MIND GAME - MAINDO GEMU DE MASAAKI YUASA

PROGRAMA 379 (05-08-2022)

 

SINOPSIS

 

"Mind Game" es un surrealista cóctel audiovisual, catálogo de cuantas técnicas de animación existen a día de hoy (desde el "stop motion" hasta la infografía poligonal, pasando por la caricaturización extrema o la imagen real manipulada). El film narra la historia de Nishi, quien conoce en un tren a Myon, la mujer de sus sueños. Myon y su hermana invitan a Nishi a su restaurante, donde encontrará la muerte cortesía de unos asesinos que venían a cobrar las deudas de Myon. Cuando Nishi muere y va al cielo, desafía el poder de los dioses y decide regresar a la Tierra. Al volver es devorado por una ballena y será en su interior donde Nishi conocerá a un hombre que lleva ahí mas de 30 años. (FILMAFFINITY)

 

EDITORIAL

 

Escaparse de nuestra mente es nuestra propia meta. Allí estamos horas deambulando entre historias imposibles, alargando ilusiones y venciendo miedos. Hasta que el teléfono suena y la rutina vuelve a ganar por goleada. Nos convertimos en seres miserables encerrados sin perseguir sueños. Así pasaremos días, meses, años. Y el miedo se apodera de nosotros... Porque, como dijo alguien una vez, los miedos de la sociedad moderna se dividen en dos tipos: no tener trabajo y tenerlo. Si estás en el primer grupo, estás fuera del sistema. Ni siquiera sos un número. Sos una equis más en algún formulario amarillento. Si estás en el segundo, estás dentro pero... ¿sos realmente feliz? Y la vida pasa y el vacío existencial aumenta. Y en ese tiempo... ¿Qué hicimos? Tuvimos miedo... miedo a escapar, a dar vuelta la página y saltar a esa pileta que no sabemos si está llena o no. Pero no lo hacemos para poner en riesgo nuestro futuro... que nefasto el futuro... Al fin y al cabo, nunca sabremos como llegaremos a él. 

¿Y si hacemos todo lo correcto y la vida se termina de repente? ¿A quién le vamos a echar la culpa? ¿Quién va a ser el chivo expiatorio? Algunos crearán la imagen de un Dios celestial que todo lo mira y que todo lo decide. Pero de ser así, entre nosotros, que uno sea un poco pelotudo vaya y pase, pero El... bastante hijo de puta resultó ser... Si, ya estamos de madrugada y le echamos la culpa a Dios de todo, aunque ni creamos si es un invento o no. Otra excusa más para no desafiar a nuestros miedos. Al fin y al cabo, en unas horas estaremos volviendo a nuestras miserables vidas, tratando de engañar a nuestro corazón y pergeñando una forma de escapar de este delirante juego mental.

                                                                                          

Marcelo De Nicola.-

 

Canción elegida para la editorial

 

IMPRESIONES SOBRE MIND GAME

 

Generalizar es claramente imponerle un orden al mundo. Categorizar tranquiliza porque evita en aquella organización convenida y naturalizada el sobresalto, el desentendimiento, la sorpresa. Ante la diferencia, la palabra normalizadora. La mirada del otro, su palabra designadora, su obsesiva necesidad nombrante, su cualidad de sujeto parlante que designa, que da sentido y construye significación, es siempre un límite. Identificar es discriminar sobre aquel paño borroso y sin formas lo incomprensible. Habiendo ingresado ya dentro del mundo de lo nombrable, del ser, aquello recibe de modo inevitable el estigmatizante peso de la generalización dándole así el carácter de categoría, reservando para aquello un modo, un lugar de pertenencia, un universo. Ahora bien, desde este espacio entendemos que hay dos maneras de enfrentar el camino, dos modos de transitar la experiencia del ser. Ante aquel oscuro abismo que es la existencia bien podríamos optar por tomar el sendero marcado, hablo de aquellas avenidas repletas de luces penetrantes, erigidas sobre la solemnidad de sus asfaltos y baldosas, que en su postura nos anticipan el placer de recorrerlas. Aquellas avenidas que por largas que sean, desde donde nos paremos veremos el final. 

