ARREBATO DE IVÁN ZULUETA

PROGRAMA 512 (31-07-2026)

 

SINOPSIS

 

José Sirgado (Eusebio Poncela) es un director de serie B en plena crisis creativa y personal, incapaz de romper con su expareja (Cecilia Roth). Inmerso en una espiral de autodestrucción, y con las drogas como acicate, José recibe noticias de un antiguo conocido, Pedro (Will More). Se trata de un extravagante joven que graba en Super 8 y cuya obsesión por controlar el ritmo de sus películas lo lleva descubrir el fotograma rojo. El hallazgo despertará la curiosidad de José, quien emprenderá un viaje hacia el “arrebato”. (FILMAFFINITY)

 

EDITORIAL

 

Me mira… nos miramos. Ella sabe lo que estoy pensando. Yo sé lo que quiere ella. No puedo dárselo… O quizás sí. Somos parte de lo mismo. Desde que era un niño soñé con ella. Es algo casi neurótico a esta altura. Está siempre sobre mí. No almuerzo, no ceno. Sólo pienso en ella. En sus ruidos. En sus propios fantasmas. Que ya son los míos. ¿Quién habita este ser? ¿Quién decoró esta habitación? El rojo furioso se entremezcla con el azul más frío. Está todo en un mismo cuadro. Las dos mitades de mí quizás… La mezcla perfecta de fuego y hielo. Un encuadre perfecto. Nadie se animaría a editar esa escena. Afuera se escuchan ruidos. Bocinas, gritos, a lo lejos una sirena invade todo. Bajo a ver… bajamos, dice ella. Que se inmiscuye entre todo el gentío para tener una mejor visión. Capta todo, no para. Como un niño que aprende cosas nuevas. Está así, siempre incorporando conocimiento. Alguien la quiere manotear, pero llegamos a un acuerdo. No se puede estar siempre viendo todo. La sangre llama la atención, pero también impacta. La muerte es así, hermosa y horrible al mismo tiempo. 

Y está siempre al acecho, ella también lo sabe, porque vio muertes de todo tipo. Pero nunca una real, entonces su corazón se moviliza. Además de sangre y muerte, ha visto tantas cosas en este tiempo. Hemos visto, mejor dicho. Mis ojos ya son los suyos y viceversa. Y yo sinceramente ya no sé quién soy. Mi mente arde. El whisky, las pastillas y las líneas de cocaína aspiradas me envuelven en sueños eternos y etéreos. Quizás surjan nuevas ideas. Quizás todo ya está escrito. Y por eso todo es repetitivo, aburrido, sin gracia. Copias de copias. Es la madrugada. Estoy casi desnudo. Corro por una avenida en sentido contrario al tráfico. Alguna bocina suena. Alguna puteada también. Los semáforos parecen todos del mismo color. No me interesa saber cuál es cuál. Creo que ella está conmigo. Estoy seguro que sí. O ella ya soy yo. Pienso sin pensar, respondo sin responder. Escucho un click, un rollo que cae, una brutal frenada. El sonido de ese último arrebato…

 

Marcelo De Nicola.-

 

Canción elegida para la editorial

 

IMPRESIONES SOBRE ARREBATO

 

El amor es todo aquello que dicen que no es.  Si hemos podido descifrar algo respecto del amor en este pequeño tiempo de  existencia, es que no se trata de otra cosa más que de entrega. Uno entra en el perverso juego del amor para perder. Quien pretenda salir de esta sádica  travesura ileso, afortunado o por la misma puerta por la que entró, confunde vilmente las reglas. Maneja canallescamente la economía de los sentimientos, y claro, esconde cartas bajo la manga para no mostrar nunca todo el mazo. Varios juegan en ese paño, sumando naipes, especulando ases, esperando las buenas para poder cantar sobre algo sólido. Basura, miseria. En la economía del amor, todo es pérdida, no existe acto más bello, más repleto de hidalguía, de nobleza, que apartar el yo para dejar que el otro sea. Evitar que el ser, en el encuentro con el otro, fagocite su deseo, lo posea. Amar, tal como hemos dicho alguna vez,  es un pretexto para adueñarse del otro y así transformar su vida en nuestra vida. ¡Vamos! en cualquier descuido aquella relación tan lábil, tan sin sentido, tan indefinida, tan innombrable, tan efímera puede tomar la dinámica del amo y esclavo en un pestañar de ojos, e instalarse años en la insania feroz del sometimiento del uno hacia el otro, variando el vínculo según la demanda. 

Allí entonces no habitará el amor sino el engaño y mezquindad, el ventajismo y el insostenible e infortunado egoísmo. Aun así, no podemos dejar de amar, porque queramos o no, aquel estado de insania, nos hace mejores. Queramos o no, el enamorado insiste en mejorarse. Y allí va y se aventura en el aprendizaje de algún acorde con séptima novena. O se inicia en la sorpresiva tarea de la higiene personal. O tal vez veremos al enamorado intentar proezas tales como caminar sin arrastrar los pies, aprender algún verso perdido de algún poema uruguayo o simplemente encontrar en tu mirada aquel rayo que el sol ha perdido hace ya tanto. Allí el único souvenir, que entre tanta perdida y tanto despojo, claro, no es poco. Se le atribuye a nuestro querido amigo Charles Bukowski la siguiente carta: Querida, encuentra lo que amas y deja que te mate. Deja que consuma de ti tu todo. Deja que se adhiera a tu espalda y te agobie hasta la eventual nada. Deja que te mate, y deja que devore tus restos. Porque de todas las cosas que te mataran, lenta o rápidamente, es mucho mejor ser asesinado por un amante. Sin demasiados malabares del pensamiento, podemos encontrar aquí un claro prólogo para el film Arrebato del director español Iván Zulueta. 

