lo observa de lejos... (FILMAFFINITY)

 

EDITORIAL

 

Jugar a ser Dios con la fragilidad de tu mirada. Domesticar tus ambiciones para obtener de esa forma el aliento más salvaje de todos tus gritos. Encarcelar tu animal en oscuras celdas de palabras escritas por nadie. El texto es el tiempo que sucede, es la crueldad del emblema. Ya no veras más la luna arrojado sobre las hierbas ni sabrás los secretos que susurran las estrellas. El plan baila frenético sobre cada una de las fibras nerviosas de tu cuerpo. Se oculta expectante bajo la opiante sombra del azar y la suerte. Esta allí desnudando tus decisiones, hablándote, pensándote, tirando los dados sobre el paño verde de tus actos. El alma disciplina. El alma como herramienta política que modifica al cuerpo, lo moraliza. El alma, perverso calabozo del cuerpo. La noche inminente cae soberbia y pesada sobre la soledad de tu mundo. ¿Dónde están las puertas en este laberinto? ¿Sobre que almohada descansa el sueño prometido? 

Yo solo buscaba un jardín, no fue otra la razón por la que salte dentro de aquella madriguera repleta de ecos extraños, distantes y deformes. Yo solo buscaba un jardín. Y hoy son cada vez menos los puños en alto que como antorchas iluminan nuestro camino. Dios es cómplice y el traidor debe morir. Pero cuidado, aquella muerte es también la muerte del hombre, del hombre tal como lo conocemos. De ese animal enajenado, de esa bestia encadenada apartada para siempre de su jauría. Ya tus manos no son tus manos, ya tus manos son de otro porque el deseo tampoco es tuyo. El deseo. La astucia del plan no lo dejará morir nunca, le dará un lugar allí a lo lejos. Cerca como para verlo y sentirlo, pero lejos como para alcanzarlo jamás. Abonará aquel jardín con esperanza, esa memoria del futuro, aquel truco siniestro que garabatea la mano gélida de la frustración. La esperanza, que nos hará seguir intentándolo aun sabiendo que aquello que buscamos está construido del mismo material del que están hechos los sueños. La esperanza, aquella  feroz condena a ser otro naufrago en la luna.              

 

Lucas Itze.-

 

Canción elegida para la editorial

 

IMPRESIONES SOBRE NÁUFRAGO EN LA LUNA

 

Agarrá el celular. Empezá a bucear entre los contactos y fijate cuantos grupos de WhatsApp tenes... Tomá un papel, armate una lista de todas las personas con la cual chateas a menudo en esos grupos. Ahora de ese número, pensá a cuantas personas viste cara a cara en estos últimos años, incluso antes de la pandemia... Quizás la respuesta te sorprenda... Estamos en la era de un mundo virtual pero en el que estamos más solos que nunca. Somos náufragos en medio de una ciudad alienada pero a la vez desierta, donde todos nos sentimos vacíos y frágiles. Somos nuestra propia isla intentando escapar de la locura. Las metrópolis tienen esa doble vida. Y las personas pasan a ser descartables, casi un número, como los que te tatuaban en ciertos campos de concentración. Y las deudas se multiplican hasta que solo la muerte sea la única capaz de pagar esos montos. Y la muerte, justamente, era lo único que lo aliviaba (o así intuía) a Kim Seung-geun, el protagonista de Náufrago en la luna, film del surcoreano Lee Hae-jun. Este comienza con una conversación telefónica para luego conocer al protagonista quien en un primerísimo primer plano contesta: “ahora ya no me quedan deudas”. Cuando el plano se abra, veremos a un hombre en un puente, preparado para saltar al río Han, que yace abajo pero con todo el temor a cuestas. El plano cambiará y lo veremos de espaldas del otro lado de la autopista. Un micro pasará y cuando la imagen quede limpia, el hombre ya no estará, mientras un estruendo de agua se escucha de fondo. 