Aquel camino estará repleto de carteles y señales que nos guiaran sobre las huellas de aquellos que ya lo han recorrido. Su final, su límite será el que marque su categoría, y estará bien que así sea. Matsuo Basho nos invitó alguna vez a no seguir los pasos de nuestros maestros sino a buscar lo que ellos buscaron. En esa invitación hay también un desafío. Evitar la avenida iluminada, resignar la seguridad acogedora de un asfalto que promete la ausencia de sorpresas, que jura con fruición la falta absoluta de contratiempos, implica conducir el devenir de nuestra existencia, el ímpetu de nuestro ser siendo, por la aventura misma de la experiencia de vivir, de caminar por aquellos senderos donde como bien escribía Henry Miller en el final de Primavera Negra, los pastos aún están verdes y son salvajes porque nadie los ha pisado. Hablo de aventurarnos plenos, sin trucos ni atajos, esquivando con dignidad aquel mandato que dicta la moral burguesa de una vida sin sobresaltos. De transitar de verdad cada rincón del deseo, de la franqueza del silencio y de los corazones despiertos que sienten, que sufren y aun así lo intentan. Hablo de las vidas que se mueren, de aquellas que no huyen del fuego de la experiencia.  Mario Benedetti nos suplicaba que no nos salvemos:

 No te salves

No te quedes inmóvil al borde del camino

No congeles el júbilo, no quieras con desgana

No te salves ahora ni nunca, no te salves

No te llenes de calma

No reserves del mundo solo un rincón tranquilo

No dejes caer los párpados pesados como juicios

No te quedes sin labios, no te duermas sin sueño

No te pienses sin sangre, no te juzgues sin tiempo

 

Pero, si pese a todo no puedes evitarlo

Y congelas el júbilo y quieres con desgana

Y te salvas ahora y te llenas de calma

Y reservas del mundo solo un rincón tranquilo

Y dejas car los párpados pesados como juicios

Y te secas sin labios y te duermes sin sueño

Y te piensas sin sangre y te juzgas sin tiempo

Y te quedas inmóvil al borde del camino y te salvas

Entonces

No te quedes conmigo

 

Masaaki Yuasa comparte esta idea y la desarrolla en su fabuloso y caótico film Mind Game. El film narrará básicamente la historia del reencuentro entre Nishi, un joven de no más de 20 años y su compañera de la infancia Myon. Su compañera y su gran amor, claro. Nishi será un joven, que habrá buscado salvarse, que habrá preferido reservar un lugar tranquilo del mundo para transitar su vida, hasta que el azar los reencuentra nuevamente con su compañera en el vagón de un subte nocturno. El propio Stephen King en su libro “Mientras escribo” señala la posibilidad de detectar el comienzo del conflicto en cualquier obra a través de aquella frase “hasta que.” Por su parte Miguel Machalski en su obra “El guion cinematográfico: un viaje azaroso” nos habla de la misma frase, pero haciendo referencia a la capacidad de ruptura de una tranquilidad aparente. Todo sucedía de una manera “hasta que”. Aparecerá en la obra de Yuasa la idea del tedio y estará remarcado con un plano que pasará inadvertido en el inicio del film. Será uno cuyo objetivo real (o aparente) no será el de mostrar al protagonista, pero en su composición, muy al costado de cuadro, aparecerá éste escribiendo una frase en su celular. El plano durará lo que un parpadeo. Sobre la pantalla del teléfono, deteniendo el plano, leeremos la siguiente frase en proceso de escritura: La vida es el resultado de tus decisiones. Estaremos frente a un claro guiño del director respecto del desarrollo del relato. Aquella frase, que sonará a sentencia, tendrá todo que ver con la vida de Nishi. 

Bien podríamos entenderla, en una lectura rápida, como una consigna meritocrática. Entender quizás que los males de nuestra vida están allí por decisión nuestra, que todas nuestras angustias y nuestras ausencias nos afectan en definitiva porque nada hacemos para cambiarlas. Error. Bien sabemos que el éxito y el fracaso son dos farsantes que se echan a suerte nuestro estado de ánimo. El film mostrará lo monótono que sabe ser lo cotidiano, mostrará el aburrimiento hermanado con la soledad. Pero lo aburrido es patológico cuando queda ahí ensimismado, cuando su viaje no supera la angustia. Por otro lado, el aburrimiento también puede ser un motor, la soledad también puede ser una llama. Y así funcionará dentro del film, ese será el punto de giro para Nishi. Toda la película trabajara la idea de collage visual jugando con las distintas técnicas de animación, con las diferentes texturas visuales. Nos recordará en algún momento, y supongo que sirvió de alguna manera como fuente de inspiración, al mítico film de los Beatles Yellow Submarine. Habrá influencias del pop y del grafiti, creeremos ver a varios de sus exponentes, por momentos todo parecerá una obra de Andy, en otros creeremos ver a Basquiat, Jean Michel como lo llamaba Andy, mas allá juraremos estar frente al propio Bansky. Lo cierto es que todo será vertiginoso, anárquico, una llama incandescente dispuesta a hablar sobre un aspecto de la condición humana tomando solo algunas herramientas de lo real. Yuasa trabajará una hermosa metáfora del paraíso propio, una metáfora de aquella soledad que es esa mínima porción de universo en donde nos sentimos cómodos. 