Más allá de la historia en la que podamos centrarnos, o mejor aún, en las historias que la cinta pueda empecinarse en contarnos, sin dudas, la película es una reflexión sobre el arte del cine, sobre el cineasta como personaje, sobre aquel ser creador. Un cineasta solo merece ese nombre cuando sabe lo que hace. Es un hombre que no puede prescindir de la consciencia de su arte, de la reflexión sobre su oficio, del pensamiento de aquello que lleva a cabo. El cineasta piensa al cine para decir el mundo, y con él inventa formas. Todo esto estará en el film más allá de la historia. Veremos al hombre consumido por su arte, obsesionado por el punto de vista, consumido por el Kino glaz, la cámara ojo. Veremos al hombre perder su mirada de hombre y ser devorado por aquella otra de artista, lo veremos creando forma, tal como teorizaba Bresson, moldeando frente y detrás de cámara. Imposible ser el mismo luego de gritar corten. Si algo verdadero ha sucedido en el plató, todos los ahí presentes habrán sido modificados por una energía inexplicable, irreproducible y fugaz. Eso será lo que irá a buscar el verdadero artista al rodaje, ese será el resplandor que deberá rodar, que lo valdrá todo. Por ese instante dará su vida, porque aquel ápice vertiginoso del tiempo será su obra, y allí dejará su alma para mutar en otra piel que vuelvan a lograr mirar la rosa hasta finalmente pulverizar los ojos. Este será el film de Iván Zulueta, todo el resto de la cinta, será simple ficción.

 

Lucas Itze.-

 

Canción post impresiones

 

UNIVERSO ZULUETA

 

Nacido como Juan Ricardo Miguel Zulueta Vergarajauregui en San Sebastián el 29 de septiembre de 1943. No se pudo inscribir como Iván debido al origen ruso del mismo. Nació en el seno de una familia burguesa con intereses azucareros en Cuba, su padre fue abogado y director del Festival de Cine de San Sebastián y su madre era pintora, por lo que de joven se interesó por las artes plásticas. Luego estudió decoración y se fue a Nueva York donde ingresó en la Liga de estudiantes de arte de Nueva York, donde estudió pintura al óleo y dibujo publicitario. Es aquí donde tuvo contacto con el Pop art, la Nouvelle Vague y el New American Cinema (con figuras como Jonas Mekas y John Cassavetes). En octubre de 1964, Zulueta ingresó en la Escuela Oficial de Cinematografía. Otros estudiantes eran Pilar Miró, Álvaro del Amo, Juan Tébar, Antonio Drove y Jaime Chávarri. Conoció a José Luis Borau, su profesor de guion, que se convirtió en su mentor a lo largo de toda su carrera. Iván Zulueta dirigió dos cortometrajes en 35 mm como prácticas para sus cursos: Ágata (1966), inspirado en El retrato ovalado de Edgar Allan Poe, e Ida y vuelta (1967), basado en un relato de William Jenkins. Este segundo cortometraje no es aprobado por el tribunal y, coincidiendo con los disturbios en la escuela que originan su clausura, Iván deja la EOC sin obtener su carné del sindicato (que durante los años del franquismo era esencial para poder firmar una película de forma oficial). En 1968, Pedro Olea produjo un programa televisivo llamado Último grito, presentado por José María Íñigo y Judy Stephen. Decide que sea Iván el que lo dirija debido a sus gustos musicales. El programa consistía en un "magazine", mezcla de sketches, video-clips, gags y psicodelia. En 1970 realiza su primer largometraje Un, dos, tres… al escondite inglés, una sátira donde un grupo de jóvenes músicos hará lo imposible para boicotear una canción que no les gusta nada, y que va a representar a España en un famoso festival de música. Una insólita cinta del singular Zulueta en la que, tras el éxito de Massiel en el Festival de Eurovisión, se parodia este tipo de concursos con una delirante historia rodada sin guión y con la actuación de varios grupos punteros de la época. Ya que Iván no pertenecía al sindicato de directores, fue José Luis Borau el que figuró como director. 