Sabremos luego que estamos en la Isla de Kim, casualmente, y que el hombre no cumplió su cometido. Ahora está en una isla desierta en el medio de la gran ciudad de Seúl. Y tendrá que sobrevivir. El director nos llevará por un guión lineal. Pasará del drama a la comedia y viceversa con una facilidad envidiable. Se apoyará en la construcción de los personajes y la calidad interpretativa de los protagonistas, que serán el puntal de la película. Utilizará la música de Kim Hong-jip de un modo que por momentos nos adentraremos en esa historia sin querer salir de ese pedazo de tierra... o de una minúscula habitación. Ni hablar de esa banda sonora que, sin ser estridente, nos lleva hacia allá gracias a la música más perfecta que se pueda oír: el ruido de los árboles, las olas y el sonido de los pájaros sintiendo esa libertad. La fotografía será otro eje fundamental. Se conjugará entre la luz natural con esas mezclas de colores fríos de la vestimenta del personaje con otros cálidos de la naturaleza misma pero a su vez nos inundará de luces tenues y oscuridad en la habitación de la otra protagonista, de quien ya hablaremos más adelante. No habrá tampoco economía de planos. Se servirá de planos generales para mostrar la inmensidad de la isla frente a la soledad del personaje. Utilizará también primeros planos o planos detalles para enfocarse en eso que el director quiere mostrar. La cámara será un testigo de ese cambio, por momentos lo seguirá y dará giros de 180 grados alrededor de Kim, como en los primeros minutos donde se encuentra solo en la isla. Una vez allí Kim se desesperará. Al fin de cuentas, ese intento de suicidio no pareció ser tan determinante. 

Al comienzo intentará por todos los medios tratar de escapar y pedir ayuda pero con el paso del tiempo abrazará la magia de la naturaleza y entenderá que tiene una libertad que nunca había tenido. No habrá deudas, las tarjetas de crédito serán solo un mero plástico inservible y empezará a vivir gracias a la pesca y a la agricultura. No tendrá a la pelota llamada Wilson, pero en una referencia al Náufrago de la dupla Tom Hanks/Robert Zemeckis, tendrá a su propio compañero, un espantapájaros con una lata como cabeza, con quien dialogará en inglés, en otra clara muestra del capitalismo reinante. Latas, papeles y basura por doquier veremos en esa pequeña costa pero son también los que adornan la habitación de una joven que como no podía ser de otra manera, también se llama Kim (Jung-yeon en este caso) quien hace de su dormitorio su propia isla. El guión entonces nos lleva a la historia de esta joven mujer que padece el hikikomori, situación en que una persona no sale de su habitación. Será ella, alguien que se hace pasar por otras personas en las redes y cuyo escape es mirar y fotografiar la luna el día que la ciudad descansa, la única persona que de cuenta de la existencia del extraterrestre de la isla, como ella lo llama. Será a partir de ahí que se unirán las historias de estos dos personajes tridimensionales y que de la mano llevarán la curva dramática del film, con pasos de comedia incluidos. 

Ella como un Dios omnipresente que sigue todos sus movimientos. Un Dios errante y pecador como decía Galeano de nuestro Dios en la tierra. Mediante algo un poco inverosímil pero también aplicado a la fábula con la que está hecho el relato, los protagonistas se comunicarán mediante mensajes en una botella o escritos en la arena, según el caso. Serán cada uno en su mundo, seres alienados y solitarios, cansados de la explotación y el mundo capitalista donde los perdedores son tratados como basura lo que los una. Quizás la evolución consista en volvernos cada vez más sabrosos dice él mientras está comiendo algo que cazó, quizás sabiéndose la próxima víctima. El aburrimiento perfecto también es algo que hace referencia y se nos viene a la cabeza las horas eternas, encerrados durante este año que parece no tener fin. La muerte es la ausencia de la esperanza, por eso aparece como uno de los últimos bastiones. Cuando nos las quiten, ya no habrá pelea por la que luchar. Por eso el rechazo de él al plato de fideos de enviados por ella. No por que no quiera, sino porque quiere el suyo por lo que tanto luchó. Y ahí es ella la que decide salir al sol y ver nuevamente ese mundo podrido pero con un poco más de esperanza. Alejándose de una vez por todas de la virtualidad, como debiéramos hacer nosotros, para salir a encontrarnos y no esperar que llegue otro mensaje en una botella.