Los personajes, desafiando toda coherencia narrativa, serán devorados por una ballena y transcurrirán en su interior gran parte del metraje. Allí se desatará la lucha simbólica contra la seguridad de un espacio conocido, de un espacio protegido y controlado donde el desencuentro es un mal chiste que aún no nos han contado. El vientre materno en todo su esplendor. Hace muy poco una gran amiga de esta casa, Lucrecia Martel, dijo en una entrevista que había que sumergir al espectador en un universo sonoro, un universo que ponga en duda la verdad de las imágenes, que permita compartir la experiencia extraordinaria que nos da el cine de comprender que la realidad es una construcción. En esa clave se desarrollará el film Mind Game, en esas palabras de Martel estará argumentado el collage sonoro y visual que componen el verosímil del relato, si es que una obra artística necesita de argumento alguno. Habrá cerca del final otro juego de encuadre en una secuencia idéntica a la inicial. Ahora la pantalla del celular dirá la historia nunca ha terminado, y será cierto. El final no llegará, nunca llegará porque todo futuro es incierto. No habrá un cierre tal como lo entendemos porque no habrá opción correcta. La vida sometida al balance contable de costo beneficio es siempre absurda. No podemos pensar la existencia jamás en esos términos económicos. Todo es pérdida siempre. Todo, aunque una ráfaga repentina de optimismo nos impida decirlo. Pero no nos desesperemos, lo interesante, como nos demuestra Camus en su Mito de Sísifo, es llenar el vacío en el que se encuentra inmersa nuestra existencia con la mayor y más variada cantidad de experiencias. Porque después de todo, no hay aciertos ni errores, no hay triunfos o derrotas, hay solo vacío.

 

Lucas Itze.-

 

Canción post impresiones

 

UNIVERSO YUASA

 

Masaaki Yuasa nació el 16 de marzo de 1965 en Fukuoka , Japón. Cuando era niño, a Yuasa le gustaba la animación y, desde el jardín de infancia, descubrió que podía entretener a sus compañeros de clase con sus dibujos. Se graduó de la Universidad Kyushu Sangyo .Licenciado en bellas artes y especializado en pintura al óleo. Algunas de sus influencias fueron la serie Mazinger, los primeros trabajos de Hayao Miyazaki, Takashi Nakamura, Tex Avery y hasta Salvador Dalí. Luego de pasar años trabajando en la revista de animación Animage, empezó a tener sus primeras apariciones importantes en los créditos gracias a la serie de televisión Chibi Maruko-chan (1990-1992). En 1992, el siguiente gran paso en la carrera de animación de Yuasa se produjo cuando se unió al equipo de producción de la serie inmensamente popular y de larga duración Crayon Shin-chan (1992-presente). Ese mismo año, Yuasa tuvo su primera oportunidad de dirigir con un episodio de la serie de animación de video original (OVA) Anime Rakugo Kan (1992). Yuasa dirigió el tercer episodio de la serie, titulado The Squash Seller. Siguió trabajando en series y televisión, incluso para el estudio Ghibli. En 2004 dirige su primer largometraje en solitario a pedido del estudio 4°C: Mind Game, que sería muy bien vista por la crítica. A partir de ahí se ganó un respeto en el plano de la animación, siendo contratado para la productora Madhouse, donde realizó la serie Kemonozume... Los años posteriores fue mezclando series como Kaiba, The Tatami Galaxy, Hora de aventura, Ping Pong, Devilman Crybaby, Super Shiro, Eizoken o la miniserie Japón se hunde, con films entre los que se encuentran Welcome to the Space Show, Lu Over the Wall, Night Is Short, Walk On Girl (las 3 del año 2017), Ride Your Wave y la última, Inu-ô, sobre un artista japonés del siglo XIV, dirigida en 2021.