Al principio de esta década se inicia para Zulueta una prolífica carrera como cartelista. Gracias a un material sobrante de negativo en 35 mm de El Imán, experimenta con una truca y realiza los cortometrajes Masaje y Frank Stein, en los que principalmente juega con el ritmo y el tempo. Concretamente, Frank Stein consiste en remontar una película jugando con los tiempos. Esta técnica se convertirá en una fuente de experimentación para Zulueta que repetirá este mismo experimento en varios de sus cortometrajes en super 8 mm, como King Kong, Mi ego está en babia, A malgam A y El mensaje es facial. Conoce a Pedro Almodóvar y colabora como cámara en el cortometraje de este titulado "El sueño (o la estrella)" (1975) en super 8 mm. De una forma más profesional, colabora como ayudante de dirección en Vestida de tul (1975) de Jaime Chávarri y Los restos del naufragio (1978) de Ricardo Franco. Augusto Martínez Torres le propone entonces tratar de experimentar en un formato que le permita llegar a la distribución comercial sin perder por ello la posibilidad de jugar con la cámara. Finalmente, consigue una cámara 16 mm que posibilita a Iván lo deseado. El resultado fue Leo es pardo (1976), que fue presentado en el Festival de Berlín. Al mismo tiempo, el éxito de este cortometraje abrió las posibilidades de llevar esta experimentación al largometraje. Este iba a ser Arrebato, del año 1979. La adicción a la heroína y su bloqueo impulsaron un retiro y un tratamiento con metadona. Llegó a preparar un guion que quedó en la nada, aunque siguió trabajando de cartelista de directores como Almodóvar, Manuel Gutiérrez Aragón, José Luis Borau o José Luis Garci. Vuelve a fines de los ´80 para trabajar para la TVE, en un mediometraje titulado Parpados y más adelante filma el corto Ritesti, una historia de terror con un montaje fragmentado que recuerda a David Lynch. En los 2000 críticos y personalidades del mundo del cine rescatan varios de sus cortometrajes, que hasta se reestrenan en salas. Zulueta muere en San Sebastián el 30 de diciembre de 2009 a los 66 años, dejando un legado de cineasta maldito y de culto.

 

FICHA TÉCNICA

 

Título original: Arrebato

Año: 1979

Duración: 110 min.

País: España

Dirección: Iván Zulueta

Guion: Iván Zulueta

Reparto: Eusebio Poncela, Cecilia Roth, Will More, Martha Fernández-Muro

Música: Grupo Negativo

Fotografía: Ángel Luis Fernández

 

PELÍCULA COMPLETA

CLIMAX DE GASPAR NOÉ

PROGRAMA 452 (15-11-2024)

 

Jóvenes bailarines toman accidentalmente LSD mezclado con sangría y así su exultante ensayo se convierte en una pesadilla cuando uno a uno sienten las consecuencias de una crisis psicodélica colectiva. (FILMAFFINITY)

 

EDITORIAL

 

El sonido se escucha desde lejos. Mientras las luces y la música nos queman los ojos y los oídos. Y no sabemos cómo escapar de tanta locura. Sólo el agua que nos salpica brevemente nos da algo de alivio. Perfumes caros y sudores se entremezclan. Las botellas van y vienen mientras algunos líquidos se derraman por el suelo. El baño es cada vez más concurrido. Entran de una forma y salen de otra. Las miradas perdidas son testigos de esos cambios elocuentes. Gente que empuja y otros con ganas de sacarse la bronca. Alguna piña que no llega a destino. La música no para, el baile y el humo tampoco. Las gargantas se secan y obligan a consumir más. Los celulares sacan fotos que quedarán perdidas en esa nube virtual. Nadie sabrá quienes serán esos que aparecen. El baile sigue, haciendo latir los corazones con más violencia. El agua no alcanza. Los gritos no se escuchan. Sin embargo, todo parece perfecto. Ahí dentro no hay crisis. Afuera, la sociedad se desmorona. Está en una carrera virtual hacia la destrucción. La individualidad ganándole la batalla a lo colectivo. 

Hay esperanzas, aunque el pasado más rancio aparece cada vez con más fuerza. La hipocresía es parte de ese combo que estamos viviendo, donde la falta de empatía y la quita de derechos son moneda corriente. Es la otra fiesta. Esa que estamos viendo desde afuera y a la que no fuimos invitados. Vemos como ellos se regodean en su sudor, que les cae perpetuamente sobre sus mejillas. Extasiados a más no poder, buscando nuevas formas libidinosas de saciar sus placeres. Mientras tanto, nos tienen hacinados, hambreados y esperando que nuestro final sea lo más sufrido posible. Ahora, nosotros somos los bailarines de esa danza tétrica donde solo puede parar el que se muere. Nosotros somos los que pedimos un poco de agua para poder seguir. Sin embargo, nos tienen bailando de un lado a otro. Somos sus títeres perfectos. Y sus manos nos moverán hasta dejarnos sin respuestas. Mientras sus risas reboten por todas las paredes. Y los gritos de esa turba iracunda y sin sentido, los lleve al punto de la locura. A estallar en su desenfrenado clímax.