               

Marcelo De Nicola.-

 

Canción post impresiones

 

UNIVERSO LEE HAE-JUN

 

Lee Hae-jun nació en Seúl el 18 de agosto de 1973. Estudió publicidad en la Universidad de las Artes de Seúl y pronto empezó a hacerse conocido por escribir guiones para la industria cinematográfica coreana. Entre ellos se encontraban el mediometraje sobre vampiros titulado Coming Out y luego le siguieron algunas como Conduct Zero, Au Revoir UFO o Antartic Journal (co-escrita con Bong Joon-ho). Su debut detrás de las cámaras se dio con la interesante Cheonhajangsa Madonna, o más conocida como Like a Virgin, la historia de un hombre con sobrepeso que sueña con ser como Madonna. Para ello, se inscribe en un torneo de lucha libre que ofrece una buena recompensa y con eso, hacerse el cambio de sexo. 

Luego en 2009 llegó Náufrago en la Luna, donde ganó reconocimiento en varias partes del mundo. A pesar de eso, sus films no tenían mucha recaudación en taquilla, en ese entonces el director comentó: “Me di cuenta de que, como director de cine comercial, no puedo simplemente hacer la película que quiero hacer... en cambio, tengo que considerar a la audiencia. Tenía que entender el hecho de que mis intereses no siempre coincide con el de la audiencia, y también existía la presión de obtener un retorno de la inversión en mi película”. La tercera película que estrena es Mi dictador, ambientada en los ´70 donde se hace la primera cumbre entre las dos Coreas en Corea del Sur y cuenta la historia de un actor que realiza papeles menores y que es contratado para interpretar al doble del dictador norcoreano. Su último film salió en 2019 bajo el nombre de Ashfalla y co-dirigido con Kim Byung-seo que narra la historia de un capitán de equipo de fuerzas especiales durante un terremoto en las dos Coreas mientras su mujer embarazada queda sola en Seúl intentando sobrevivir al desastre.

 

FICHA TÉCNICA

 

Título original: Kimssi pyoryugi (Kim's Island)

Año: 2009

Duración: 116 min.

País: Corea del Sur

Dirección: Lee Hey-jun

Guion: Lee Hey-jun

Música: Kim Hong-jip

Fotografía: Kim Byung-seo

Reparto: Jung Jae-young, Jeong Ryeo-won, Yang Mi-kyeong, Park Yeong-seo, Min-Heui Hong, Jang So-yeon, Gyo-Hwan Koo, Jeong-Won Lee

 

PELÍCULA COMPLETA

REAL FICTION

PROGRAMA 219 (14/06/2018)

EDITORIAL

Lobos feroces atacan desde la ignorancia. Están en todos lados. En la televisión, los diarios, las calles, las oficinas y hasta en el Congreso. Emanan odio en cada una de sus palabras. Repiten discursos hasta el hartazgo. Maldicen desde lo más profundo de sus entrañas. Utilizan su ambivalente moral para señalar con el dedo. Cada derrota los hunde más en su resentimiento. El cordero ha vencido y el lobo teme por su manada. Buscan refugios paganos para satisfacer su insano juicio. Porque solos no se atreven a confrontar y el miedo los deja sin palabras. Verdes esquirlas se esparcirán por el rebaño, algunas equivocarán el camino pero el sentido de unidad será más fuerte. Porque el tiempo es hoy. Porque allá quedaron ciertas revolucionarias tratadas como locas. Porque hay que seguir haciendo historia. No por venganza, sino por futuro. La venganza la veremos en la otra vereda. Escupirán fuego desde sus cuerpos sin sangre. Y contra ellos, no hay perdón que valga. Estarán allá, siempre del otro lado del mostrador. Porque la muerte acecha desde siempre, pero nunca está del lado de los cobardes. A ellos también les dará la espalda, aunque en su nombre terminen las peores aberraciones. Servirá de aprendizaje para conquistar esos derechos que se han negado tanto tiempo. Será el tiempo de cambiar la lucha desigual y entender la sociedad como un todo. Será tiempo de no decidir por el otro. Levantaremos las manos esperando celebrar otra victoria. Festejaremos una vez más que la realidad es más importante que cualquier ficción y así nos enfrentaremos ante cualquiera que quiera jurar venganza.