 

FICHA TÉCNICA

 

Título original: Maindo Gêmu (Mind Game)

Año: 2004

Duración: 105 min.

País: Japón

Dirección: Masaaki Yuasa

Guion: Masaaki Yuasa. Manga: Robin Nishi

Música: Fayray, Seiichi Yamamoto

Fotografía: Animación

Reparto: Animación

 

PELÍCULA COMPLETA

CACHÉ

PROGRAMA 221 (28-06-2018)

EDITORIAL

La luz se apaga. El rojo sangre deja de titilar. El rostro imperfecto se torna oscuro. Los recuerdos vuelven a desaparecer de la mente. No corras. De nada sirve escapar. Respirá hondo. Vas a necesitar contener la respiración unos minutos.  Están allí. No los ves. Cargarás con tu cruz y ellos serán tus fiscales. Sentirás la presión sobre tu cabeza, como un viejo roble que cae sobre ti. Renacerán escenas perdidas. Pasados tormentosos. Muertes ilegales. Víctimas sin sueños. Todos se unirán para bailar la misma canción. La danza será una coreografía infinita. No temas. El miedo vendrá a su tiempo, con toda la razón a cuestas. No grites, nadie te escuchará. No implores, Dios muere en cada bala escupida. No mires las horas, tu tiempo se está acabando. No te confíes, la vigilia no acabará nunca. Ya lo dije, estarán ahí. Otra vez. Lo repetiré mil veces si es necesario. Y no podrás escapar jamás. Nadie lo hará. 

Todos somos parte del sistema. Todos caeremos ante esos ojos que todo lo ven. Aunque nos creamos solitarios, alguien nos observará. No importa desde donde. Tampoco desde cuándo. Se repetirá la película de forma eterna. La veremos en otros ojos, que a su vez estarán viendo otras mientras se repite un círculo sin fin. No, no mires atrás mientras escuchas estas palabras. No vas a descubrir nada. Solo tus recuerdos lograrán despojarte de toda esta furia. Recuerdos secretos olvidados en un pasillo deshabitado. Ese olvido que siempre es la primera muerte. Esa muerte que a veces llega para liberar conciencias. O para encerrar fotos añejas de gritos atragantados. Solo quedará el silencio, como siempre cuando no queda nada. Hasta el final. Hasta que la cinta deje de grabar y todo se funda a negro. Hasta que los pasos dejen de sonar y quede al descubierto todo lo que hemos escondido.

Marcelo De Nicola.-

Canción elegida para la editorial

IMPRESIONES PARA CACHÉ

Ludwig Van Beethoven nos advirtió alguna vez que jamás rompamos un silencio si no es para mejorarlo. Debussy, por su parte afirmó que la música es aquel silencio que existía entre las notas. En todo caso, podemos percibir aquel peso agobiante que decae sobre la responsabilidad del uso de la expresión sea cual fuere su medio. Ambas sentencias, dejan percibir cierto fracaso en la intención de comunicación, una haciendo referencia a la dudosa capacidad superadora de la idea y la otra a la ineficacia tajante del uso de las formas que vinculan íntimamente al binomio comunicacional. En este sentido, Ortega y Gasset apunta que el lenguaje lo podríamos definir como el medio para manifestar nuestros pensamientos, pero en un movimiento rápido también nos previene sobre el peligroso optimismo de aquella aseveración, ya que esta no nos asegura que el lenguaje sea el medio más adecuado y eficaz para transmitir aquello que pensamos. Finalmente agrega con cierto sabor a derrota que el lenguaje no da para tanto.  Dice poco más o menos una parte de lo que pensamos, y pone una valla infranqueable a la transfusión del resto. Es notoria la incapacidad en el intento de eludir este conflicto del film Caché de nuestro amigo, el director austriaco Michael Haneke. 