 

Marcelo De Nicola.-

 

Canción elegida para la editorial

 

IMPRESIONES SOBRE CLÍMAX

 

Alguna vez hablamos en este mismo foro sobre la idea de paraíso y hemos llegado a la conclusión de que los únicos paraísos posibles son los paraísos perdidos. Tal vez en un dejo de melancolía, cualquiera de nosotros, podría ubicar al propio paraíso en la niñez, o en algún momento de nuestra juventud, o en cualquier tiempo pasado donde el recuerdo haya efectuado su recurso narrativo reescribiendo un pasado absolutamente ficticio. Lo cierto es que el diseño de un paraíso es siempre un problema. Nadie podrá encontrar allí lo que realmente busca. El enamorado desdichado jamás encontrará en su paraíso el objeto de su amor negado, jamás encontrará consuelo en aquel pedazo de cielo reservado para él. El engañado, tampoco hallará nunca la justicia tan preciada, y esto es así debido a que lo que uno necesita para ser infinitamente dichoso es quizás lo que a otro le produce la inefable desdicha. No es posible generar en el cielo un infortunio, un desorden cósmico solamente para complacer a un bienaventurado. La pregunta es entonces ¿qué nos queda? ¿Cómo resolvemos aquella falla de diseño del paraíso propio? La manera quizás no es otra sino la misma que se aplica para disfrutar del buen arte, la fe poética. La única posibilidad de ser feliz que tenemos cualquiera de nosotros es renunciando a la idea de veracidad. Será entonces allí que nuestro paraíso propio se empezará entonces a poblar de preciados fantasmas, de deseados reflejos de aquello que supimos amar. Será nuestro paraíso porque serán nuestras propias creaciones quienes lo pueblen. Seremos bien amados, seremos cuidados, seremos justos y serán justos con nosotros y nadie preguntará nada. 

Nadie traerá la duda para arruinar nuestra fiesta. No hay peor imbécil que el que no disfruta de un buen engaño, que el que busca la verdad aunque esta signifique el fin de nuestra alegría. Clímax, la agitada película de nuestro amigo Gaspar Noé, crea su propio paraíso musical en un relato frenético y atrapante. El film comenzará por el final, denunciando a los pocos segundos de iniciada la cinta que lo que se acaba de ver es un relato sobre un hecho real. Luego, sobre la pulcra pureza inmaculada de un plano cenital de nieve blanca irrumpe la muerte, la sangre, lo oscuro que quiebra todo aquel equilibrio. La estructura narrativa será no lineal y trabajará el racconto como herramienta de ruptura temporal. Pasaremos luego a una especie de casting de bailarines visualizado desde una televisión, donde encontraremos a su alrededor mucha información sobre lo que será el film. De un lado veremos lomos de películas en vhs y del otro, libros. Habrá películas de los años 80 que tratarán temáticas que luego se verán en el film y habrá libros que manejarán una intención similar. Se destacará entre las películas, Suspiria de Darío Argento. Con el correr de la cinta llegaremos a la conclusión de que Clímax es un gran homenaje a su cine y en especial a esa película en particular. Arrancará un plano secuencia que narrará una coreografía en donde los bailarines recrearán la imagen de portada de Suspiria, para luego seguir bailando con distintos estilos y formas. La fotografía será oscura y el director demostrará durante todo el relato un excelente manejo de cámara, en particular de los planos secuencias y de las angulaciones cenitales. Notaremos también un excelso gusto en la composición de planos y en la capacidad de transmitir a través de ellos sensaciones al espectador. 

El público pasará por los mismos estados de ánimos que cada uno de los personajes del film transita. Sentiremos el ritmo, sentiremos la euforia, sentiremos el vértigo y también el terror del encierro y sentiremos, claro, la paranoia. La estructura estará dividida en dos partes muy claras, la vida y la muerte; el paraíso y el infierno. La primera parte será todo danza y festejo, Daddy, esa especie de dios que los hará mover como marionetas y los observará desde lo alto, será el encargado de marcar el ritmo de aquella creación, de ese paraíso de bailarines, moda y coreografías. Los veremos trabajar en conjunto, proponiendo y aceptando el juego del otro. Luego, todo se convertirá en un averno oscuro y cruel. Daddy verá desde su lugar morir a su creación, librará todo al libre albedrio, los dejará a su suerte en aquel mar de drogas, sexo y muerte. Habrá sacrificios humanos, un aborto, habrá incesto, habrá racismo, nazismo, habrá el sacrificio de un niño. Desde la fotografía se trabajarán los rojos y los verdes para acentuar la intención de cada uno de los distintos momentos en toda aquella locura. Todo terminará en muerte y destrucción. Tal como dijimos al comienzo, entrometerse en el paraíso de otro, siempre tiene algún costo. Finalmente las puertas de aquel infierno se abrirán y lo primero que veremos será al Can Cerbero, aquel perro mitológico que custodia las puertas del averno, representado por un perro que entrará ladrando sostenido por policías y bomberos. La muerte habrá arrasado con casi toda aquella creación, quedaran cuerpos tirados, quemados, algunos aún alucinando y Daddy estará allí, durmiendo en paz, soñando tal vez otro mundo, otra suerte echada sobre el paño verde de la vida. La pregunta que nos queda será: ¿Habrá valido la pena aquel sacrificio?

 

Lucas Itze.-

 

Canción post impresiones

 

UNIVERSO NOÉ

Gaspar Noé nació en Argentina el 27 de diciembre de 1963, hijo del pintor y escritor Luis Felipe Noé. Estudió cine en Francia y se radicó allá. Arrancó con los cortometrajes Tintarella di Luna, de 1985, y Pulpe Amère, de 1987. En 1991 se empezó a hacer conocido en el mundo con su cortometraje Carne, que fue premiado en Cannes. Su primer largo fue una secuela de Carne, el carnicero protagonista de ese film se convertiría en Sólo contra todos, con las que obtuvo muy buenas críticas. Pero sin dudas el film que lo marcaría como un artista único y polémico, que lo hizo entrar por la puerta grande de Cannes fue Irreversible, con la famosa escena de la violación de 9 minutos que escandalizó al mundo. Las críticas fueron diversas, pero a partir de ahí logró lo que suele pasar con grandes cineastas: ser amado u odiado pero nunca pasar desapercibido.