Marcelo De Nicola.-

Canción elegida para la editorial

Un clásico de Queen

IMPRESIONES SOBRE REAL FICTION

Soy aquella sombra proyectada en el olvido. Soy todo lo escrito en aquel caos que agoniza con la prisa del reflejo. Camino solo en este bosque herido de miedo. Suena en mí el eco de voces perdidas en el tiempo, ensayando palabras huérfanas que nada nombran. Soy nadie, aquel que es ni siquiera ya un sueño. Será en aquellos temibles arrabales, en esa acertada y filosa ausencia donde se desate la feroz batalla que es el arte. Sobre aquellas brasas arderá al fin el alma del artista y será la belleza de esa llama también su obra. Sera el director coreano Kim Ki Duk quien nos abra las puertas de aquel infernal proceso en su obra Real Fiction. El film relatará la historia de un artista humillado que buscara vengarse de sus agresores. Eso será lo que veremos, allí la antesala al infierno. Kim Ki Duk experimentará desde la dramaturgia buscando un quiebre tanto en la creación de los escenarios donde la acción se desarrolla  como también en la construcción de los personajes. A pesar de esto, la estructura sobre la que se narrará la historia será lineal y no habrá rupturas temporales en el relato. 

El personaje transitará los tres actos aristotélicos respetando en aquel plano también la organización clásica de una obra. Será tal vez en el análisis de su sentido connotado donde se encuentre el verdadero brillo del film, será ese, sin duda, el lugar desde donde la obra misma nos interpele y hasta nos desafíe. Entraremos aquí en un terreno huérfano al fin de certezas, aquel lugar virgen de teorías y ensayos de donde solo podremos salir a través del juego. El director planteará personajes que estarán fuera del verosímil sobre el cual el relato general se estructure pero que funcionaran orgánicamente sobre la trama. Será un ejemplo de este laberíntico juego la aparición de personajes que sean parte del drama y que a su vez oficien de camarógrafos, otros que mueran y revivan algunas escenas más adelante. Seremos espectadores también de escenas cuyo raccord se respete, esto es la continuidad dinámica del personaje a través del corte del montaje, pero no así su continuidad lógica. Pasaremos de esta manera, entonces, de un exterior calle a un interior sobre un escenario con solo atravesar una puerta. Creeremos descubrir en todo aquello cierto vestigio del dogma planteado en el 95 por Von Trier, pero luego, con el devenir de la obra nos daremos cuenta que la intención estética nada tendrá que ver con aquel planteamiento. 

Creeremos intuir cierta influencia del surrealismo bretoniano en la construcción del relato, pero finalmente aquella idea naufragará en la tibieza misma de la simple creencia. Tal vez uno de los juegos posibles que la obra proponga o por lo menos soporte, sea el de entender en aquel relato, la intención del director de poner ante la desorientada mirada del espectador el espectáculo mismo de la creación de la obra. El director luchando en aquel abismo oscuro de la ausencia para adueñarse del personaje y en su desatada ambición, también de la trama. La construcción de la tridimensionalidad a través de todas sus instancias, en donde en un comienzo el personajes es hablado y atravesado por la mirada del otro hasta lograr un sustento en sí mismo.  La rebeldía con la que se desprende con terrorífica independencia de la mano de quien lo escribe para adueñarse de su conflicto y perderse al fin para siempre de su creador. El artista sublimando a través de su obra. Será así como el film tomará otro vuelo y lo denotado y connotado se divorcien dando lugar al hecho artístico. Será allí donde veremos arder al director con morboso placer y donde decidamos también arder nosotros. Porque después de todo siempre preferiremos arder en la hoguera de la profundidad de una obra a quemarnos lentamente en la superficialidad de toda mediocridad.