El film será estructurado de manera clásica y responderá obsesivamente a las convenciones de dilación y anticipación de la acción y a la administración del recurso de la sorpresa que estipula el género del suspense. Habrá rupturas en temporalidad lineal narrativa a través del uso de flashbacks y flashes oníricos. La fotografía trabajará una paleta de colores fríos y dispondrá de una puesta de cámara en función del ocultamiento y la sorpresa, narrando a través del uso de planos preferentemente cerrados, alturas normales y el uso de travellings. Se reforzará mediante esta elección estética aquel punto sobre el cual la película hace particular hincapié  que es la visión del otro. Se creará entonces a través de la fotografía un otro que irrumpirá con su punto de vista en la acción y más de una vez será el director mismo quien juegue, no sin generar incomodad, a otorgar al propio espectador aquel punto de vista irruptivo, rompiendo de esta manera aquella convención clásica que sitúa al público en un lugar pasivo y vouyerista. La cinta contará con actuaciones notables y una correcta dosificación de la crisis dramática. Tal como anunciamos al principio de esta charla, será el mensaje propio del film quien cargue con las severas dificultades comunicacionales sin afectar en este caso la atención de quien observa. 

Estarán los que vean cierta pronunciación acerca del racismo, del abuso de poderes, del trato o destrato respecto de la inmigración. Estarán aquellos, que yendo aún más lejos, juren ver cierta perversión del director en el engaño de la trama. No faltarán tampoco los aventureros del pensamiento que asalten aquella idea foucaultiana sobre el accionar retardado de la ley y la necesaria adaptación a las transgresiones de las mismas. La ejecución de la ley no es preventiva sino siempre punitoria. Pero tampoco faltaran aquellos que sensibilizados por la construcción del punto de vista del otro propuesto por el film, crean ver en aquella mirada el insoportable peso de un juicio que no hará más que sacar a la luz a la culpa. Tal vez sea este peso el que movilice el engranaje oscuro y siniestro de este argumento. Tal vez la clave para descifrar el encriptado mensaje no se corra demasiado lejos de aquella vieja charla sobre el juicio entre el bien y el mal, sobre la banalidad del mal y su ejercicio no sobre una intención directa sino desde un lugar aún peor que es la indiferencia, su naturalización. Tal vez, nos quedemos solo con la triste idea de que el bien y el mal no se diferencian, porque como ya todos sabemos, uno necesita del otro para su existencia.

Lucas Itze.-

Canción post impresiones     

      

UNIVERSO HANEKE

Nacido el 23 de marzo de 1942 en Munich (Alemania) creció en Austria, concretamente en la ciudad de Weiner Neustadt. Hijo del director y actor Fritz Haneke y de la actriz Beatrix von Degenschild.

Después de fracasar en su intento de ingresar en la Escuela teatral Max Reinhardt, Haneke cursó estudios de filosofía, psicología e interpretación en la Universidad de Viena antes de trabajar como crítico de cine y director de obras de teatro y películas televisivas durante los años 70 y 80.

Su primer largometraje cinematográfico fue “El Séptimo Continente” (1989), un drama familiar en tonos sombríos y desesperanzados que estaba basado en un hecho real. Este título fue el primer film de una trilogía conocida como la glaciación emocional que fue continuada por “El Vídeo de Benny” (1992), otra historia con familia disfuncional que contaba con el protagonismo de un psicópata adolescente, a quien le regalan una cámara y graba cómo sacrifican a un cerdo con una pistola, el punto de partida para iniciarlo en el salvajismo. El film fue nominado como mejor film europeo. La tercera parte fue “71 Fragmentos De Una Cronología Del Azar” (1994), realización en donde se incidía en comportamientos criminales significando la violencia existente en la sociedad urbana, en este caso, diferentes líneas narrativas e historias no relacionadas que confluyen en una matanza en un banco austriaco. Esta vez, los premios fueron el de mejor película en el Festival de Chicago y película, guion, y premio de la crítica en Sitges, Cataluña. 

En el medio rueda para la TV Die Rebelion, la historia de un soldado que pierde una pierna en la guerra y empieza a perder su patriotismo.

En 1997 adapta para la televisión, El Castillo, de Franz Kafka. Otra vez la alienación, la burocracia, y la frustración forman parte de su filmografía. Ulrich Muhe como K. era el protagonista. Se vuelve a unir con este actor para el film Funny Games, la historia de una familia que se va de vacaciones a su casa de verano. Allí, dos jóvenes vecinos ingresaran para pedirles huevos, pero con un juego bastante particular: a las 9 del día siguiente, los integrantes de la familia tienen que estar muertos. Obtuvo el premio de la crítica en Cannes.