 

En 2009 llegó otro film por demás interesante como Enter the Void, donde vuelve a demostrar un manejo de la cámara y un modo de contar historias exquisitas. Su próximo film no podía ser menos polémico: Love, con secuencias de sexo explícito, volvió a poner al argentino en boca de todos. En 2018 apareció Climax, esta vez donde se inserta en el mundo de las drogas y vuelve a mostrar todo su talento para filmar. Sin dudas, su película mejor catalogada hasta la fecha. Lo último que ha hecho es el mediometraje Lux Æterna donde dos actrices, Béatrice Dalle y Charlotte Gainsbourg, cuentan en un plató historias de brujas. Lux Æterna es también un ensayo sobre el cine, sobre el amor por el cine y la histeria en un set de rodaje. Su último film es Vortex, donde narra la historia de una pareja de ancianos, donde él tiene problemas del corazón y ella empieza a sufrir de Alzheimer. Con Darío Argento como protagonista.

 

FICHA TÉCNICA

 

Título original: Climax

Año: 2018

Duración: 95 min.

País: Francia

Dirección: Gaspar Noé

Guion: Gaspar Noé

Reparto: Sofia Boutella, Romain Guillermic, Souheila Yacob, Kiddy Smile, Claude Gajan Maull

Música: Varios

Fotografía: Benoît Debie

 

PELÍCULA COMPLETA

RAY DE TAYLOR HACKFORD

PROGRAMA 385 (30-09-2022)

 

SINOPSIS

 

La vida de Ray Charles es una alternancia de triunfos y fracasos personales que se suceden a lo largo de una dilatada carrera en el mundo del espectáculo. Ray era un hombre capaz de fundir con enorme eficacia los más diversos estilos musicales: el jazz, el rhythm & blues, el rock & roll, el gospel y el country. La película se centra en el período más explosivo de la carrera de Charles, que comienza cuando este joven negro y ciego se sube solo a un autobús en Florida y cruza el país para ir a parar a la floreciente escena jazzística de Seattle. Cuando es descubierto por Atlantic Records, empieza su imparable ascenso hacia la fama, pero también su adicción a las drogas y a las mujeres. Al mismo tiempo, tendrá que superar graves traumas infantiles como la muerte de su hermano George y la pérdida de la vista a partir de los cinco años, hechos que marcan para siempre su vida y su música. (FILMAFFINITY)

 

EDITORIAL

 

El goteo de la canilla retumba. Parece que todo va a inundarse de repente. Es cada vez más torturador. Los ruidos aparecen por todos lados, en todo momento. Tic tac tic tac... el reloj nuevamente interrumpe los sueños. El viento acaricia cada hoja de ese árbol que el otoño empieza a secar. Al lado de la ventana, hay más sonidos que parecen crear una noche eterna. Varios pasos se acercan y se alejan. Unos más fuertes, otro más débil y seco. Ese es el taco de una mujer. No hay dudas... ¿Por qué las otras pisadas van y vienen? ¿Será una disputa de poder? Quizás una pelea por ver quien se queda con el premio mayor. Hay voces, risas, y pequeñas discusiones. El motor de un auto aparece lentamente y los tacos se esfuman de repente. No hubo vencedores. O quizás si, ella seguramente se fue riendo en el camino, sabiéndose ganadora. 

Noche tras noche la mente crea historias, aglutina cuentos. De día todo es más críptico. Bocinas, gritos, frenadas, insultos forman un collage indeseable. Pero la música lo envuelve todo. Lo hace más hermoso, más lindo, más ameno. Esa música salva y con ella nace alguien cada día. Cada tono es un color para esos ojos que no ven. Y entonces salen los acordes más hermosos del mundo. Dicen que es la última canción. Es que no nos conocen. Es solo la última canción si nosotros lo permitimos dice la placa final de esa maravilla de película que es Bailarina en la oscuridad de Lars Von Trier. Entonces repetimos, tantos años después, en creer que esa última canción no está compuesta porque todavía hay muchas historias navegando en nuestra imaginación.

 

Marcelo De Nicola.-

 

Canción elegida para la editorial

 

IMPRESIONES SOBRE RAY

 

Hace muy poquito tiempo, a raíz de un triste suceso de público conocimiento, hablo del nefasto intento de magnicidio sufrido por nuestra vicepresidenta Cristina Fernández, tuvimos que explicar a través de este mismo micrófono que el programa que hacemos no habla de política, pero que aun así es un programa político. Después de todo, cualquier hecho artístico lo es. El arte expone de manera precisa y contundente el punto de vista desde donde el artista mira el mundo. Observar y hacer un recorte de la realidad conlleva de manera inevitable la responsabilidad de una toma de posición desde donde ver lo que sucede, ya nos invita con una intención, ya nos aparta de la sobrevaluada objetividad. Cualquiera sea el relato que elijamos para narrar lo que pasa por delante de nuestros ojos, sea este un poema, una canción, una pintura, una película, hasta un chiste, estamos plasmando una toma de lugar, una subjetividad que toma decisiones estéticas, que desarrolla un modo desestimando otros, que focaliza en ciertos detalles prefiriendo olvidar otros. Ricardo Manetti decía que un plano es ideología no por lo que muestra sino por lo que decide no mostrar. Entonces, creemos que es válido concluir de esta manera que todo artista es político aun cuando este no hable de política. Esta idea es sostenida por el director Taylor Hackford en su film Ray, relato que se centra en la narración de la vida personal y artística del músico Ray Charles Robinson. 