Lucas Itze.-

Canción post impresiones

La magia de Charly

UNIVERSO KIM KI-DUK

Nacido en Boghwa, Corea del Sur el 20 de diciembre de 1960, es uno de los directores más prolíficos de su país. De acuerdo a Kim, fue en París donde acudió por primera vez al cine; entre las primeras películas que vio se contaron El silencio de los inocentes, de Jonathan Demme, y Los amantes del Pont Neuf, de Léos Carax, que le causaron ambas una gran impresión. De regreso en su país natal, su recién descubierta afición le llevó a presentarse a varios concursos de guion; en 1993 obtuvo el premio mayor del Instituto Nacional del Guion de Corea del Sur por Un pintor y un criminal condenado a muerte. En 1994 logró la tercera plaza del concurso organizado por el Concejo Coreano de Cine (KOFIC) con Doble exposición, y al año siguiente el premio mayor del KOFIC por Cruce imprudente. Aunque ninguno de estos guiones llegó a rodarse, su éxito le permitió obtener un contrato con Joyoung Films para rodar Cocodrilo, la brutal historia de un grupo de personas sin hogar que viven bajo un puente sobreviviendo a fuerza de astucia y violencia. 

Su primer guion se transformó en Animales salvajes, rodada en 1996 en las calles de París, que se exhibió en el Festival Internacional de Vancouver. En 1998 La puerta azul se elaboró sobre otro guion premiado por KOFIC y tuvo más exposición internacional, proyectándose en la Berlinale y en el Festival de Cine de Karlovy Vary. En 2000 rodaría dos películas: la muy experimental Ficción verdadera, rodada en apenas 200 minutos y montada en tiempo real, acerca de un artista callejero, su ex novia, y otros personajes que atraviesan la plaza en la que éste ofrece sus obras durante la hora larga que dura el film, y la obra que le representaría el salto a la fama crítica internacional: La isla. Una morosa narración de la relación entre un fugitivo de la ley y la propietaria de un centro de pesca, en la que los inquilinos habitan tiendas flotantes en el lago. Luego llegó Domicilio desconocido que abrió el festival de Venecia al año siguiente, y Mala gente—una nueva incursión en el mundo de la prostitución forzada y la violencia como vínculo amoroso— que fue su primer éxito de taquilla. Su siguiente película, El guardacostas contó con la presencia de una estrella local, Jang Dong-kun, pero resultó menos efectiva que las anteriores. En el 2003 Primavera, verano, otoño, invierno... y otra vez primavera atrajo nuevamente la atención masiva, sobre todo por la mayor accesibilidad de un film desprovisto por completo de violencia. 

Fue también la primera de sus películas en alcanzar distribución a gran escala fuera de los festivales y, fijó las bases para que las posteriores Samaria (que obtuvo el Oso de Plata al mejor director en Berlín en el 2004) y Casa vacía, también llamada Hierro 3 (ganadora del premio equivalente en Venecia) aparecieran en el circuito comercial. 

A partir de ahí fue estrenando una película por año. El arco (2005), El tiempo (2006), que tuvo muy buenas críticas sobre una pareja que empieza a pasar una crisis. En 2007 llega Aliento, nominada a la Palma de Oro en Cannes y en 2008 Sueño. Pasaron unos años para que en 2011 llegue con dos films: Amen (su film más criticado) y Airang. Volvió al buen nivel con el film Piedad en 2012 con el que se lleva el León de oro en Venecia. Un año después estrena Moebius, un drama psicológico con buenas críticas. En 2014 llega One on One, un thriller sobre un crimen. Un año después lanza la experimental Stop y en 2016 llega su último film, La red, un drama de un pescador varado entre las aguas de las dos Coreas.

FICHA TÉCNICA

Título original: Shilje sanghwang (Real Fiction)

Año: 2000

Duración: 86 min.

País: Corea del Sur

Dirección: Kim Ki-duk

Guion: Kim Ki-duk

Música: Sang-Yun Jun

Fotografía: Hwang Cheol-hyeon

Reparto: Ju Jin-Mo, Jin-ah Kim, Min-seok Son, Je-rak Lee, Ki-yeon Kim, Sun-mi Myeong, Jang Hyun-Sung.

SINOPSIS

Cuenta la historia de un artista sin nombre que pinta retratos en un parque. Al mismo tiempo sufre a causa de la rudeza con la que le tratan algunos de sus clientes y por la presión de los miembros de una banda que le exigen dinero. Una chica le lleva al teatro y, allí, un incidente le convertirá en un agresivo delincuente. El llevará a cabo una cruel venganza contra los que le han hecho sufrir.