En el 2000 se traslada a Francia donde dirige Código Desconocido, película con la participación de la actriz francesa Juliette Binoche, una historia coral que aborda asuntos de racismo e inmigración. El film fue nominado a la Palma de Oro en Cannes. Un año después llega “La Profesora de Piano” (2001), film protagonizado por Isabelle Huppert, Annie Girardot y Benoit Magimel, en un drama erótico y psicológico basado en una novela de la escritora austriaca Elfriede Jelinek que le valió ganar el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes, además de los premios para los actores principales. Allí, una profesora de piano, para escapar de la influencia maternal, frecuenta cines porno y sex shops hasta que uno de sus alumnos, comienza a seducirla. Además, logró el BAFTA como mejor película extranjera, y varias nominaciones en diferentes festivales, no sólo al film, sino a la actriz protagónica.

En 2003, vuelve a convocar a Huppert para el film El tiempo del lobo, en un tiempo indeterminado, un desastre ha ocurrido, se sabe que el agua sin contaminar es sagrada y el ganado debe ser quemado. Una familia escapa de la ciudad al campo, pero evitar el caos generalizado, será imposible. Mejor guion en Sitges.

Dos años después filma Caché (Escondido), un thriller en el que vuelve a retratar otro descenso a los infiernos de una familia aparentemente normal. Daniel Auteuil encarna al presentador de televisión que recibe videos anónimos de su entorno familiar, filmados sin que nadie lo advierta mientras que la policía se niega a ayudarlo, ya que no constituye ningún delito. Haneke se llevó el premio a mejor Director en Cannes, además de que el film se llevó el premio de la crítica, además de premios en varios festivales y asociaciones de críticos.

Dos años después vuelve a filmar Funny Games pero en Estados Unidos, con Naomi Watts y Tim Roth como protagonistas. Vuelve a Alemania en 2009 para filmar La cinta blanca, ambientada en la época previa a la Primera Guerra Mundial. En un pueblo alemán se suceden una serie de hechos violentos con un grupo de niños como testigos.  La historia reflexiona sobre los orígenes del nazismo mucho tiempo antes de que empiece a dar que hablar. La película más premiada de Haneke, con Globo de Oro a mejor película extranjera (perdió el Oscar ante El secreto de sus ojos). Palma de Oro en Cannes, además del Premio de la Crítica y Mejor película europea, entre otras decenas de premios y nominaciones.

Si con La cinta blanca saltó definitivamente a la fama, con su próxima película, lo confirmó. En 2012 llegó Amor, la historia de una pareja de 80 años, ambos jubilados que viven en París y profesores de música clásica. Un día, ella sufre un infarto que le paraliza un costado, donde luego de una operación, queda hemipléjica. Ella le pide a su marido que nunca más la lleve a un hospital. La unión y el amor se pondrán a prueba. La película, protagonizada por la actriz de 85 años, Emanuelle Riva (Hiroshima Mon Amour) fue un éxito mundial. Ganadora del Oscar, Globo de Oro (ambas como película extranjera) y Festival de Cannes, tres de los premios más importantes del cine, entre muchos otros.

Este año volvió a trabajar con Isabelle Huppert en Final feliz. La película gira en torno a una familia burguesa y el drama de los refugiados. La familia posee una empresa en Calais, al lado de los campamentos donde viven miles de refugiados, pero su vida, no es color de rosa. Por primera vez, el director deja el drama para para irse un poco para el lado de la comedia… Veremos con que sigue el maestro europeo.    

FICHA TÉCNICA

Título original: Caché

Año: 2005

Duración: 117 min.

País: Francia

Dirección: Michael Haneke

Guion: Michael Haneke

Música: Varios

Fotografía: Christian Berger

Reparto: Daniel Auteuil, Juliette Binoche, Maurice Bénichou, Annie Girardot, Lester Makedonsky, Bernard Le Coq, Walid Afkir, Daniel Duval, Aïssa Maiga.

SINOPSIS

Georges es el típico burgués: presenta un programa literario en televisión y lleva una vida acomodada con su mujer y su hijo adolescente. Pero, de repente, empieza a recibir unos paquetes anónimos que contienen cintas de vídeo, grabadas desde la calle, y unos dibujos inquietantes cuyo significado es un misterio. No sabe quién se los envía; pero las secuencias que aparecen en las cintas son cada vez más personales, lo que parece indicar que el remitente lo conoce desde hace tiempo. Georges siente que una amenaza se cierne sobre él y su familia, pero, como no hay evidencias de delito alguno, la policía se niega a ayudarlo.