La película no hablará de política de manera explícita pero aun así dejará bien en claro la postura de su protagonista. Contará el film con una construcción de personaje única, capaz de confundir al espectador, capaz de introducirlo dentro de un verosímil en donde no dudara en asegurar que aquel que está viendo en la pantalla no es otro sino el único Ray Charles. Jamie Foxx logrará una interpretación realista, con sentido de verdad y completamente orgánica. La fotografía del film irá modificándose con el objetivo de narrar las distintas etapas en la vida del músico. Trabajará sobre una paleta de colores vivos y de contrastes altos para narrar su dolorosa niñez en la zona rural de Florida y todo se irá oscureciendo a partir del devenir de la película y conforme su ceguera avance. Respecto de la estructura trabajada en el metraje entenderemos que el guionista James White trabajará con el quiebre de la linealidad insertando en su narración flashes oníricos, los cuales manejarán la sobreexposición como característica de su estética. Como bien sabemos, una estructura es un grupo de elementos múltiples que coordinados entre si dan por resultado un todo. Toda estructura narrativa tiene siempre una doble función: una coordinadora, en la que se destacan las funciones de los significantes, en este caso será la que se ocupe de todo lo que se ve y lo que se oye. 

Y la otra de sus funciones será expresiva la cual se nutrirá de los significados o sea de lo que se quiere decir. Remarcaba siempre Santiago Carlos Oves que la primera es una función técnica, cercana al oficio de construir formas, mientras que la segunda es profunda y está abocada a los aspectos que hacen a la manifestación de contenidos. Ray balancea de forma muy efectiva ambas funciones. Utilizando la música como hilo conductor de una vida llena de gloria, de una vida ahogada en la oscuridad misma del infierno. El conflicto del film será tan pesado que no se resolverá en el plano de lo real sino allí, donde las leyes de la vida no tienen jurisdicción. Su paz, la ruptura de la calma aparente producida en el primer punto de giro de la obra, se restaurará en los flashes oníricos, en sus diálogos con su madre, en el encuentro con su hermano, en la emancipación final de su dolor. En el plano lineal del relato de la vida de Ray notaremos aquel recorrido dramático en actos puntuales del artista. Lo notaremos en el cambio radical respecto al trato con su familia. En su compromiso para luchar contra racismo sin una militancia explicita sino con acciones concretas desde su área. Lo notaremos en aquella frágil estabilidad que solo la paz consigo mismo consigue lograr. Tal como suele manifestar un amigo de esta casa: Política, no metafísica. 

 

Lucas Itze.-

 

Canción post impresiones

 

UNIVERSO HACKFORD

 

Nacido en Santa Barbara, California el 31 de diciembre de 1944, se graduó en l a Universidad del Sur de esa ciudad en derecho en 1968, para luego ser parte de los Cuerpos de Paz en Bolivia, donde empezó a utilizar una cámara Súper 8. Cuando volvió, decidió dejar derecho y entró a trabajar en la estación de televisón KCET. En 1973 dirigió su primer mediometraje, un documental de 50 minutos titulado Bukowski, donde sigue al escritor durante un viaje a San Francisco, para dar un recital de poesía. En 1978 dirige el corto Teenage Father, que logra el Oscar a Mejor cortometraje, lo que le da una inyección a su carrera. Dos años después sale su ópera prima, The Idolmaker, sobre un joven que escribe canciones y buscar encontrar al joven idóneo que las cante y convertirlo en un nuevo talento. En 1982 dirige Reto al destino, con un joven Richard Gere, que saltaría al fama con este film. Aquí entra en el cuerpo de la Marina y tiene dificultades por el estricto disciplinamiento militar. 

En 1984 dirige El poder y la pasión, remake de Retorno al Pasado, film de 1947. Al siguiente año estrena Sol de Medianoche, con el bailarín Mikhail Baryshnikov, que por un aterrizaje forzoso debe volver a la Unión Soviética, donde es considerado un traidor luego de exiliarse. En 1987 dirige un documental sobre Chuck Berry y al año siguiente estrena Cuando me enamoro, historia sobre un ex jugador de fútbol americano y una ex animadora. En 1993 filma otra de sus películas más importantes, aunque no tan conocida: Sangre por sangre, una historia de casi 3 horas sobre tres primos que terminan enfrentados por las drogas y las fuerzas policiales. En 1995 llega Eclipse Total, adaptación de una novela de Stephen King, con Kathy Bates como protagonista. Vuelve a los primeros planos con el film El abogado del diablo, con Keanu Reeves, Al Pacino y una joven Charlize Theron. 

En 2000 filma Prueba de vida, un film sobre secuestros en Sudamérica con el actor del momento: Russell Crowe, en compañía de Meg Ryan. Vuelve al éxito con Ray, donde fue nominado a Mejor Director, además de la nominación para el film en los Oscar, donde ganó merecidamente Jamie Foxx por su gran interpretación del músico no vidente. En 2010 filma Love Ranch, un drama basado en hechos reales y que gira en torno a un matrimonio que monta el primer burdel legal en Nevada, con Helen Mirren y Joe Pesci. En 2013 dirige Parker, una cinta de acción con Jason Statham y Jennifer López. Su último film llegó en 2016, con The Comedian, la historia de Jackie Burke, antaño una brillante estrella de la televisión, ha caído en el olvido y se ve obligado a aceptar todo tipo de trabajos, aunque no renuncia a recuperar algún día su pasado esplendor, hasta que conoce a una mujer que le dará un giro a su vida, con Robert De Niro.

 

FICHA TÉCNICA

 

Título original: Ray

Año: 2004

Duración: 146 min.

País: Estados Unidos

Dirección: Taylor Hackford

Guion: James L. White. Historia: James L. White, Taylor Hackford

Música: Ray Charles, Craig Armstrong

Fotografía: Pawel Edelman

Reparto: Jamie Foxx, Kerry Washington, Regina King, Clifton Powell, Harry Lennix, Terrence Howard, Larenz Tate, Richard Schiff, David Krumholtz, Curtis Armstrong, Bokeem Woodbine, Warwick Davis, Patrick Bauchau

 

PELÍCULA COMPLETA

JOHNNY Y JUNE, PASIÓN Y LOCURA - WALK THE LINE DE JAMES MANGOLD

PROGRAMA 384 (23-09-2022)

 

SINOPSIS

 

Biopic del gran cantante de música country Johnny Cash y su mujer y compañera June Carter. La historia comienza en Arkansas, en la época de la Gran Depresión. John R. Cash, hijo de un aparcero, no tardará en realizar salvajes giras con los pioneros del rock and roll: Elvis Presley, Carl Perkins, Roy Orbison, Jerry Lee Lewis y Waylon Jennings, giras que culminan con su inolvidable concierto de 1968 en la Prisión de Folsom. Cash se convirtió en el artista más popular del momento, llegando a vender más discos que The Beatles. (FILMAFFINITY)

 

EDITORIAL

 

Si vas a intentarlo, ve hasta el final.

De otra forma ni siquiera comiences.

Si vas a intentarlo, ve hasta el final.

Esto puede significar perder novias,

esposas,

parientes,

trabajos y,

quizá tu cordura.

Ve hasta el final.

Esto puede significar no comer por 3 o 4 días.

Esto puede significar congelarse en la banca de un parque.

Esto puede significar la cárcel.

Esto puede significar burlas, escarnios, soledad…

La soledad es un regalo.

Los demás son una prueba de tu insistencia, o

de cuánto quieres realmente hacerlo.

Y lo harás, a pesar del rechazo y de las desventajas,

y será mejor que cualquier cosa que hayas imaginado.

Si vas a intentarlo, ve hasta el final.

No hay otro sentimiento como ese.

Estarás a solas con los dioses

y las noches se encenderán con fuego.

Hazlo, hazlo, hazlo.

Hazlo.

Hasta el final,

hasta el final.

Llevarás la vida directo a la perfecta carcajada.

Es la única buena lucha que hay.

 

Charles Bukowski

 

Canción elegida para la editorial

 

IMPRESIONES SOBRE JOHNNY Y JUNE, PASIÓN Y LOCURA

 

Una voz carraspea una melodía mientras el ruido de la lluvia se confunde con el eco de una guitarra. Hay tristeza en esa mirada, pero también hay temor. No tanto temor al olvido sino a olvidar de amar. Entregarse es lo más simple. Y cuando el juego parece a punto de terminar, sólo el amor puede llegar a emerger nuevamente desde las cenizas para cambiarlo todo. Y será esa la forma de seguir por el buen camino y no traspasar la línea que va directo al abismo. Siempre estará latente la caída al vacío. La reacción surgirá de repente, cuando todo parece inevitable. El subibaja del mundo intentará derrumbarlo y tendrá que aprender a maniobrar. Los alcances de la fama serán, como siempre, un martirio. Y el pasado aparecerá como ese enemigo imposible de destruir. Desde ese pasado que quedó marcado a fuego, elegirá James Mangold contar la historia de ese legendario músico que fue Johnny Cash. El film arrancará en la antesala de su concierto más impactante, en la prisión de Folsom. Luego, en forma de racconto, el guión irá mechando partes de su niñez y la trágica muerte de su hermano, así como su mala relación con su padre. La película estará basada en dos autobiografías del propio cantante: Man in Black y Autobiography y el guión correrá a cargo del propio Mangold junto a Gill Dennis. 

Estaremos ante un claro film de corte comercial, aunque su duración (casi 2 horas y media) pasará desapercibida, ya que será entretenida en todo momento. No encontraremos planos asombrosos y ni una fotografía de ensueño. El director hará foco en la banda de sonido y en el auge del protagonista. Y contará con un montaje muy bien logrado. Las elipsis oficiarán de salvoconducto para recrear las épocas y el avance de Johnny y los dos de Tennessee en el mundo de la música. Aparecerán Jerry Lee Lewis, Elvis Presley, Roy Orbison, entre otros talentos de la época. Y también emergerá ella y romperá con todo a su paso. Hablamos de June Carter. Sin ninguna duda, el gran acierto del film está en la elección de la pareja protagónica, que se entiende a la perfección, con sólo una mirada. Joaquin Phoenix, como siempre, borda el papel de manera intensa. Sus miradas, sus silencios, sus gritos, le darán un aire de realidad difícil de igualar. Por su parte, Reese Whiterspoon, deja de lado los papeles de rubia con pocas ideas, para realizar el papel de su carrera. Su voz, su dulzura, pero también sus convicciones quedan para siempre inmortalizados en este personaje. Y como bonus, no hay doblajes, ya que son sus propias voces las que suenan en cada canción. 

Asistiremos entonces a la gloria y la caída del héroe. Las adicciones lo convertirán en prisionero de si mismo. La historia cambiará de rumbo y todo se volverá más oscuro, más dramático. Sufriremos su ausencia y entenderemos sus desencantos. Encerrado en su burbuja, recordará que solo hay una cosa que podrá pincharla para poder salir: el amor. “Cuidado con lo que sueñas porque se puede hacer realidad”, es una de sus frases de referencia. Y el va en busca de eso. No son las giras, los éxitos, los shows a estadio lleno. Sino el deseo de encontrar una mujer con la cual se amen y formar una familia. Florecerá ese amor que apareció de repente, que no encontró en su familia y no sintió por su primera mujer. En definitiva, la salvación no guionada. Allí encontrará entonces la forma de escapar de su propia prisión, inmerso en un juego hermoso de pasión y locura.

 

Marcelo De Nicola.-

 

Canción post impresiones

 

UNIVERSO MANGOLD

 

James Mangold nació el 16 de diciembre de 1963 en Nueva York. Sus padres son los artistas Robert Mangold y Sylvia Pilmack. Estudió en el Instituto de las Artes de California y en 1985 consiguió un contrato en Disney, compañía para la que coescribió la película animada Oliver y su pandilla, inspirada en la célebre novela Oliver Twist. Luego, se graduó en la escuela de cine de la Universidad de Columbia, con una maestría en Bellas Artes. En 1995 estrenó su primer largometraje, titulado Heavy, sobre un cocinero que trabaja en un bar, en el cual todo cambia cuando aparece la alocada Callie... Con Pruitt Taylor Vince y Liv Tyler como protagonistas, el film obtuvo el premio a mejor película y guión en el Festival de Gijón y a mejor dirección en Sundance. Tres años después, arma un reparto de lujo para filmar Tierra de policías, con Sylvester Stallone, Harvey Keitel, Ray Liotta, Robert De Niro y Robert Patrick, entre otros. Llega un éxito en 1999 con Inocencia interrumpida, donde Angelina Jolie y Winona Ryder se conocen en un hospital psiquiátrico de los años ´60. Angelina se lleva el Oscar y el Globo de Oro como mejor actriz secundaria. 

En 2001 filma Kate y Leopold, una historia romántica con viajes en el tiempo incluidos, protagonizada por Meg Ryan y Hugh Jackman. Su próxima cinta es en thriller Identidad, donde diez personas quedan encerrados en un hotel con un asesino entre ellos. El gran salto lo vuelve a dar en 2005 con Johnny y June, que le valieron 5 nominaciones al Oscar (y el premio para Reese Whiterspoon) y el Globo de Oro a mejor película de comedia o musical del año. En 2007 filmó el remake del western El tren de las 3.10 a Yuma, con Russell Crowe y Christian Bale. Tres años más tarde dirige Encuentro explosivo, típica cinta de acción de Tom Cruise, esta vez acompañado por Cameron Díaz. Vuelve a los primeros planos dirigiendo Wolverine primero y Logan más adelante, las secuelas de X-Men. 

Sin embargo, fue su último film en el que volvió a aparecer durante las temporadas de premios, gracias a Contra lo imposible, la historia del emblemático diseñador de Ford, Carroll Shelby y el objetivo de derrotar a las Ferraris en la mítica Le Mans de 1966. Nominada a Mejor Película y ganadora a mejor montaje y diseño de sonido en los Oscars. Para el año que viene, se espera el estreno bajo su dirección de la quinta película de la saga de Indiana Jones, donde además de Harrison Ford, estarán Mads Mikkelsen y Antonio Banderas.

 

FICHA TÉCNICA

 

Título original: Walk the Line

Año: 2005

Duración: 136 min.

País: Estados Unidos

Dirección: James Mangold

Guion: James Mangold, Gil Dennis. Autobiografía: Johnny Cash

Música: T-Bone Burnett. Canciones: Johnny Cash

Fotografía: Phedon Papamichael

Reparto: Joaquin Phoenix, Reese Witherspoon, Robert Patrick, Ginnifer Goodwin, Shelby Lynne, Hailey Anne Nelson, Dallas Roberts, Larry Bagby, Waylon Payne, Lucas Till.

 

PELÍCULA COMPLETA